Rose, vous avez dit Rose

Cet article est la traduction d’un article de la marque Winsor et Newton , ne vous trouvez pas le lien d’origine en bas.
La couleur rose est nommée d’après les fleurs des espèces de dianthes, qui comprennent les œillets, les roses et le doux William.
En termes de peinture, le rose est communément connu pour être un mélange de rouge et de blanc, mais il existe de nombreuses nuances différentes: rose pâle, rose vif, rose barbe-à-papa, rose oeillet, cerise, rose corail, fuchsia , puce, rose, magenta et beaucoup plus.
Winsor & Newton a une belle gamme de roses, toutes avec des histoires intéressantes. En voici quelques-unes:
Rose de Potter
Créé à la fin des années 1700 dans le Staffordshire (un comté du centre de l’Angleterre faisant partie de la région des Midlands de l’Ouest) par un potier inconnu. Il l’utilisait comme glaçure en céramique, le Potter’s Pink a été créé en 1900 par Winsor & Newton comme couleur pour l’aquarelle avec le nom Pinkcolor . Potter’s Pink est une rose douce. C’est une semi-opaque avec des qualités de résistance à la lumière.
Carmin permanentrose vous avez dit rose
Le carmin, qui fait des nuances de rouge, est dérivé d’insectes (A · B · C · N = La cochenille) trouvé sur une variété de cactus, le figuier de Barbarie . Introduit en Europe depuis le Mexique par les flottes espagnoles, il fallait des milliers d’insectes pour fabriquer une petite quantité de colorant. Il est toujours utilisé pour colorer les tissus, le maquillage et les aliments, mais a été remplacé pour les peintures des artistes par un pigment synthétique résistant à la lumière, ce qui est plus doux pour le scarabée 😊.
Rose Madder Genuine ou Rose de Garance
Fabriqué pour la première fois par George Field, à partir de la racine de la plante «garance des teinturiers», le rose garance est un pigment fugitif, ce qui signifie qu’elle change d’apparence au fil du temps et n’est pas permanent. Field a fait une étude approfondie de la plante de garance et, en 1804, a découvert un processus plus efficace d’extraction du colorant et de fabrication d’un pigment plus fort et plus dynamique. William Winsor a compris l’importance de la recherche de Field et a acquis ses notes et expériences après sa mort en 1854. La production de Rose Madder Genuine (Rose de Garance) est toujours basée sur les recettes de Field, dont Winsor & Newton a un accès exclusif.
 
Tyrian Rose ou Rose Tirien
Tyrian (l’orthographe anglaise) provenait à l’origine d’escargots de mer, le murex, qui a été découvert par Hercules. Alors que lui et son chien marchaient sur une plage de Tyr, Hercule a remarqué une tache violette autour de la bouche du chien qui provenait des escargots qu’il mâchait. Comme il fallait des milliers d’escargots et un travail intensif pour le créer, le tyrian était à une époque le colorant le plus cher au monde et valait son poids en argent.
Rose vous avez dit rose
Voir l’article sur la couleur pourpre tirée du Murex
Quinacridone Magenta
Cette couleur est basée sur le pigment transparent de quinacridone introduit dans les années 1950. Les pigments de quinacridone sont uniques car ils ont une couleur intense tout en étant transparents et variant du jaune à l’orange, au rouge et au violet en teinte. Ce sont des pigments synthétiques qui devraient être très performants en raison de leur intensité de couleur et de leur résistance à la lumière. Les quinacridones sont très appréciées des artistes qui, une fois testés, ont vite été séduits par leurs qualités.

Rose vous avez dit rose

L’influence du rose dans la peinture et au-delà
 

L’ajout de rose peut être subtil, mais très puissant, et continue d’influencer les artistes d’aujourd’hui. On le retrouve tout au long de l’histoire de l’art – sur des vêtements délicats des peintures religieuses du début de la Renaissance comme L’Annonciation de Fra Angelico (1395-1455), à des pièces comme L’Acteur dans la « période rose »de Picasso (1904-06).
Après sa plus sombre «période bleue», l’œuvre de cette époque présentait des images plus heureuses d’acteurs, d’arlequins et d’interprètes dans des tons de rouge, orange et rose.
Plus tard, dans les années 1970, l’artiste new-yorkais Philip Guston (1913-1980) a représailles le rose pastel dans ses tableaux. Beaucoup de ces pièces ont apporté une réalité sensorielle, représentant des objets roses non romantiques de tous les jours, comme des onguents, des pansements adhésifs, du bubble-gum, des cocktails de crevettes et de la viande de saucisse.
Plus récemment, le «rose le plus rose du monde» a été créé par l’artiste britannique Stuart Semple en réaction à l’achat d’exclusivité d’Anish Kapoor à Vantablack , le noir le plus noir du monde.
Ce rose est disponible pour tout le monde, mais pas le Kapoor qui était légalement interdit d’acheter – bien que son flux Instagram montre qu’il est possible de mettre la main sur certains de ces pigments.
Le rose a une place intéressante en science et en psychologie. À la fin des années 1960, le chercheur scientifique Alexander G Schauss a découvert qu’une nuance particulière de rose – le P-618 – avait un effet très calmant sur le système endocrinien humain. Il a convaincu le Seattle Naval Correction Facility de peindre ses cellules avec cette couleur dans le but de pacifier les prisonniers, et la couleur a été utilisée dans toutes les cellules depuis.
Les résultats sont parfois contradictoires, bien que le phénomène ait été tel que, sur certains terrains de sport américains, les vestiaires de l’équipe visiteuse ont été peints en P-618 afin d’obtenir un avantage. Dans les années 1990, la Western Athletic Conference a interdit la pratique et a décidé que les vestiaires domicile / extérieur doivent être peints de la même couleur. Le P-618 est élargi maintenant sous le nom de Baker-Miller Pink (d’après les directeurs de l’installation navale d’origine), rose Drunk-tank ou rose Schauss.
 
Le rose a également une histoire intéressante dans la mode. Une couleur portée par les deux sexes dans les années 1700, il est ensuite passé à une couleur masculine, et les jeunes garçons étaient habillés en rose comme une version plus légère du rouge porté par les hommes.
 
Voir l’article source ICI
 
 

Comment faire des Croquis préparatoires

Croquis préparatoires: Quels sont-ils?

Les aquarellistes sont souvent des êtres impatients, vous vous précipitez sur votre support pour peindre, vous avez tellement de plaisir avec ce médium que vous sautez souvent la phase des croquis préparatoires.
Rassurez-vous je suis comme vous 😀
les croquis prepraratoires
Même avec mon expérience, la tentation est très forte, mais je me suis aperçu de la sagesse de ne pas se précipiter. J’ai remarqué aussi que nos premières erreurs sont souvent les plus difficiles à corriger.
Toute erreur dans la composition sera bien plus difficile à résoudre avec la couleur.
Il est donc très important de prendre le temps nécessaire pour la planification de  votre future composition avant même de commencer une peinture.
La plupart des grands artistes qui nous ont précédé, ont fait des croquis préparatoires, avant leur composition finale.

