Comment Dessiner, les poils du visage

Des cheveux réalistes sont une caractéristique indispensable d’un portrait d’apparence naturelle. Les cheveux et les poils du visage ne sont pas seulement un indicateur clé de l’habileté d’un artiste réaliste, mais c’est aussi l’une des parties les plus expressives du corps d’une personne.
Peut-être parce que c’est à la fois si adaptable et si important dans notre apparence, la façon dont nous portons nos cheveux et nos poils sur le visage peut en révéler beaucoup sur notre personnage, que nous le voulions ou non.
Donc, si vous voulez vraiment capturer l’essence d’une personne dans un portrait, essayez de commencer par ce guide facile en trois étapes pour dessiner les poils du visage avec des conseils supplémentaires pour dessiner les poils.
À première vue, les poils du visage peuvent sembler être l’une des parties les plus difficiles à dessiner de la figure humaine, avec ses textures et ses couleurs. Mais si vous apprenez à le voir non pas comme une collection infinie de poils individuels, mais comme une unité globale composée d’une série de formes, vous le trouverez beaucoup plus facile.
Vous trouverez ici une démo en 3 étapes sur le dessin des poils du visage comme une moustache ou une barbe, ainsi que des conseils pour dessiner une chevelure crédible.
Dessiner les poils du visage en 3 étapes            

  1. Créez un dessin de ligne.

Utilisez la méthode de la grille et un crayon pour créer un dessin au trait d’un nez, d’une bouche et d’une moustache.

  1. Construisez et mélangez les tonnes sombres.

Lorsque vous êtes sûr de votre précision, retirez soigneusement les lignes de la grille avec une gomme. Appliquez les tons les plus foncés avec un crayon.
La moustache est créée avec de courtes lignes de crayon allant dans le sens de la croissance des poils. Mélangez toute la zone à un ton gris avec un tortillon, puis continuez à créer des lignes de crayon sur le dessus.

  1. Approfondissez les tonnes, mélangez et rehaussez.

Continuez à approfondir les tons et à mélanger le dessin pour un aspect lisse. Une fois que l’obscurité de la moustache est atteinte, utilisez une gomme de pétrie pour enlever quelques poils clairs. Cela l’aidera à paraître plein et dimensionnel.
Dessiner les poils du visage – Plus de conseils
+ Lorsque vous avez l’occasion de dessiner les poils du visage, gardez à l’esprit qu’ils ne diffèrent pas tellement des autres cheveux. Il est généralement un peu plus épais et plus clairsemé, cependant, et vous voudrez porter une attention particulière au mélange sur les bords. Comme auparavant, évitez les bords durs sauf dans des cas habituels.
+ Lorsque vous dessinez une bouche masculine, vous pouvez rencontrer des poils du visage tels qu’une moustache et / ou un barbecue. Bien que cela puisse sembler difficile, cela ressemble beaucoup à dessiner de la fourrure animale. Tout comme pour la fourrure, les poils du visage sont dessinés à l’aide de traits de crayon qui reflètent la longueur des cheveux. Il est construit en plusieurs canapés.

