Les Jaunes de Vincent Van Gogh

Les jaunes de Vincent Van Gogh ou pourquoi il faut vraiment faire attention aux pigments que l’on utilise en peinture.
Il est bien connu que la montée de l’impressionnisme était due en partie aux nouveaux développements de la chimie des peintures qui ont créé des couleurs plus lumineuses et plus stables qui n’étaient pas disponibles auparavant pour la peinture à l’huile.

Vincent Van Gogh est l’un des artistes qui a adopté et expérimenté la nouvelle technologie des couleurs.
L’éclat de certaines des peintures à l’huile les plus célèbres de Van Gogh, est dû à son utilisation de ces pigments industriels, nouvellement disponibles. Ces pigments commencent à apparaître dans son travail après son déménagement de la Hollande vers la France.
Malheureusement, les chimistes de l’époque n’avaient pas les outils pour effectuer des tests de vieillissement accéléré afin de déterminer la résistance à la lumière dans le temps de leurs nouvelles créations.
L’une des couleurs, le jaune de chrome, PY34 du Couleur Index , est non seulement toxique, mais elle est également connue pour s’assombrir en cas d’exposition aux rayons ultraviolets du soleil. Alors que des alternatives moins toxiques au chrome jaune ont finalement été développées au milieu des années 1900, les artistes ont tendance à y recourir.
Mais, pendant une période critique, la couleur brillante fournie par le Jaune de Chrome a été un outil important dans la palette de van Gogh et de bien d‘autres artistes.
C’est un des jaunes que Van Gogh a le plus utilisé pour peindre ses fameux Tournesols.
Les chercheurs ont découvert que certaines, mais pas toutes, de ces peintures contenant du jaune de chrome souffrent du brunissement.
Pour comprendre comment les peintures vieillissent et comment mieux les conserver pour l’avenir, des chercheurs ont mené une étude approfondie du brunissement observé dans certains travaux de Van Gogh peints avec du jaune de chrome.
Des scientifiques de quatre pays ont réalisé cette étude. Ils ont commencé par collecter des échantillons de trois tubes de peinture jaune chrome de l’époque. Ils ont fait vieillir artificiellement ces peintures pendant 500 heures à l’aide d’une lampe ultra-violette.
Les rayons UV du soleil provoquent une réaction chimique de réduction du chrome (de Cr6+ à Cr3+) sur une profondeur de un à trois micromètres de la peinture, ce qui altère sa couleur.
Ils ont également prélevé des échantillons de deux tableaux de Van Gogh, Vue d’Arles avec des iris et Rive de Seine.
Les Jaunes de Vincent Van Gogh

Vue d’Arles aux Iris par Vincent van Gogh, peinture à l’huile.

La peinture des tubes s’est assombrie en un brun chocolat après une exposition à la lumière UV.
En utilisant un faisceau de rayons X cent fois plus fin qu’un cheveu humain, les scientifiques ont également pu analyser le jaune de chrome noirci à la surface même des deux peintures, juste en dessous du vernis.
Leurs analyses ont découvert que le chrome dans le pigment gagnait des électrons à partir de la lumière UV, réduisant efficacement le chrome (VI) en chrome (III), passant de jaune vif à brun.
La découverte du faisceau microscopique de rayons X de l’ESRF de Grenoble, a montré que l’obscurcissement était le plus important là où se trouvaient les composés chimiques contenant du baryum et du soufre.

Van Gogh mélangeait de la peinture blanche à son jaune pour le rendre plus lumineux. Son blanc était un sulfate de baryum dont les éléments chimiques baryum et soufre accélèrent cette réduction, d’où un brunissement plus rapide de sa peinture.
La prochaine phase de la recherche sera la plus importante de toutes pour essayer de comprendre s’il y a un espoir de ramener les pigments à leur état d’origine dans les peintures où l’obscurcissement a déjà eu lieu.
Aujourd’hui, les jaunes de Chrome vendus dans le commerce sont des Subtrats, ils n‘ont plus le même risque qu’avant mais vérifié quand même si vous achetez un pigment ancien ou un tube de peinture datant du début du 20° siècle.
Ce qui fait souvent la différence entre un peintre amateur et un peintre expérimenté, c’est que ce dernier test beaucoup de nouvelles matières, de nouvelles couleurs, de nouveaux médiums, c’est un mal nécessaire pour faire avancer son art.
Mais dans tous les cas, prenez vos précautions.