Voici quelques idées que vous pouvez essayer avant de commencer à peindre:

Les croquis miniatures

Les croquis miniatures sont parfaits pour travailler sur la composition. Ils vous donnent aussi l’occasion de voir votre sujet d’une manière simplifiée, généralement avec seulement trois tons: noir, gris moyens et gris clair.
Voir une image à plus petite échelle est un bon moyen de repérer tout problème au sein de notre composition, c’est pourquoi les croquis miniatures sont un excellent outil.
Apprenez à simplifier vos croquis, en ne reportant que les formes essentielles et les marquez avec trois tons principaux, légers, moyens ou foncés.
Les croquis miniatures sont également un excellent moyen de prendre de la distance à partir de votre image de référence, vous pouvez utiliser une photo en modèle pour dessiner les croquis, puis appuyez-vous davantage sur ces croquis pour faire votre peinture, au lieu de la photo originale.
Si vous partez d’une photo ; vous pouvez vous amuser à trouver le meilleur des cadrages, sur l’écran de votre appareil photo ou votre ordinateur.
 
 

Essayez vos  couleurs sur les croquisCroquis préparatoires

Les croquis miniatures sont généralement très petits (quelques centimètres) mais essayez de colorier ces croquis, cela pourrait vous donner une idée de la version plus grande, la version finale.
Il m’arrive assez souvent de prendre le croquis qui correspond le mieux à ma composition finale,  et j’en fais plusieurs photocopies sur du papier aquarelle 200 gr. Cela me permet de tester plusieurs combinaisons de couleurs.
(A gauche Dessin de Maxime MAUFRA, dessin préparatoire légérement aquarellé)
 
 
 

Les crayons de couleur aquarelllables.

Croquis préparatoires pour l aquarelle
Si vous essayez cela avec des crayons de couleur, vous pouvez imprimer vos croquis sur du papier ordinaire.

Essayez des motifs  sur croquis

Il vous est certainement arrivé de ne pas savoir si vous deviez poser un bâtiment, un arbre, dans votre composition, de peur de la déséquilibrer.
Vous pouvez utiliser de petits croquis avec des motifs parfois avant de commencer à peindre, mais aussi au cours du processus de peinture pour vous aider à prendre une décision.
Vous pouvez tester quelques modèles avant de commencer à peindre.
Parfois sur des chutes de papier, il m’arrive de peindre des motifs, des idées, que je superpose sur mon papier, pour voir l’effet sur ma  peinture.

Faites-vous des croquis préparatoires avant de peindre ?

N’hésitez pas à partager dans les commentaires vos trucs et astuces.

Le croquis péeparatoire en page d accueil est de John a Hancock

Les Jaunes de Vincent Van Gogh

Les jaunes de Vincent Van Gogh ou pourquoi il faut vraiment faire attention aux pigments que l’on utilise en peinture.
Il est bien connu que la montée de l’impressionnisme était due en partie aux nouveaux développements de la chimie des peintures qui ont créé des couleurs plus lumineuses et plus stables qui n’étaient pas disponibles auparavant pour la peinture à l’huile.

Vincent Van Gogh est l’un des artistes qui a adopté et expérimenté la nouvelle technologie des couleurs.
L’éclat de certaines des peintures à l’huile les plus célèbres de Van Gogh, est dû à son utilisation de ces pigments industriels, nouvellement disponibles. Ces pigments commencent à apparaître dans son travail après son déménagement de la Hollande vers la France.
Malheureusement, les chimistes de l’époque n’avaient pas les outils pour effectuer des tests de vieillissement accéléré afin de déterminer la résistance à la lumière dans le temps de leurs nouvelles créations.
L’une des couleurs, le jaune de chrome, PY34 du Couleur Index , est non seulement toxique, mais elle est également connue pour s’assombrir en cas d’exposition aux rayons ultraviolets du soleil. Alors que des alternatives moins toxiques au chrome jaune ont finalement été développées au milieu des années 1900, les artistes ont tendance à y recourir.
Mais, pendant une période critique, la couleur brillante fournie par le Jaune de Chrome a été un outil important dans la palette de van Gogh et de bien d‘autres artistes.
C’est un des jaunes que Van Gogh a le plus utilisé pour peindre ses fameux Tournesols.
Les chercheurs ont découvert que certaines, mais pas toutes, de ces peintures contenant du jaune de chrome souffrent du brunissement.
Pour comprendre comment les peintures vieillissent et comment mieux les conserver pour l’avenir, des chercheurs ont mené une étude approfondie du brunissement observé dans certains travaux de Van Gogh peints avec du jaune de chrome.
Des scientifiques de quatre pays ont réalisé cette étude. Ils ont commencé par collecter des échantillons de trois tubes de peinture jaune chrome de l’époque. Ils ont fait vieillir artificiellement ces peintures pendant 500 heures à l’aide d’une lampe ultra-violette.
Les rayons UV du soleil provoquent une réaction chimique de réduction du chrome (de Cr6+ à Cr3+) sur une profondeur de un à trois micromètres de la peinture, ce qui altère sa couleur.
Ils ont également prélevé des échantillons de deux tableaux de Van Gogh, Vue d’Arles avec des iris et Rive de Seine.
Les Jaunes de Vincent Van Gogh

Vue d’Arles aux Iris par Vincent van Gogh, peinture à l’huile.

La peinture des tubes s’est assombrie en un brun chocolat après une exposition à la lumière UV.
En utilisant un faisceau de rayons X cent fois plus fin qu’un cheveu humain, les scientifiques ont également pu analyser le jaune de chrome noirci à la surface même des deux peintures, juste en dessous du vernis.
Leurs analyses ont découvert que le chrome dans le pigment gagnait des électrons à partir de la lumière UV, réduisant efficacement le chrome (VI) en chrome (III), passant de jaune vif à brun.
La découverte du faisceau microscopique de rayons X de l’ESRF de Grenoble, a montré que l’obscurcissement était le plus important là où se trouvaient les composés chimiques contenant du baryum et du soufre.