Commentaire Dessiner, les poils du visage

Pour Dessiner des cheveux – Voici plus de conseils
# 1 Ne poursuivez pas «le cheveu»
Un seul cheveu est plus fin que le trait de crayon le plus étroit que vous pouvez dessiner. Pour créer l’illusion de dessiner tous les cheveux, ignorez tous ces milliers de tiges de cheveux séparés et concentrez-vous plutôt sur les formes principales du corps des cheveux. Voir les cheveux de cette manière simplifiée et ensuite vous pouvez les dessiner de cette façon.
Une bonne façon de commencer est de fermer un œil et de plisser les yeux tout en regardant la tête de votre modèle. Que vois-tu? S’agit-il d’un contour distinct contenant une répartition uniforme de la masse? Ou est-ce une forme majeure avec plusieurs formes plus petites en saillie? Ou s’agit-il d’une série de vagues à peu près cohérente?
Ne notez pas seulement les formes positives, mais aussi les négatives. Y at-il des lacunes importantes dans les cheveux? Où sont les ombres majeures? Répondre à ces questions au début vous permet de contourner tous les détails superflus et d’aller directement à ce qui est le plus utile pour vous en tant qu’artiste.
# 2 Capturez les détails
Une fois que vous avez identifié les formes qui définissent les cheveux que vous souhaitez dessiner, continuez et utilisez-les pour commencer votre dessin. Dessinez légèrement ces formes dans la bonne relation avec la tête afin que vous ayez un contexte dans lequel travailler, mais ne vous attendez pas à ce que ces arêtes soient permanentes.
Expérimentez un peu la disposition et la proportion des cheveux, et rappelez-vous que parfois même les résultats les plus réalistes ne se présentent pas comme nous l’attendons, alors faites vraiment des expériences avec votre marquage.
# 3 Faites toujours attention aux lumières et aux ténèbres
Comme pour presque tous les sujets, l’établissement de contrastes efficaces entre les lumières et les ténèbres est l’un des aspects les plus importants du dessin des cheveux, et la meilleure stratégie pour obtenir ce contraste est examiné les zones les plus sombres et de les ombrer en premier.
Les zones les plus claires sont déjà là, en un sens, dans l’espace blanc de votre papier, il est préférable de les contourner. Une fois que vous avez fait les parties les plus sombres, continuez à ombrer progressivement dans les taches plus claires, et de cette façon vous serez mieux en mesure de garder votre gamme de lumières et d’obscurité cohérente.
Lorsque vous travaillez en noir et blanc, la clarté ou l’obscurité des cheveux dépend simplement de l’évolution et de la constance de leur teinte. Parfois, cependant, une lumière vive peut tomber sur les cheveux, et les cheveux foncés dans cette situation peuvent être indiqués par un contraste plus importants entre ces zones et celles qui ne sont pas en lumière directe.
# 4 Utiliser les traits directionnels
Pour une impression de texture à vos nuances, utilisez des traits directionnels, qui devance à la fois à quel point les cheveux sont droits ou bouclés et donnez avant de mèches individuelles. Pour la plupart des coiffures, vos traits doivent être en grande partie cohérents, car les cheveux tomberont tous généralement dans la même direction, et même les plus petites variations peuvent suffire à donner aux cheveux un aspect naturel ou ébouriffé.
Lorsque vous arrivez sur les bords extérieurs des cheveux, n’ayez pas peur de laisser les cheveux s’estomper en arrière-plan. Les cheveux d’une personne ont rarement un bord visuel dur, et laisser le spectateur voir les cheveux devenir fins et vaporeux peut être une grande touche de réalisme.
# 5 Un peu de variété mais surtout la même chose
Bien qu’il semble y avoir beaucoup de types de cheveux différents dans le monde (presque autant qu’il y a de types de personnes), ne soyez pas intimidé par cette notion. Les styles peuvent changer beaucoup, mais dans tous les cas sauf les plus extrêmes et artificiels, les propriétés fondamentales des cheveux humains ne changent pas beaucoup. Les différences les plus visibles sont la couleur et la frisure.
Pour dessiner des cheveux bouclés, essayez d’utiliser un ombrage circulaire au lieu des méthodes unidirectionnelles ou de va-et-vient, et assurez-vous de le faire dès le début. C’est plus laborieux et souvent long, mais cela vaut la peine si vous voulez un look naturellement bouclé.
Pour les cheveux extrêmement bouclés, vous voudrez peut-être renoncer complètement aux traits directionnels et vous en tenir à une variété d’ombrages lisses ou l’apprendre circulaires.
# 6 N’oubliez pas la tête
Tout au long du processus de dessin des cheveux, n’oubliez jamais qu’il y a un crâne en dessous. C’est ce qui donne la forme essentielle des cheveux, alors faites attention à la forme de la tête et à la façon dont les cheveux tombent naturellement autour d’elle.
Si vous vous en souvenez et restez concentré sur tout le corps des cheveux au lieu de vous attraper dans chaque mèche séparée, vous dessinerez de belles têtes de cheveux, quel que soit votre sujet.