Comment s'inspirer de nos ancêtres les artistes en Pas à pas

En tant qu’artistes, nous avons presque cette attirance innée pour notre métier, pour notre besoin de créer.
Et nous avons tous quelque chose ou quelqu’un qui a nourri cette passion. Pour de nombreux artistes, les œuvres des autres orientent la manière dont ils abordent leur propre art.
Annie O’Brien Gonzales, auteur de Bold, Expressive Painting, fait référence à ces influenceurs comme étant nos artistes-ancêtres.
Ci-dessous, un extrait du nouveau livre de Gonzales, The Joy of Acrylic Painting. Dans ce regard, elle explique comment apprendre de vos ancêtres artistes et nous guide à travers une démonstration amusante et étape par étape inspirée par l’un de ses propres influenceurs, Henri Matisse.

Prendre plaisir à peindre!

Apprendre de vos artistes-ancêtres est génial. Mais apprendre des meilleurs professeurs d’art contemporain dans le domaine des beaux-arts est l’opportunité de votre vie si vous souhaitez développer votre passion pour la peinture et le dessin.

Trouver vos artistes-ancêtres

Chaque artiste a des goûts individuels parmi les artistes qu’il trouve inspirants. Par exemple, les œuvres de trois artistes très différents – David Hockney, Henri Matisse et Georgia O’Keeffe – font battre mon coeur pour des raisons très différentes. Il y en a beaucoup d’autres, il y a même des artistes de renom, qui me laissent absolument froide. Je suis sûr que pour vous c’est la même chose.
Les artistes qui résonnent avec nous, sont ce que j’appelle nos artistes-ancêtres. Je pense qu’il est utile dans notre développement en tant qu’artistes de réfléchir au pourquoi. La plupart d’entre nous savons intuitivement les reconnaitre quand nous voyons leur travail.
Faites attention à ce signal pour pouvoir passer à l’étape suivante.
Pour apprendre du travail d’un artiste-ancêtre que vous aimez, appliquez la partie analytique de votre cerveau à l’analyse de ce qui rend son travail si attrayant et si vous pouvez l’appliquer à votre propre travail.
Lorsque vous combinez des éléments de vos artistes-ancêtres avec votre propre interprétation, vous créez votre propre style de peinture.

De l’inspiration à la toile

Tous les artistes sont un amalgame d’inspiration d’autres artistes et d’innovations qui leur sont propres.
Une fois que vous avez analysé les éléments que vous souhaitez intégrer à votre propre travail, vous pouvez passer de l’imitation à l’innovation en utilisant ces éléments.
Étudiez vos artistes-ancêtres, tirez-en des leçons et enregistrez des idées à intégrer à votre travail.
• Comment pouvez-vous inclure certaines de leurs idées dans votre propre travail?
• Et qu’en est-il de la copie?
• Est-ce une mauvaise chose?
C’est un fait, tous les artistes à travers le temps ont appris d’autres artistes. L’astuce consiste à prendre ce que vous apprenez et à vous l’approprier.
Si vous avez un carnet de croquis d’art, créez une liste de trois à cinq artistes qui attirent constamment votre attention. Pour chaque artiste-ancêtre, créez une page entière dans votre carnet de croquis avec le nom de l’artiste en haut de la page et joignez une reproduction de l’un de vos morceaux préférés de l’œuvre de cet artiste.
Étudiez le travail et notez ce qui vous attire le plus. Voici quelques questions à vous poser:
Que pensez-vous de l’utilisation par l’artiste des éléments de l’art: ligne, forme, couleur, valeur, texture?
Le sujet vous intéresse-t-il?
Y a-t-il une composition unique que vous pourriez employer?
Répétez cette procédure pour chaque artiste sur une nouvelle page de votre carnet de croquis. Rassemblez sur une seule page tous les éléments qui ressortent de votre analyse de vos ancêtres d’artistes et déterminez ceux qui reviennent sans cesse et comment vous pouvez essayer ces idées dans votre propre travail.
Cela vous donnera un aperçu de votre style de peinture et une orientation pour les travaux futurs.