Van Gogh mélangeait de la peinture blanche à son jaune pour le rendre plus lumineux. Son blanc était un sulfate de baryum dont les éléments chimiques baryum et soufre accélèrent cette réduction, d’où un brunissement plus rapide de sa peinture.
La prochaine phase de la recherche sera la plus importante de toutes pour essayer de comprendre s’il y a un espoir de ramener les pigments à leur état d’origine dans les peintures où l’obscurcissement a déjà eu lieu.
Aujourd’hui, les jaunes de Chrome vendus dans le commerce sont des Subtrats, ils n‘ont plus le même risque qu’avant mais vérifié quand même si vous achetez un pigment ancien ou un tube de peinture datant du début du 20° siècle.
Ce qui fait souvent la différence entre un peintre amateur et un peintre expérimenté, c’est que ce dernier test beaucoup de nouvelles matières, de nouvelles couleurs, de nouveaux médiums, c’est un mal nécessaire pour faire avancer son art.
Mais dans tous les cas, prenez vos précautions.

Comment s'inspirer de nos ancêtres les artistes en Pas à pas

En tant qu’artistes, nous avons presque cette attirance innée pour notre métier, pour notre besoin de créer.
Et nous avons tous quelque chose ou quelqu’un qui a nourri cette passion. Pour de nombreux artistes, les œuvres des autres orientent la manière dont ils abordent leur propre art.
Annie O’Brien Gonzales, auteur de Bold, Expressive Painting, fait référence à ces influenceurs comme étant nos artistes-ancêtres.
Ci-dessous, un extrait du nouveau livre de Gonzales, The Joy of Acrylic Painting. Dans ce regard, elle explique comment apprendre de vos ancêtres artistes et nous guide à travers une démonstration amusante et étape par étape inspirée par l’un de ses propres influenceurs, Henri Matisse.

Prendre plaisir à peindre!

Apprendre de vos artistes-ancêtres est génial. Mais apprendre des meilleurs professeurs d’art contemporain dans le domaine des beaux-arts est l’opportunité de votre vie si vous souhaitez développer votre passion pour la peinture et le dessin.

Trouver vos artistes-ancêtres

Chaque artiste a des goûts individuels parmi les artistes qu’il trouve inspirants. Par exemple, les œuvres de trois artistes très différents – David Hockney, Henri Matisse et Georgia O’Keeffe – font battre mon coeur pour des raisons très différentes. Il y en a beaucoup d’autres, il y a même des artistes de renom, qui me laissent absolument froide. Je suis sûr que pour vous c’est la même chose.
Les artistes qui résonnent avec nous, sont ce que j’appelle nos artistes-ancêtres. Je pense qu’il est utile dans notre développement en tant qu’artistes de réfléchir au pourquoi. La plupart d’entre nous savons intuitivement les reconnaitre quand nous voyons leur travail.
Faites attention à ce signal pour pouvoir passer à l’étape suivante.
Pour apprendre du travail d’un artiste-ancêtre que vous aimez, appliquez la partie analytique de votre cerveau à l’analyse de ce qui rend son travail si attrayant et si vous pouvez l’appliquer à votre propre travail.
Lorsque vous combinez des éléments de vos artistes-ancêtres avec votre propre interprétation, vous créez votre propre style de peinture.

De l’inspiration à la toile

Tous les artistes sont un amalgame d’inspiration d’autres artistes et d’innovations qui leur sont propres.
Une fois que vous avez analysé les éléments que vous souhaitez intégrer à votre propre travail, vous pouvez passer de l’imitation à l’innovation en utilisant ces éléments.
Étudiez vos artistes-ancêtres, tirez-en des leçons et enregistrez des idées à intégrer à votre travail.
• Comment pouvez-vous inclure certaines de leurs idées dans votre propre travail?
• Et qu’en est-il de la copie?
• Est-ce une mauvaise chose?
C’est un fait, tous les artistes à travers le temps ont appris d’autres artistes. L’astuce consiste à prendre ce que vous apprenez et à vous l’approprier.
Si vous avez un carnet de croquis d’art, créez une liste de trois à cinq artistes qui attirent constamment votre attention. Pour chaque artiste-ancêtre, créez une page entière dans votre carnet de croquis avec le nom de l’artiste en haut de la page et joignez une reproduction de l’un de vos morceaux préférés de l’œuvre de cet artiste.
Étudiez le travail et notez ce qui vous attire le plus. Voici quelques questions à vous poser:
Que pensez-vous de l’utilisation par l’artiste des éléments de l’art: ligne, forme, couleur, valeur, texture?
Le sujet vous intéresse-t-il?
Y a-t-il une composition unique que vous pourriez employer?
Répétez cette procédure pour chaque artiste sur une nouvelle page de votre carnet de croquis. Rassemblez sur une seule page tous les éléments qui ressortent de votre analyse de vos ancêtres d’artistes et déterminez ceux qui reviennent sans cesse et comment vous pouvez essayer ces idées dans votre propre travail.
Cela vous donnera un aperçu de votre style de peinture et une orientation pour les travaux futurs.

Comment s’inspirer de nos ancêtres les artistes en Pas à pas

Maintenant, amusons-nous un peu.

Peindre comme votre artiste-ancêtre
Ce projet est conçu pour vous donner l’occasion d’essayer les techniques de votre artiste préféré dans votre propre travail. Pour cette démonstration, j’ai peint à la manière de Matisse, un maître peintre expressionniste. J’adore son travail et j’aime beaucoup d’éléments, notamment les couleurs chaudes et les coups de pinceau lâches.
Nature Morte d’Henri Matisse, Serviette A Carreaux. Photo gracieuseté de DOUG KANTER / AFP /
Pour votre projet, choisissez un tableau de l’un de vos artistes-ancêtres, définissez les éléments de son travail, puis peignez selon cette approche. Vous apprendrez beaucoup et serez en mesure de décider consciemment si cette approche fonctionnera pour vous.
Analysez le style du tableau que vous utilisez comme source d’inspiration et enregistrez vos pensées dans votre carnet de croquis, comme dans mon exemple pour ce projet:
Ligne: utilisation intensive de lignes noires pour définir les objets et créer des lignes de mouvement qui dirigent l’œil vers le point focal.
Forme: formes expressives non réalistes d’objets; les formes continuent hors du plan de l’image (table, draperie, fenêtre); combinaison de formes organiques et géométriques
Couleur: couleurs expressives et non réalistes; palette principalement chaude
Valeur: utilisation d’un fort contraste sombre / clair
Texture: texture tactile; coups de pinceau forts, vigoureux, lâches; texture visuelle grâce au motif
Autre: l’humeur est globalement gaie
Ce dont vous aurez besoin pour suivre ce didacticiel:
Toile ou panneau,
Une copie de la peinture de votre artiste ancêtre et vos notes sur leur style
Pinceaux synthétiques ou à poils
Le medium de votre choix huile Acrylique Aquarelle ou pastel
1. Évaluer le style de votre artiste
Sélectionnez un artiste ancêtre qui vous inspire. Quel travail vous fait pâmer? J’ai choisi la peinture Tableau avec fruit d’Henri Matisse.
Évaluez son utilisation des cinq éléments de la peinture: ligne, forme, couleur, valeur et texture. Passez ensuite en revue les principes de conception mis en évidence par cet artiste et la façon dont ceux-ci jouent un rôle dans son travail.
Étape 1