Comment s'inspirer de nos ancêtres les artistes en Pas à pas

En tant qu’artistes, nous avons presque cette attirance innée pour notre métier, pour notre besoin de créer.
Et nous avons tous quelque chose ou quelqu’un qui a nourri cette passion. Pour de nombreux artistes, les œuvres des autres orientent la manière dont ils abordent leur propre art.
Annie O’Brien Gonzales, auteur de Bold, Expressive Painting, fait référence à ces influenceurs comme étant nos artistes-ancêtres.
Ci-dessous, un extrait du nouveau livre de Gonzales, The Joy of Acrylic Painting. Dans ce regard, elle explique comment apprendre de vos ancêtres artistes et nous guide à travers une démonstration amusante et étape par étape inspirée par l’un de ses propres influenceurs, Henri Matisse.

Prendre plaisir à peindre!

Apprendre de vos artistes-ancêtres est génial. Mais apprendre des meilleurs professeurs d’art contemporain dans le domaine des beaux-arts est l’opportunité de votre vie si vous souhaitez développer votre passion pour la peinture et le dessin.

Trouver vos artistes-ancêtres

Chaque artiste a des goûts individuels parmi les artistes qu’il trouve inspirants. Par exemple, les œuvres de trois artistes très différents – David Hockney, Henri Matisse et Georgia O’Keeffe – font battre mon coeur pour des raisons très différentes. Il y en a beaucoup d’autres, il y a même des artistes de renom, qui me laissent absolument froide. Je suis sûr que pour vous c’est la même chose.
Les artistes qui résonnent avec nous, sont ce que j’appelle nos artistes-ancêtres. Je pense qu’il est utile dans notre développement en tant qu’artistes de réfléchir au pourquoi. La plupart d’entre nous savons intuitivement les reconnaitre quand nous voyons leur travail.
Faites attention à ce signal pour pouvoir passer à l’étape suivante.
Pour apprendre du travail d’un artiste-ancêtre que vous aimez, appliquez la partie analytique de votre cerveau à l’analyse de ce qui rend son travail si attrayant et si vous pouvez l’appliquer à votre propre travail.
Lorsque vous combinez des éléments de vos artistes-ancêtres avec votre propre interprétation, vous créez votre propre style de peinture.

De l’inspiration à la toile

Tous les artistes sont un amalgame d’inspiration d’autres artistes et d’innovations qui leur sont propres.
Une fois que vous avez analysé les éléments que vous souhaitez intégrer à votre propre travail, vous pouvez passer de l’imitation à l’innovation en utilisant ces éléments.
Étudiez vos artistes-ancêtres, tirez-en des leçons et enregistrez des idées à intégrer à votre travail.
• Comment pouvez-vous inclure certaines de leurs idées dans votre propre travail?
• Et qu’en est-il de la copie?
• Est-ce une mauvaise chose?
C’est un fait, tous les artistes à travers le temps ont appris d’autres artistes. L’astuce consiste à prendre ce que vous apprenez et à vous l’approprier.
Si vous avez un carnet de croquis d’art, créez une liste de trois à cinq artistes qui attirent constamment votre attention. Pour chaque artiste-ancêtre, créez une page entière dans votre carnet de croquis avec le nom de l’artiste en haut de la page et joignez une reproduction de l’un de vos morceaux préférés de l’œuvre de cet artiste.
Étudiez le travail et notez ce qui vous attire le plus. Voici quelques questions à vous poser:
Que pensez-vous de l’utilisation par l’artiste des éléments de l’art: ligne, forme, couleur, valeur, texture?
Le sujet vous intéresse-t-il?
Y a-t-il une composition unique que vous pourriez employer?
Répétez cette procédure pour chaque artiste sur une nouvelle page de votre carnet de croquis. Rassemblez sur une seule page tous les éléments qui ressortent de votre analyse de vos ancêtres d’artistes et déterminez ceux qui reviennent sans cesse et comment vous pouvez essayer ces idées dans votre propre travail.
Cela vous donnera un aperçu de votre style de peinture et une orientation pour les travaux futurs.

Comment s’inspirer de nos ancêtres les artistes en Pas à pas

Maintenant, amusons-nous un peu.