Comment s’inspirer de nos ancêtres les artistes en Pas à pas

Maintenant, amusons-nous un peu.

Peindre comme votre artiste-ancêtre
Ce projet est conçu pour vous donner l’occasion d’essayer les techniques de votre artiste préféré dans votre propre travail. Pour cette démonstration, j’ai peint à la manière de Matisse, un maître peintre expressionniste. J’adore son travail et j’aime beaucoup d’éléments, notamment les couleurs chaudes et les coups de pinceau lâches.
Nature Morte d’Henri Matisse, Serviette A Carreaux. Photo gracieuseté de DOUG KANTER / AFP /
Pour votre projet, choisissez un tableau de l’un de vos artistes-ancêtres, définissez les éléments de son travail, puis peignez selon cette approche. Vous apprendrez beaucoup et serez en mesure de décider consciemment si cette approche fonctionnera pour vous.
Analysez le style du tableau que vous utilisez comme source d’inspiration et enregistrez vos pensées dans votre carnet de croquis, comme dans mon exemple pour ce projet:
Ligne: utilisation intensive de lignes noires pour définir les objets et créer des lignes de mouvement qui dirigent l’œil vers le point focal.
Forme: formes expressives non réalistes d’objets; les formes continuent hors du plan de l’image (table, draperie, fenêtre); combinaison de formes organiques et géométriques
Couleur: couleurs expressives et non réalistes; palette principalement chaude
Valeur: utilisation d’un fort contraste sombre / clair
Texture: texture tactile; coups de pinceau forts, vigoureux, lâches; texture visuelle grâce au motif
Autre: l’humeur est globalement gaie
Ce dont vous aurez besoin pour suivre ce didacticiel:
Toile ou panneau,
Une copie de la peinture de votre artiste ancêtre et vos notes sur leur style
Pinceaux synthétiques ou à poils
Le medium de votre choix huile Acrylique Aquarelle ou pastel
1. Évaluer le style de votre artiste
Sélectionnez un artiste ancêtre qui vous inspire. Quel travail vous fait pâmer? J’ai choisi la peinture Tableau avec fruit d’Henri Matisse.
Évaluez son utilisation des cinq éléments de la peinture: ligne, forme, couleur, valeur et texture. Passez ensuite en revue les principes de conception mis en évidence par cet artiste et la façon dont ceux-ci jouent un rôle dans son travail.
Étape 1

2. Choisir votre palette de couleurs
Créez une palette de couleurs en utilisant votre peinture d’inspiration comme référence. Assurez-vous de conserver cette référence à proximité.
Étape 2
3. Démarrage de votre croquis (ou sous-peinture)
Comment s'inspirer de nos ancêtres les artistes en Pas à pas
Vous pouvez décider de copier la composition de la peinture d’inspiration ou de sélectionner votre propre sujet à peindre dans la palette de couleurs et le style de votre artiste ancêtre.
Après avoir étudié le travail de Matisse, j’ai esquissé ma composition sur la toile sans sous-couche car j’avais remarqué qu’il laissait parfois la toile blanche apparaître par endroits.
Étape 3

4. Déterminer votre style de peinture
Pour le style de Matisse, j’ai choisi de peindre les contours du sujet avec de la peinture noire et un petit pinceau rond.
Étape 4
5. Application de la couleur
Bloc en grandes formes de couleur.
Étape 5

6. Ajout de variations
Décrivez l’image en ajoutant des variations de couleur et une peinture plus épaisse.
Étape 6
7. Travailler sur les détails

Ajoutez des détails plus petits pour briser les grandes formes en utilisant la peinture de votre artiste ancêtre comme point de référence.
Étape 7

Ma peinture terminée reflète mon étude de la qualité des lignes et des couleurs utilisées par Matisse, mais j’ai utilisé ma propre imagerie.

Qui sont vos ancêtres artistes? Partagez-les avec nous dans les commentaires ci-dessous
 
Source : Annie O’Brien Gonzales, auteur de Bold, Expressive Painting

Quel papier pour le pastel ?

82-preparing-pastelsBonjour,
Aujourd’hui j’ai décidé de répondre à une question que m’a posée Christian de Clermont-Ferrand.