2. Choisir votre palette de couleurs
Créez une palette de couleurs en utilisant votre peinture d’inspiration comme référence. Assurez-vous de conserver cette référence à proximité.
Étape 2
3. Démarrage de votre croquis (ou sous-peinture)
Comment s'inspirer de nos ancêtres les artistes en Pas à pas
Vous pouvez décider de copier la composition de la peinture d’inspiration ou de sélectionner votre propre sujet à peindre dans la palette de couleurs et le style de votre artiste ancêtre.
Après avoir étudié le travail de Matisse, j’ai esquissé ma composition sur la toile sans sous-couche car j’avais remarqué qu’il laissait parfois la toile blanche apparaître par endroits.
Étape 3

4. Déterminer votre style de peinture
Pour le style de Matisse, j’ai choisi de peindre les contours du sujet avec de la peinture noire et un petit pinceau rond.
Étape 4
5. Application de la couleur
Bloc en grandes formes de couleur.
Étape 5

6. Ajout de variations
Décrivez l’image en ajoutant des variations de couleur et une peinture plus épaisse.
Étape 6
7. Travailler sur les détails

Ajoutez des détails plus petits pour briser les grandes formes en utilisant la peinture de votre artiste ancêtre comme point de référence.
Étape 7

Ma peinture terminée reflète mon étude de la qualité des lignes et des couleurs utilisées par Matisse, mais j’ai utilisé ma propre imagerie.

Qui sont vos ancêtres artistes? Partagez-les avec nous dans les commentaires ci-dessous
 
Source : Annie O’Brien Gonzales, auteur de Bold, Expressive Painting

Comment choisir son papier japonais le WASHI

Souvent les artistes sont à la recherche de supports nouveaux, et parmi tous les supports que j’ai pu tester ces dernières années, le papier est une source d’inspiration remarquable.
Attention, si vous utilisez du papier à l’acrylique, à l’aquarelle, à la gouache ou à l’encre, là pas de vrais problèmes.
Mais si votre médium de prédilection est la peinture à l’huile alors là il faut que vous preniez toutes les précautions. En effet, l’huile et l’essence de térébenthine pénètrent le papier et finissent par le détruire. Je ferai dans les prochaines semaines un article complet pour vous expliquer comment bien préparer votre support pour la peinture à l’huile.
Pour en revenir au papier, l’un des plus usités par les artistes et surtout par les Japonais est le WASHI.
Bon les japonisants vont se moquer de moi, parce que Washi veut tout simplement dire …
Papier japonais – WA pour Japonais et SHI pour papier.

Photo Emilie EVEN @ harikopaper.com

Petit retour en arrière :

Le papier fut inventé par les Chinois sous la dynastie Han. Jusqu’alors, on écrivait généralement sur des bandes de bambou reliées ou des morceaux de soie.
Mais les premières étaient trop lourdes, les autres trop onéreuses.
Des fibres de lin finement déchiquetées furent alors utilisées. Trempées dans l’eau, elles donnaient après filtrage, une forme de papier assez rudimentaire. Le papier, plus léger et moins coûteux, sembla le matériau opportun.
AU JAPON, lieu de naissance du WASHI.
L’arrivée du papier au Japon se produisit au début du VIIe siècle. Comme en chine, in l’utilisait principalement à de fins religieuses, pour recopier les sûtras (textes bouddhiques sacrés).
Selon Kogushui, une ancienne chronique écrite en 807 après J-C, on peut estimer que la fabrication du papier dans la région d’AWA, vers 650.
Dès le 8eme Siècle, le papier Japonais se distingue de celui venant de chine. La méthode de fabrication japonaise permet aux fabricants d’utiliser peu de matières premières en produisant rapidement un papier fin et très résistant. Petit à petit, le papier devient un élément indispensable dans la vie quotidienne. Cette méthode de fabrication s’appelle NAGASHIZUKI.
Au début du XIXe Siècle le Japon s’ouvre au monde occidental, et exporte d’importantes quantités de papier qui à partir de là prend le nom de WASHI. Le nombre de fabricants s’élevait à 65 000. Aujourd’hui, malheureusement on en dénombre à peine 300, malgré le soutien du gouvernement.
Il faut savoir que chaque feuille de Washi exprime l’adresse d’un artisan et sa relation étroite avec son environnement de vie. D’ailleurs un grand nombre de papiers japonais pour le nom de la région de production, comme le AWA-WASHI, qui est la préfecture de TOKUSHIMA ou le TOSA – WASHI  etc.
Ce n’est pas étonnant si de plus en plus d’artistes utilisent le WASHI pour leur œuvre. Ses qualités sont évidentes, résistance, souplesse, son Ph est neutre et son prix reste compétitif.
COMPOSITION DU WASHI  
Pour fabriquer du bon Washi, il est primordial d’avoir une source constante d’eau douce et d’être à proximité des plantes nécessaires au processus de fabrication.
Dans la région d’AWA (voir plus haut) la rivière de Kawata apporte ses eaux à faible teneur en calcium et en magnésium et des arbrisseaux comme le KOZO, fournissant des fibres propres à la fabrication du Washi. On dit d’ailleurs que le mon KOTSU aurait été appelé ainsi pour sa richesse en KOZO.
Comment choisir son papier japonnais WASHI
Il est composé en règle généralement de trois fibres : KOZO, GAMP et MITSUMATA.
90 % des papiers japonais sont faits à partir du KOZO, à cause de la longueur des fibres qu’il donne de 15 à 20 mm, ce qui lui donne sa solidité.