Peindre comme votre artiste-ancêtre
Ce projet est conçu pour vous donner l’occasion d’essayer les techniques de votre artiste préféré dans votre propre travail. Pour cette démonstration, j’ai peint à la manière de Matisse, un maître peintre expressionniste. J’adore son travail et j’aime beaucoup d’éléments, notamment les couleurs chaudes et les coups de pinceau lâches.
Nature Morte d’Henri Matisse, Serviette A Carreaux. Photo gracieuseté de DOUG KANTER / AFP /
Pour votre projet, choisissez un tableau de l’un de vos artistes-ancêtres, définissez les éléments de son travail, puis peignez selon cette approche. Vous apprendrez beaucoup et serez en mesure de décider consciemment si cette approche fonctionnera pour vous.
Analysez le style du tableau que vous utilisez comme source d’inspiration et enregistrez vos pensées dans votre carnet de croquis, comme dans mon exemple pour ce projet:
Ligne: utilisation intensive de lignes noires pour définir les objets et créer des lignes de mouvement qui dirigent l’œil vers le point focal.
Forme: formes expressives non réalistes d’objets; les formes continuent hors du plan de l’image (table, draperie, fenêtre); combinaison de formes organiques et géométriques
Couleur: couleurs expressives et non réalistes; palette principalement chaude
Valeur: utilisation d’un fort contraste sombre / clair
Texture: texture tactile; coups de pinceau forts, vigoureux, lâches; texture visuelle grâce au motif
Autre: l’humeur est globalement gaie
Ce dont vous aurez besoin pour suivre ce didacticiel:
Toile ou panneau,
Une copie de la peinture de votre artiste ancêtre et vos notes sur leur style
Pinceaux synthétiques ou à poils
Le medium de votre choix huile Acrylique Aquarelle ou pastel
1. Évaluer le style de votre artiste
Sélectionnez un artiste ancêtre qui vous inspire. Quel travail vous fait pâmer? J’ai choisi la peinture Tableau avec fruit d’Henri Matisse.
Évaluez son utilisation des cinq éléments de la peinture: ligne, forme, couleur, valeur et texture. Passez ensuite en revue les principes de conception mis en évidence par cet artiste et la façon dont ceux-ci jouent un rôle dans son travail.
Étape 1

2. Choisir votre palette de couleurs
Créez une palette de couleurs en utilisant votre peinture d’inspiration comme référence. Assurez-vous de conserver cette référence à proximité.
Étape 2
3. Démarrage de votre croquis (ou sous-peinture)
Comment s'inspirer de nos ancêtres les artistes en Pas à pas
Vous pouvez décider de copier la composition de la peinture d’inspiration ou de sélectionner votre propre sujet à peindre dans la palette de couleurs et le style de votre artiste ancêtre.
Après avoir étudié le travail de Matisse, j’ai esquissé ma composition sur la toile sans sous-couche car j’avais remarqué qu’il laissait parfois la toile blanche apparaître par endroits.
Étape 3

4. Déterminer votre style de peinture
Pour le style de Matisse, j’ai choisi de peindre les contours du sujet avec de la peinture noire et un petit pinceau rond.
Étape 4
5. Application de la couleur
Bloc en grandes formes de couleur.
Étape 5

6. Ajout de variations
Décrivez l’image en ajoutant des variations de couleur et une peinture plus épaisse.
Étape 6
7. Travailler sur les détails

Ajoutez des détails plus petits pour briser les grandes formes en utilisant la peinture de votre artiste ancêtre comme point de référence.
Étape 7

Ma peinture terminée reflète mon étude de la qualité des lignes et des couleurs utilisées par Matisse, mais j’ai utilisé ma propre imagerie.

Qui sont vos ancêtres artistes? Partagez-les avec nous dans les commentaires ci-dessous
 
Source : Annie O’Brien Gonzales, auteur de Bold, Expressive Painting

Quant a été découverte, la peinture à l’huile miscible dans l’eau.

Quant a été découverte, la peinture à l’huile miscible dans l’eau.