Christian utilise depuis de nombreuses années du papier ponce, pour sa technique de Pastel.
Ce papier est fabriqué en Allemagne, Christian n’a pas trouvé de fabricants identiques en France, et compte tenu de la difficulté à se procurer ce papier, il me demande si j’ai une solution à son problème.
 
 
 
 

Alors le carton ponce a été distribué de nombreuses années en France par la société se tout le situé dans la banlieue  Parisienne. Cette société ne distribue  plus se produit depuis plus de 15 ans. Et à ma connaissance aucune autre société  n’assure sa commercialisation sur le marché français.
Dans un premier temps, vous pouvez interroger les magasins de bricolage spécialisés pour retrouver un papier équivalent. Normalement c’est un papier ponce triple zéro.
C’est un papier que j’ai personnellement vendu à l’époque où j’avais mes magasins beaux-arts. Toutefois vous allez vous confronter aux tailles de ce papier. En effet, dans ce type de commerce vous ne trouverez en taille maximum que le format A4 (21 29,7).
J’ai abandonné à l’époque la distribution de ce produit auprès des artistes peintres pour les raisons suivantes:

  • Le format est trop limité en taille
  • Le papier est trop agressif, par conséquent le pastel fond rapidement. (Vous pouvez être amenés à user un bâton complet en allant d’un bout à l’autre de la feuille)
  • La difficulté à se de se réapprovisionner lié à des changements de fabrication, de fournisseurs, de contraintes de marché
  • Le manque d’information, pour moi et mes clients, quant à la tenue dans le temps du support, et de son taux de pH.

Ces papiers ne sont pas véritablement conçus pour retenir la poudre de pastel. Les pigments remplissent immédiatement les minuscules interstices entre les grains de Carborundum ou autre, dont la structure n’est pas adaptée pour bloquer le pigment.
 
Les papiers prévus pour le pastel, quant à eux, retiennent cette poudre grâce à leurs innombrables robes microfibres. Je vous conseillerais, à moins que vous ne les connaissiez déjà, d’essayer :

papier pastell card sennelier

> Le Pastel Card distribuée par la maison Sennelier  à Saint-Brieuc.

  • C’est un support de 360 g sur lequel sont pulvérisées des microfibres végétales (Liège) colorées, à pH neutre
  • Sa surface est très accrocheuse sans être aussi agressif que papier ponce
  • Il existe en format 65 50, et vous pouvez le trouver parfois au format 60 80.
  • Il existe 14 nuances
  • Il n’est pas nécessaire de fixer le pastel.

Clairefontaine_10820_ML

> Le pastel Mat distribué par la maison Clairefontaine. Voir l’article que j’ai écris sur le PASTELMAT (ici)

  • C’est un support aussi de 360 grs des vues spécialement développées pour les passer liste
  • Sa surface veloutée unique fait d’une fine couche de fibres de cellulose, à la capacité de saisir et de tenir plusieurs couches de pastels
  • Il existe au format 50x 70 et 70 x 100
  • 8 Nuances
  • Il ne nécessite pas l’utilisation d’un fixatif

Pastel schmincke - papier Sanfix

> Le papier Sanfix fabriqué par la maison Schmincke

  • C’est un support plus léger, plus souple que les deux premiers.
  • Il existe en 4 nuances.
  • Son format est de 50 x 65

Papier Pastel Spectrum
> Le Papier ART Spectrum

  • C’est un support de 300 grs au Ph neutre
  • Il existe en 14 nuances.
  • Son format est de 50 x 70
  • Il est recouvert d’une couche d’apprêt Colourfix, donnant une surface légèrement rugueuse
  • Il nécessite un  léger passage d’un fixatif pastel.

Mon Avis

Personnellement, j’ai utilisé et testé ces quatre papiers, je peux même dire les cinq papiers avec le papier ponce.
Ma sympathie va en premier au PastelMat, car j’aime son accroche, j’aime sa douceur, c’est un support agréable à travailler.
En deuxième, c’est le PastelCard, il est aussi agréable que mon premier choix, son seul inconvénient par rapport au PastelMat, c’est qu’il ne supporte aucune goutte d’eau, voire de transpiration, faute de quoi vous verrez apparaître une petite tache blanche à la place de votre pastel. Il est aussi déconseillé de l’utiliser dans des zones humides comme les pays tropicaux par exemple.
Le Sanfix est plus délicat à travailler, et il rape le bout des doigts