Comment choisir son papier japonais: WASHI

 
Les papiers à fibres fines    
Le MITSUMATASHI est un papier à base de 100% de fibres de Mitsumata. Fin, brillant, il est un disons féminin. Sa surface absorbante autorise un excellent rendu des détails d’impression et d’eaux-fortes. Il peut aussi servir à la reliure, à la conservation et à la décoration. Vous pouvez aussi l’utiliser pour la peinture à l’acrylique et la gouache.
Le SHUNSETSU est un papier remarquable d’adaptabilité. Bien que très léger, il est fait de fibres résistantes. Il est décoratif, et peut-être utiliser en lithographie, à l’acrylique ou la gouache, pour la calligraphie et la restauration.
Le OKAWARA est un papier fait main, il permet aux artistes peintres de travailler sur de grandes surfaces à un prix raisonnable. L’une des faces est lisse alors que l’autre est rugueuse. C’est un très beau papier pour les techniques picturales, Huile, acrylique et gouache.
Le SHIRAGIKU est un papier à franges légèrement plus épais que la moyenne. L’une de ses faces est rugueuse, l’autre est aussi douce que de la peau. Il est excellent pour l’impression, la peinture et la calligraphie, très bien aussi pour le pastel.
Le MASA est un papier fabriqué à l’origine pour le marché des étudiants, son prix est attractif. C’est un papier de haute qualité destiné au dessin mais aussi à l’aquarelle et au pastel. Bien préparer, je l’ai souvent utilisé pour la pratique de la peinture à l’huile.
Il existe une quantité impressionnante de papier japonais, et je ne peux pas tous les cités dans cet article. Mais rapprochez-vous de votre marchande de couleurs, il sera certainement vous conseiller.
Maintenant c’est à vous de jouer.

Photo Emilie EVEN @ harikopaper.com

 
Source Awagami factory
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 
 

Comment apprendre à mélanger vos couleurs

Aujourd’hui, je laisse la parole, je dirai plutôt l’écrit à une artiste américaine, CHRIS COZEN qui va vous donner son point vu sur le Comment apprendre à mélanger vos couleursmélange des couleurs.
Elle fait partie de l’équipe de consultants de la marque Golden.
Et j’avoue qu’elle m’a très souvent inspiré, c’est elle qui m’a appris la maîtrise du mélange de MES COULEURS.
 

Bonjour !

 
Comme toujours, je suis tellement heureux d’être en mesure de vous parler de mon sujet préféré – l’acrylique..
Quand j’ai fait mes recherches sur l’exploration des couleurs en pour l’acrylique, je me suis trouvé à faire des dizaines de roues de couleur pour que je puisse explorer Les diverses combinaisons de pigment rouge-bleu-jaune.
Cela a été une expérience merveilleuse pour moi.
Ce que j’ai appris de toutes ces roues, c’est que la couleur acrylique est infiniment malléable et facile à modifier et a ajusté.
J’ai aussi appris que vous pouvez obtenir beaucoup de nuances avec un peu moins de couleurs, si vous arrivez à comprendre le fonctionnement des couleurs que vous possédez déjà.
Avant d’écrire mon livre (malheureusement non disponible en français), je n’avais jamais vraiment envisagé de tenir un journal des mélanges de mes couleurs, pour enregistrer les découvertes que je fis, beaucoup de ces mélanges se faisaient intuitivement sur ma palette.
Comment apprendre le mélange des couleurs
Depuis j’ai appris que tenir ce journal contribuerait à encourager mes propres recherches sur l’exploration de la couleur et de pousser mes expérimentations beaucoup plus loin.
Si vous aussi vous voulez faire un journal de vos propres mélanges de couleurs, voici quelques conseils :
J’aime utiliser  des carnets d’aquarelle 300 grs,  cela me permet d’y enregistrer aussi bien des mélanges à l’aquarelle, qu’à l’acrylique. C’est un papier robuste.
Attention quand même de ne pas trop mouiller le papier car il risque de gondoler.
Comme toujours, quand on travaille avec la couleur acrylique, il est important d’utiliser de préférence des couleurs extraf-ines, ou fines, mais dans une marque connue, évitez les made en Chine, made in India, etc.
1s-titre
J’utilise toujours la  Golden Artist Colors mais vous pouvez utiliser votre marque ou les couleurs que vous avez l’habitude d’utiliser.
Les peintures de qualité pour  artiste (extra-fine) ont  plus de pigment par tube et sont les plus rentables à long terme.
Si vous êtes juste pour  commencer, pensez à utiliser la peinture «qualité fine » qualité » qui a sensiblement une meilleure résistance de pigment que les peintures pour étudiant.
Attention dans votre choix de pigments, certains, mais cela devient rare, ne sont pas miscibles entre eux. C’est pour cela que je préconise souvent d’éviter les mélanges entre marques si vous êtes débutant.
Chaque fois que vous ajoutez le blanc de titane à toute couleur, vous allez créer une nouvelle teinte. Les qualités de transparence de certains pigments seront également affectés par l’ajout de blanc décalant vers une nouvelle opacité ou une semi transparence.
Cela est un excellent exercice à ajouter à votre propre journal de couleur.
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 L’EXERCICE

Tout d’abord combiner chacune de vos couleurs avec du blanc puis du noir pour créer des teintes et des nuances (moitie de votre couleur et moitie de blanc ou de noir).
Puis commencer à explorer ce qui se passe quand vous mélangez deux couleurs entre elles, puis deux autres, etc.
Amusez vous à faire des mélanges, et quand la couleur de ce mélange vous plait, inscrivez-le sur votre journal en indiquant bien, comment vous l’avez obtenu.
Je trouve que ce genre d’exercices, m’a apporté énormément sur la connaissance des mélanges et sur la couleur en règle générale.

La petite Aquarelle Test nouvelle boîte de voyage SENNELIER

Je teste pour vous aujourd’hui, la nouvelle boîte d’aquarelle FINE de la marque Sennelier.

Elle s’appelle « LA PETITE AQUARELLE ».

Je tiens à remercier le magasin COULEURS DU TEMPS à ANNECY – ÉPAGNY, qui a bien voulu me confier cette boîte pour que je puisse la tester.

Je vous rappelle que je ne suis ni payer par la marque SENNELIER, ni par le magasin couleurs du temps pour faire ce test. Ce qui me permet d’avoir la liberté de dire franchement ce que j’en pense.
Donc voici le test de la PETITE AQUARELLE.

Premier Avis le packaging de la petite aquarelle

Comme d’habitude la marque tient ses promesses en matière de packaging. Il est sobre, mais annonce parfaitement son contenu.
Dommage par contre que cela soit sur le packaging ou simplement dans le packaging, il n’y ait pas les noms des couleurs composant la boîte. Ce peut poser problème aux novices pour recharger la boîte.
LA BOÎTE en elle-même maintenant. 1460756797
Elle est en plastique dure, j’ai un peu peur pour la charnière qui relit les deux parties de la boîte, mais je l’ai ouverte et fermée un grand nombre de fois, et à première vue je n’ai pas vu de déchirure.
Gros avantage de cette boîte, c’est la sangle au dos de la boîte qui permet de bien la maintenir et la fixer à votre main, je vous rappelle que dans beaucoup de cas, c’est un simple anneau ou vous passer votre doigt, qui vous relie à la boîte.
Dommage qu’il n’y ait pas un pinceau même petit dans la boîte, mais là cela doit être dû à la volonté de la marque d’abaisser son prix au plus bas.
Les COULEURS maintenant
Un bon équilibre, dans les couleurs avec toujours la même question, pourquoi du blanc dans la boîte.
Autrement nous avons

  • 1 jaune
  • 1 Orange
  • 2 Rouges
  • 2 Bleus
  • 2 Verts
  • 2 Terres – Ocre Jaune et Terre de Sienne Naturelle
  • Un noir et un blanc.