 
Je lisais un article intéressant sur les anciennes peintures rupestres indiennes ici : http://www.shumla.org/.
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Les archéologues ont tenté de fabriquer la peinture qu’utilisaient les Indiens 2000 ans avant notre ère.
Pour cela, ils avaient besoin d’utiliser les ingrédients qui étaient à la disposition des Indiens à cette époque.
Ils savent par des tests sur des échantillons quels sont les pigments qui ont été utilisés, mais ils ne savaient pas avec certitude quel liant l’a été. Les matériaux utilisés, devaient être accessibles dans la région, et qu’ils durent 4000 années
La graisse animale est un liant commun est souvent utilisé par les tribus indigènes. Après avoir essayé d’autres possibilités, ils ont décidé que la graisse animale est le liant le plus probable.
Mais qu’est-ce qu’ils utilisaient comme diluant ?
in-text_small_adventure-camp-3Il n’y avait pas de solvants pétroliers ou térébenthine disponible.
L’eau ne pouvait être le diluant, car incompatible avec la graisse (huile) utilisée comme liant.
Ils ont finalement tenté d’ajouter un extrait de racine de yucca (un savon naturel & présent sur place) à l’eau et cela a fonctionné admirablement comme diluant pour la peinture à base de graisse.
Il semblerait même qu’ajouté à la peinture cela change agréablement les propriétés de manipulation et l’a rend plus onctueuse.
Je pense que cela devrait fonctionner tout aussi bien avec les huiles de lin, ou d’autres peintures à base d’huile aussi.
Cette histoire de près de 4000 ans prouve l’antériorité de cette invention, sur celle de peintures à l’huile diluable à l’eau.
Je pense que je vais essayer d’ajouter un peu d’extrait de yucca concentré à mon huile de lin et voir si je peux l’utiliser pour faire une peinture à l’huile soluble à base d’eau.
Si les Indiens ont utilisé cette méthode pour leur peinture et qu’elle a tenu plus de 4000 années sur les parois de la grotte, c’est que cette technique est efficace, non ?

Comment choisir son futur médium de l'huile à l'oeuf en passant par l aquarelle

De l’huile à l’œuf

de l'huile à l'oeuf les médium à la peinture -1
 

Même pigment, liant différent.

 
Même Pigment (de matière sèche pilée), liant différents (pétrole, plastique, etc)
En un mot c’est la façon dont les peintures sont faites et la différence entre les médiums (huile, acrylique, aquarelle, pastel, tempera à l’œuf), qui différencie les peintures à l’huile, acrylique, Aquarelle, pastel et tempéra

Jetez un oeil sur les 5 principales différences entre les huiles et les autres médiums.

Comment sont faites les  Peintures à l’huile?

 
Les peintures à l’huile sont faites de pigments broyés avec des huiles, le plus souvent l’huile de lin pressée à froid. Aujourd’hui beaucoup de Marque utilise aussi de l’huile de Carthames
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Comment les peintures à l’huile sèchent?

 
Le Pigment sec est mélangé, broyé  avec de l’huile pour  en faire une pâte, c’est pourquoi il faut tant de temps pour que cela sèche, ce n’est pas à cause du  pigment mais à cause de  l’huile. Tout comme si vous renversez de l’huile d’olive sur un  plan de travail, il faudra des lustres pour sécher.
L’huile ne s’évapore pas, elle s’oxyde, cela veut dire qu’elle durcit au contact de l’oxygène.
Lorsque l’huile s’oxyde (est en contact avec l’air), elle forme un film solide qui lie les pigments entre eux, comme la cuisson d’un gâteau, le mélange commence en douceur.
La Peinture à l’huile peut prendre entre 6 mois et un an pour sécher fonction de l’épaisseur de la peinture utilisée.

Les pigments

 
Les premiers  Pigments étaient de  la terre ou de la  roche, maintenant c’est  souvent l’homme qui les fabrique, certains des pigments les plus anciens sont fabriqués à partir de terre de couleur, comme l’ocre jaune,  et sont appelés par le nom de la couleur de la terre. (terre verte, terre verte de Bretonico ou de Nicosie)
Pour la fabrication de couleurs,  de nouveaux pigments ont été créés et de nouvelles  méthodes de fabrication ont été mises au point.
 
Les pigments peuvent être divisés en trois catégories:
Pigments inorganiques – les composés qui n’ont jamais été faites à partir d’un être vivant, c’est- le rock / minéraux / métaux
Pigments organiques – substances qui faisaient autrefois partie d’un être vivant, animaux / plantes / traitement synthétique de ces  choses en  usine
Pigments artificiels. Ceux-ci sont souvent issus de pigments organiques qui ont été modifiés chimiquement, ils peuvent faire une peinture plus stable et plus encore, les couleurs modernes, très lumineuses sont des pigments artificiels.
 