Dans cette boîte le blanc est un peu bizarre, il est légèrement granuleux.

MON AVIS  :

Mon avis sur la boîte d’aquarelle fine SENNELIER, la petite Aquarelle
Dans l’ensemble la gamme est équilibrée, je trouve juste dommage, d’avoir du blanc, et que le Jaune et le l’ORANGEne soit pas remplacé par un jaune citron et un jaune légèrement orangé (comme celui présent dans la boîte
À noter que la Terre de Sienne Naturelle n’est pas terrible en qualité de pigment.
Autrement dans l’ensemble, les couleurs se mélangent bien, il n’y a pas l’effet granulé comme dans certaines gammes d’aquarelles FINE.
La peite aquarelle teste boite
Si vous voulez acheter cette boite vous pouvez si vous le désirez acheter en suivant ce lien. LA PETITE AQUARELLE  ou en cliquant sur l imae de la boite ci dessous, comme je vous les fais remarquer je ne touche aucun argent si vous achetez là, mais le magasin, me confiera certainement encore des produits dans ce cas là .
 

RECTIFICATIF = ERREUR DE MA PART

Promis, ce n’était pas la boisson, mais je n’avais pas remarqué, les couleurs notées sur la boite.
Donc, je retire, ce que j’ai dit dans la vidéo, la marque nous a bien noté les couleurs sur la boite.
couleurs_lapetiteaquarelle

DESCRIPTIF de la MARQUE

La petite aquarelle » Sennelier est une aquarelle fine fabriquée en France pensée et formulée pour faciliter la découverte de l’aquarelle. Renforcé en glycérine, son liant a été élaboré pour assouplir l’application de la couleur sur le papier.
Sa formulation a été pensée pour faciliter les mélanges de couleurs et les lavis. « La petite Aquarelle »  est idéale pour les artistes en phase de découverte ou d’apprentissage et pour peindre en extérieur.
Pratiques et innovantes, les boîtes de voyage “La petite Aquarelle” sont équipées de sangles élastiques souples bien pratiques qui permettent de les maintenir sans effort dans le creux de la main.
Vous apprécierez tout particulièrement la facilité de manipulation de ces boîtes et leur confort de préhension
 

Aquarelle Facile, aquarelle pour tous

Note : Cet article invité est rédigé par Renata du blog les images 2 renata

L’aquarelle Facile, l’Aquarelle pour tous !

Avez-vous envie de colorier vos croquis et vous ne savez pas comment vous y prendre?
Cet article est destiné à tous ceux qui souhaitent commencer à utiliser cette technique, donc voici des conseils faciles et rapides à appliquer.
Bonjour cher/chère lecteur/lectrice du blog de Thierry. Je suis Renata, j’aime beaucoup dessiner et je propose des Ateliers Créatifs chaque semaine sur mon blog. Le but étant de dessiner pour le plaisir et se débarrasser des peurs. Merci Thierry de m’avoir invité pour faire un mini Atelier chez toi ! Dans cette vidéo vous pouvez voir comment je m’y prends, très simplement.
Son approche est tellement simple que l’on pourrait croire que c’est extrêmement facile… personnellement, je trouve que cette technique n’est pas si facile. Néanmoins, je vous ai fait une démo en vidéo ci dessous, pour vous montrer une approche super facile de l’aquarelle. Puis, comme pour tout, il faut en faire pour mieux maîtriser les couleurs avec la quantité d’eau.

Le matériel que j’ai utilisé :

■ Carnet de dessin ou block spécial aquarelle
■ 2 pinceaux petit gris N°9 et N°4
■ une petite boite d’aquarelle, avec 12 couleurs
■ Un chiffon ou « Sopalin »
■ Un verre d’eau
■ Sèche cheveux
■ Stylo (Bic et/ou Pilot)
aquarelle facile
Pour l’aquarelle on peu utiliser plein d’autres matériaux, comme par exemple les aquarelles en tube. De la gomme arabique qui sert pour réserver des zones pour qu’elles soient plus claires à la fin. On peut aussi avoir besoin du ruban crèpe pour coller votre feuille, sel, brosse à dents, une éponge.
Le Kleenex ou le Sopalin ne servent pas uniquement pour sécher ou nettoyer vos pinceaux, ils peuvent servir aussi pour faire les nuages, des vagues ou des textures.
Si vous voulez faire la texture des rochers, déployez du sel sur les parties mouillés. Avec la brosse à dents, vous pourriez rajouter encore plus d’éléments à cette texture.
Avec les éponges (vert et jaune) vous les découpez en petits morceaux de 4 x 4 et elles vous serviront à étaler la peinture, vous pouvez vous en servir pour faire un arbre.
Vous pouvez utiliser la technique de l’aquarelle sur du papier complètement mouillé ou comme dans mon exemple de la vidéo sur du papier sec. Vous pouvez peindre avec la peinture très diluée ou avec juste un tout petit peu d’eau.
aquarelle facile
Mais, quand je veux mettre en couleur mes dessins dans mon carnet, j’utilise des crayons de couleur aquarelables et un pinceaux avec réservoir d’eau. Parce que c’est plus rapide et le résultat est moins risqué.
Une fois fini, ils faut bien nettoyer vos pinceaux a l’eau et savon Marseille, puis leur re donner leur forme et ranger de façon à ce que les poils ne se déforment pas.
Aquarelle facile

Merci Thierry de m’avoir invitée et permis de faire cet article dans ton blog qui est pour moi une mine d’or grâce à tes conseils.

À bientôt, Renatales images 2 renata.com
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Comment bien choisir son papier aquarelle, quelques conseils

Comment choisir Papier aquarelle

Choisir son papier aquarelle ici filigrane moulin du coq

« Tout d’abord respectez votre papier! »   J.M.W.Turner

Quand j’étais jeune, (holà–là il y a longtemps), la première fois que je suis entré dans un magasin Beaux-arts et que j’ai voulu choisir un papier, j’ai été intimidé par le choix, les noms, les grammages, les tailles, et tout était confus pour moi. Je suis ressorti n’ayant osé demander un renseignement au vendeur.
Choisir un papier aquarelle correcte ne doit pas être aussi difficile…

Mais comme avec la plupart des choses, dans la vie, vous obtenez, ce que vous payez.

Nous n’avons pas tous les moyens de payer nos matériaux chers, malgré tout, quand on veut faire des progrès la meilleure des qualités, vous aide déjà beaucoup, surtout quand on débute.
Je connais, un artiste, qui s’appelle Yvan SALOMON, qui a la particularité de travailler sur un papier aquarelle de la marque Canson, le MONTVAL, qui est un papier d’entrée de Gamme.  Mais il a un tel Talent, il connaît ce papier, il connaît ses couleurs, et il a réussi à dompter ses différents matériaux.
Yvan solomon aquarelle
Mais vous, qui débutez à l’aquarelle, avez-vous son expérience ? avez-vous son talent… ?
Par forcement, alors suivez mon premier conseil, achetez un papier de Qualité, ou alors vous risquez de perdre, une bataille qui n’a pas encore vraiment commencé.
Avec peinture acrylique, il est facile de peindre sur des erreurs, mais l’aquarelle est impitoyable. Votre papier peut vous sauver.
 

Il y a trois façons de produire du papier aquarelle et trois textures différentes disponibles.

Fait à la main

Ils sont fabriqués à partir de fibres textiles comme le coton, le lin et le chanvre et leur surface sont généralement enduits avec de la gélatine.
C’est une vraie  joie de travailler sur ce type de papier, car il est solide, n’ondule pas  et a une belle texture irrégulière.
Habituellement 100% coton ou en lin, ou un mélange de chiffons d’où le terme «100%% de chiffon». Il peut être coûteux, voire très coûteux, mais il en vaut la peine, au moins pour une œuvre spéciale.
La qualité, les propriétés et les prix de ces papiers dépendent de l’endroit où ils ont été faits.

Fait sur forme Ronde

La fabrication traditionnelle sur forme ronde, également appelée « papier moulin », est la préférée des aquarellistes. ARCHES-TETE-MACHINE-FORME-RONDEPlus lente et onéreuse à fabriquer, elle garantit un papier haut de gamme, reconnaissable à ses bords frangés.
Le tamis rond de cette méthode à l’ancienne, grâce au mouvement rotatif de son cylindre, répartit les fibres sur le feutre de manière aléatoire, pour une surface plane et stable, qui, en pratique, donne un plus grand contrôle de la couleur à l’artiste.
Cette technique de fabrication donne une forme de papier plus uniforme que le papier à la main, cependant, dans la pratique, il peut se sentir un peu comme papier fait à la main, il est aussi extrêmement stable et durable, ne se déforme pas, même si vous mouillez abondamment.
 

Faits à la machine ou table plate

La fabrication moderne sur table plate, plus rapide et économique, permet de produire un papier de bonne qualité. Lemachine-papier-lancey-M8_15 tamis long des machines modernes assure une orientation régulière des fibres : le papier sera bien calibré, mais sensible aux gondolements et à l’étalement de la couleur.
C’est de la pâte de bois, qui est utilisée parce que c’est une matière première moins chère, ce qui rend le produit moins durables (imaginer essayer de frotter sur une couleur pour rattraper une erreur, cela va mal et puis …. la catastrophe, le papier se désintègre sous votre brosse !) Également due de la teneur en acide lignine qui est dans la pâte de bois , et qui peut jaunir avec le temps.
 

Les caractéristiques du papier aquarelle

papier aquarelle
 

Son grammage

Il détermine généralement  sa tenue à l’humidité, plus il est épais, et moins il risque de gondoler. Pour l’aquarelle, en France, on privilégie les 300 grs, alors qu’en Allemagne, ils sont plutôt sur du 200 grs mais collé quatre côtés.
Quand vous humidifiez abondamment votre papier, il se gonfle, si vous le fixez, il reprend sa forme de départ.

Son grain

Les trois surfaces de papier aquarelle

 
Grain Torchon ou Rugueux – Une texture variée prononcée, il est idéal pour les débutants, il autorise les défauts, les imperfections. Son grain nuageux en fait un papier idéal pour les paysages.
 
Grain Satiné ou pressé à chaud – Ce papier aquarelle a une surface très lisse. Je ne le connais que dans la gamme Canson Arches. Il ressemble étrangement à un papier bristol dans sa texture. Pour l’aquarelle, c’est un papier très difficile d’approche pour les débutants, car il ne permet aucune imperfection.
 
Grain Fin ou Pressée à froid  –  C’est le papier entre le papier rugueux et pressé à chaud, ayant une surface légèrement texturée ce document est parfois appelé PAC. Le Nom signifie « Pressé à chaud »

Sa couleur

Et oui, là vous allez me dire : Thierry tu es fou, le papier aquarelle c’est blanc,
Et bien non, détrompez-vous. Il existe plusieurs nuances du blanc, et la marque Daler Rowney, faisait même des papiers pour aquarelle de couleur (vert, jaune, rose, bleu pastel)
Par contre, le papier est naturellement blanc cassé, quand vous trouvez un papier blanc blanc, c’est qu’il a été traité.
Mais les couleurs que nous trouvons plus facilement sont : Blanc, très blanc et ivoire.
 
Alors allez, à vos papiers ! Et surtout comme disait Turner : « Tout d’abord respectez votre papier! »
 
 

Comment choisir son futur médium de l'huile à l'oeuf en passant par l aquarelle

De l’huile à l’œuf

de l'huile à l'oeuf les médium à la peinture -1
 

Même pigment, liant différent.

 
Même Pigment (de matière sèche pilée), liant différents (pétrole, plastique, etc)
En un mot c’est la façon dont les peintures sont faites et la différence entre les médiums (huile, acrylique, aquarelle, pastel, tempera à l’œuf), qui différencie les peintures à l’huile, acrylique, Aquarelle, pastel et tempéra

Jetez un oeil sur les 5 principales différences entre les huiles et les autres médiums.

Comment sont faites les  Peintures à l’huile?

 
Les peintures à l’huile sont faites de pigments broyés avec des huiles, le plus souvent l’huile de lin pressée à froid. Aujourd’hui beaucoup de Marque utilise aussi de l’huile de Carthames
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Comment les peintures à l’huile sèchent?

 
Le Pigment sec est mélangé, broyé  avec de l’huile pour  en faire une pâte, c’est pourquoi il faut tant de temps pour que cela sèche, ce n’est pas à cause du  pigment mais à cause de  l’huile. Tout comme si vous renversez de l’huile d’olive sur un  plan de travail, il faudra des lustres pour sécher.
L’huile ne s’évapore pas, elle s’oxyde, cela veut dire qu’elle durcit au contact de l’oxygène.
Lorsque l’huile s’oxyde (est en contact avec l’air), elle forme un film solide qui lie les pigments entre eux, comme la cuisson d’un gâteau, le mélange commence en douceur.
La Peinture à l’huile peut prendre entre 6 mois et un an pour sécher fonction de l’épaisseur de la peinture utilisée.