Comment sont faites les peintures acryliques?

 
La Peinture acrylique est constituée d’un pigment en suspension dans un liant d’émulsion de polymère d’acrylique. L’eau est le véhicule pour l’émulsion du polymère acrylique à la place de l’huile, qui est le véhicule de peinture à l’huile.
liquitex_acrylic_paint
 
Donc, quelle est  la peinture vous conviendra le mieux?
 

Ne vous laissez pas confondre par les Hue – Subs – imit

 
L’étiquetage sur certaines peintures peut être vraiment déroutant, que veut dire dire Rouge de  Cadmium  ‘hue ou Sub ou imit ‘ .
Dans l’étiquetage de peinture Hue- Imit – Sub  signifie «faux» ou «imitation». Si une étiquette qui dit:
Rouge de Cadmium Hue, cela  signifie que ce n’est pas un pigment pur fait de rouge de cadmium. Cela signifie que la couleur a été mélangée avec quelque chose d’autre pour lui donner la même couleur que le rouge cadmium véritable.
Ce n’est pas forcément un produit de moins bonne qualité,  c’est parce que certains pigments naturels ne sont plus disponibles, n’ont pas une bonne tenue à la  lumière ou sont extrêmement coûteux.
Pendant, longtemps j’étais contre ces nouveaux pigments, jusqu’au jour ou un chimiste de chez LEFRANC et BOURGEOIS, m’a demandé de réfléchir au peinture des voitures. Il ya 20 ans la couleur des peintures passées, une voiture rouge devait rose au bout de 7 à 8 ans. Mais aujourd’hui ce n’est plus le cas, et pourtant, toutes les peintures des carrosseries sont faites à base de pigments créer par l’homme, par la chimie ou l’alchimie.
 

Comment est fabriquée l’aquarelle?

 
Les pigments des peintures aquarelles, sont maintenus ensemble par un liant soluble dans l’eau, conjointement avec des additifs et des solvants.
working watercolors
Pour les peintures aquarelle commercialisée en France, le liant est soit la gomme arabique naturelle ou du Glycol synthétique. C’est ce qui retient le pigment en suspension.
Le liant permet également au  pigment d’adhérer au support (souvent le papier), une fois qu’elle est appliquée. Des additifs, tels que des plastifiants (par exemple la glycérine) et des humectants ou mouillants (par exemple le miel ou le sirop de maïs), sont mélangés dans le but de modifier diverses caractéristiques des aquarelles, telles que la viscosité et la durabilité de la peinture. D’autres additifs comprennent des diluants et des dispersants.
 

Comment  sont fabriqués Pastels?

 
Les Pastels sont généralement sous forme de stick, semblable à la craie. Un bâton de pastel est constitué de pigment pur en poudre et un liant, comme la gomme arabique, la gomme adragante, ou de la méthylcellulose.  Les Pastels ont une concentration en  pigment supérieur à tous les autres moyens de l’artiste (d’où des couleurs riches et lumineuses). Les pigments en poudre utilisés dans les pastels sont semblables à ceux trouvés dans les peintures à l’huile.
 

Pastel-sec rembrantd de la marque talens

Les Pastels peuvent être durs ou doux. (Hard ou Soft )

 
 
Les  Pastels tendres ont plus de pigments et moins de liant, de sorte qu’ils sont plus faciles à estomper et ont des couleurs plus vives. Les pastels durs ont moins de pigments et plus de liant.
Les pastels hards ou durs sont donc idéales pour le pastel d’art qui nécessite des détails serrés.

Pastel Tendre, doux ou soft

SENNELIER , SCHMINCKE  pour les plus connus

Pastel Dur ou Hard

TALENS

Très Dur

CARRE CONTE

Quelle est Tempera d’oeufs?

Egg--Tempera
 
La Tempera à l’oeuf est composée de jaune d’oeuf, de pigment en poudre et de l’eau distillée. Le jaune d’oeuf servant de liant qui fait adhérer  les pigments ensemble.
L’addition d’eau au mélange jaune d œuf et pigment,  transforme la peinture en une forme de pâte  utilisable.
L Tempera à l’oeuf  du commerce, comprend également des Agents qui agissent comme dispersants comme le sel. Cela facilite le broyage des pigments, ces agents permettent souvent de réduit d avantage les particules de pigments, et les rendent plus lisses.
 
sur le marché Français, je connais que 2 marques qui font de la tempéra, SENNELIER et DALER 
 

AVIS : Pour tester la qualité d’un pigment sec, placez une petite quantité de ce pigment  dans un bocal en verre, ajouter de l’eau, le mélanger, et laisser reposer pendant quelques jours. Les particules solides du pigment sec devraient flotter vers le bas en laissant l’eau claire. Si ce n’est pas le cas, cela veut dire que certaine forme de colorant a été ajouté pour améliorer la couleur.

 

Quelques repères pigments:

 
Il y a certains aspects de confusion à savoir pigments. Gardez ces points à l’esprit:

Les appellations  que vous trouvez sur les tubes sont incertaines.

J’ai vu lors d’un test, et pour un pigment naturel comme la terre d’ombre, près de cinq nuances totalement différente.

Des Pigments similaires sont vendus sous différents noms commerciaux.

 
Par exemple: Bleu Winsor Winsor Newton, bleu de phtalocyanine de Liquitex et bleu de phtalocyanine de Grumbacher sont tous basés sur le même pigment: bleu de phtalocyanine.
 
NB : Le nom « Ocre jaune » vient du grec ochros = jaune, jaune pâle

Les erreurs à ne pas faire sur votre site internet

Il y a 3 grandes erreurs que les  artistes font avec leurs sites WordPress, encore et encore.

 
wordpress-logo
 

La première des grandes erreurs :

Choisir le mauvais thème WordPress
Le Choix d’un thème WordPress qui correspond avec votre art et à votre style.
Le site de l’artiste devrait être le reflet parfait de son art.
Il ya littéralement des milliers de thèmes WordPress à choisir, mais il est difficile d’en trouver un qui convient aux beaux-arts.
Il vous faut, en plus, un thème avec des tonnes de fonctionnalités, sans pour cela que la manipulation de se thème vous soit trop chronophage, et qu’il soit trop compliqué et vous oblige à un apprentissage long et fastidieux.
 
Votre temps est mieux utilisé  dans votre atelier et donc dans votre  production de travail.
Il vous faut d’abord un thème dit « RESPONSIVE », cela veut dire qu’il s’adapte automatique à la résolution de l’internaute : Ordinateur, Tablette ou Smartphone.
 
Il existe plusieurs thèmes gratuits  que je vous conseillerai :
http://themetrust.com/
http://graphpaperpress.com/
http://demo.zigzagpress.com/?theme=novo
 
Il s’agit de vos œuvres d’art.  Si vous voulez améliorer votre site, essayez de mettre vos plus belles photos  ou ajouter un diaporama, et  donner du corps à votre  contenu textuel.
 

Grosse erreur  NUMÉRO DEUX:  Un manque de substance dans le contenu.

lack of content substance
 
Il est important de créer un grand thème  qui rend votre site visuellement attrayant.
Ce qui fait fuir l’internaute de votre site, c’est le manque de substance dans le contenu et des photos ou vos œuvres ne sont pas mises en valeur.
Par manque de substance que je veux dire, qu’il ne faut pas croire que les gens vont tout savoir sur vous et votre travail, simplement en regardant vos images.
Vous devez avoir du texte sur votre page d’accueil et sous les portefeuilles d’image.
Les gens veulent savoir qui vous êtes, comment vous faites,  ce que vous faites et pourquoi.
L’art est plein de sens cachés qui peuvent ne pas être apparents jusqu’à ce qu’il soit souligné. Un jour, lors d’une exposition, des visiteurs m’ont dit qu’ils n’avaient pas vraiment compris mon travail jusqu’à ce qu’ils lisent le texte que j’avais mis à l’entrée. Il est de notre responsabilité d’éduquer les gens à ce sujet.
Mais ce n’est pas seulement les personnes qui regardent vos images et lisent vos textes, les moteurs de recherche explorent également votre site à la recherche de contenu à indexer.
Les robots des moteurs de recherche ne peuvent pas voir lire vos images, il faut que vous arrivez à d’écrire votre œuvre avec des mots.
 