Les pigments

 
Les premiers  Pigments étaient de  la terre ou de la  roche, maintenant c’est  souvent l’homme qui les fabrique, certains des pigments les plus anciens sont fabriqués à partir de terre de couleur, comme l’ocre jaune,  et sont appelés par le nom de la couleur de la terre. (terre verte, terre verte de Bretonico ou de Nicosie)
Pour la fabrication de couleurs,  de nouveaux pigments ont été créés et de nouvelles  méthodes de fabrication ont été mises au point.
 
Les pigments peuvent être divisés en trois catégories:
Pigments inorganiques – les composés qui n’ont jamais été faites à partir d’un être vivant, c’est- le rock / minéraux / métaux
Pigments organiques – substances qui faisaient autrefois partie d’un être vivant, animaux / plantes / traitement synthétique de ces  choses en  usine
Pigments artificiels. Ceux-ci sont souvent issus de pigments organiques qui ont été modifiés chimiquement, ils peuvent faire une peinture plus stable et plus encore, les couleurs modernes, très lumineuses sont des pigments artificiels.
 

Comment sont faites les peintures acryliques?

 
La Peinture acrylique est constituée d’un pigment en suspension dans un liant d’émulsion de polymère d’acrylique. L’eau est le véhicule pour l’émulsion du polymère acrylique à la place de l’huile, qui est le véhicule de peinture à l’huile.
liquitex_acrylic_paint
 
Donc, quelle est  la peinture vous conviendra le mieux?
 

Ne vous laissez pas confondre par les Hue – Subs – imit

 
L’étiquetage sur certaines peintures peut être vraiment déroutant, que veut dire dire Rouge de  Cadmium  ‘hue ou Sub ou imit ‘ .
Dans l’étiquetage de peinture Hue- Imit – Sub  signifie «faux» ou «imitation». Si une étiquette qui dit:
Rouge de Cadmium Hue, cela  signifie que ce n’est pas un pigment pur fait de rouge de cadmium. Cela signifie que la couleur a été mélangée avec quelque chose d’autre pour lui donner la même couleur que le rouge cadmium véritable.
Ce n’est pas forcément un produit de moins bonne qualité,  c’est parce que certains pigments naturels ne sont plus disponibles, n’ont pas une bonne tenue à la  lumière ou sont extrêmement coûteux.
Pendant, longtemps j’étais contre ces nouveaux pigments, jusqu’au jour ou un chimiste de chez LEFRANC et BOURGEOIS, m’a demandé de réfléchir au peinture des voitures. Il ya 20 ans la couleur des peintures passées, une voiture rouge devait rose au bout de 7 à 8 ans. Mais aujourd’hui ce n’est plus le cas, et pourtant, toutes les peintures des carrosseries sont faites à base de pigments créer par l’homme, par la chimie ou l’alchimie.
 

Comment est fabriquée l’aquarelle?

 
Les pigments des peintures aquarelles, sont maintenus ensemble par un liant soluble dans l’eau, conjointement avec des additifs et des solvants.
working watercolors
Pour les peintures aquarelle commercialisée en France, le liant est soit la gomme arabique naturelle ou du Glycol synthétique. C’est ce qui retient le pigment en suspension.
Le liant permet également au  pigment d’adhérer au support (souvent le papier), une fois qu’elle est appliquée. Des additifs, tels que des plastifiants (par exemple la glycérine) et des humectants ou mouillants (par exemple le miel ou le sirop de maïs), sont mélangés dans le but de modifier diverses caractéristiques des aquarelles, telles que la viscosité et la durabilité de la peinture. D’autres additifs comprennent des diluants et des dispersants.
 

Comment  sont fabriqués Pastels?

 
Les Pastels sont généralement sous forme de stick, semblable à la craie. Un bâton de pastel est constitué de pigment pur en poudre et un liant, comme la gomme arabique, la gomme adragante, ou de la méthylcellulose.  Les Pastels ont une concentration en  pigment supérieur à tous les autres moyens de l’artiste (d’où des couleurs riches et lumineuses). Les pigments en poudre utilisés dans les pastels sont semblables à ceux trouvés dans les peintures à l’huile.
 

Pastel-sec rembrantd de la marque talens

Les Pastels peuvent être durs ou doux. (Hard ou Soft )

 
 
Les  Pastels tendres ont plus de pigments et moins de liant, de sorte qu’ils sont plus faciles à estomper et ont des couleurs plus vives. Les pastels durs ont moins de pigments et plus de liant.
Les pastels hards ou durs sont donc idéales pour le pastel d’art qui nécessite des détails serrés.

Pastel Tendre, doux ou soft

SENNELIER , SCHMINCKE  pour les plus connus

Pastel Dur ou Hard

TALENS

Très Dur

CARRE CONTE

Quelle est Tempera d’oeufs?

Egg--Tempera
 
La Tempera à l’oeuf est composée de jaune d’oeuf, de pigment en poudre et de l’eau distillée. Le jaune d’oeuf servant de liant qui fait adhérer  les pigments ensemble.
L’addition d’eau au mélange jaune d œuf et pigment,  transforme la peinture en une forme de pâte  utilisable.
L Tempera à l’oeuf  du commerce, comprend également des Agents qui agissent comme dispersants comme le sel. Cela facilite le broyage des pigments, ces agents permettent souvent de réduit d avantage les particules de pigments, et les rendent plus lisses.
 
sur le marché Français, je connais que 2 marques qui font de la tempéra, SENNELIER et DALER 
 

AVIS : Pour tester la qualité d’un pigment sec, placez une petite quantité de ce pigment  dans un bocal en verre, ajouter de l’eau, le mélanger, et laisser reposer pendant quelques jours. Les particules solides du pigment sec devraient flotter vers le bas en laissant l’eau claire. Si ce n’est pas le cas, cela veut dire que certaine forme de colorant a été ajouté pour améliorer la couleur.

 

Quelques repères pigments:

 
Il y a certains aspects de confusion à savoir pigments. Gardez ces points à l’esprit:

Les appellations  que vous trouvez sur les tubes sont incertaines.

J’ai vu lors d’un test, et pour un pigment naturel comme la terre d’ombre, près de cinq nuances totalement différente.

Des Pigments similaires sont vendus sous différents noms commerciaux.

 
Par exemple: Bleu Winsor Winsor Newton, bleu de phtalocyanine de Liquitex et bleu de phtalocyanine de Grumbacher sont tous basés sur le même pigment: bleu de phtalocyanine.
 
NB : Le nom « Ocre jaune » vient du grec ochros = jaune, jaune pâle