Grosse erreur  NUMÉRO TROIS:  PAS de redimensionnement et d’optimisation des images pour votre site web

comment redimensionner mes photos
 
Les sites d’artistes sont principalement conçus avec des images, on le sait.
Mais le  chargement rapide de l’image tout en gardant une qualité exceptionnelle est primordiale, pour une bonne expérience de l’utilisateur, surtout si il n’ya pas de texte (voir grosse erreur n ° 2).
Des études ont montré que le visiteur de votre site met en moyenne de 6 à 8 secondes pour évaluer si oui ou non, il va  rester et aller plus loin ou passer.
Si votre image prend 30 secondes pour charger la plupart des gens ont quitté votre site, avant que l’image n’arrive enfin.
Il s’agit de la partie la plus difficile de la gestion de votre site web. Photoshop est non seulement coûteux, et  vous devez apprendre comment l’utiliser.
Beaucoup d’artistes ne savent pas que vous n’avez pas besoin de la version complète de Photoshop pour gérer les images.
Photoshop Elements peut faire le travail pour un  prix, beaucoup plus modeste.
Autrement, vous avez le logiciel en Opensource GIMP

telecharger gratuitement GIMP

Pour le télécharger gratuitement : http://www.gimp.org/downloads/
Des aides sur ce forum http://www.gimpfr.org/news.php
 
 
Si vous ne souhaitez pas utiliser Photoshop et GIMP , il ya un certain nombre de ressources en ligne pour redimensionner vos images gratuitement. Vous ne pouvez pas incorporer toutes les méta-données dans le jpeg comme vous pouvez avec Photoshop, mais vous pouvez mettre un filigrane, redimensionner et renommer avec ces quatre  sites…

  • PicMonkey.com
  • Pixlr.com
  • Ipiccy.com
  • Thumba.net

Une dernière remarque à propos de renommer des images; toujours, toujours renommer vos images de votre nom et le nom de la pièce. Comme ceci: « votre-name_name-de-piece.jpg » ou « thierry_crignon_nue_couchée.jpg »   Il n’y a rien de pire que d’avoir vos images indexées par les moteurs de recherche comme « img_1234.jpg ».
Car, il faut savoir, que beaucoup d’internautes, dont je fais parti, utilise google image comme moteur de recherche. Cela m’a permis de découvrir de vrais perles.
N’oubliez pas que votre site est sur votre art, vous devez  choisir un thème simple qui met l’accent sur ​​l’art et non la conception du site.
Vous devez y mettre du contenu de qualité, c’est le seul moyen que Google, Bing ou Yahoo, puisse vous référencer convenablement.
D’y incorporer des images de bonnes qualités, à chargement rapide et renommer.
Faites ceci et vous éviterez les  3 grandes erreurs que font les artistes avec leurs sites Web!
 
 

Comment aborder un autoportrait

Aussi  longtemps que les humains ont fait l’art, ils ont créé des autoportraits.

Il y a 30.000 ans, les hommes préhistoriques ont décoré la grotte Chauvet dans le sud de la France et certains d’entre eux pulvériser du pigment pour faire les contours de leurs mains qui peut être considéré  une très ancienne forme d’autoportrait.
Depuis lors, les artistes ont eu recours à leur propre image comme thème riche à développer,  leurs compétences artistiques et la pratique.
Albrecht Dürer , Gustave Courbet , Egon Schiele , Vincent van Gogh , Lucian Freud – la liste est longue  des maîtres artistes qui ont perfectionné  leur main à l’ autoportrait.
Rembrandt a fait des autoportraits tout au long de sa vie, un record merveilleux de l’image de soi d’un homme au fil des ans, le peintre allemand Lovis Corinth a peint une image de lui-même à chaque anniversaire, ce qui en résulte une remarquable  étude sur développement de sa technique artistique .

Peinture Projet : Création d’un autoportrait

lovis-corinth-self-portrait
Lovis Corinth : Autoportrait avec le squelette 1896

 
Faire  votre auto- portrait est un brillant projet pour développer vos techniques artistiques et , à condition d’avoir un miroir et les matériaux appropriés (photographie) , votre modèle est toujours disponible .
Choisissez une composition avec juste la tête et les épaules avec une forte lumière d’un côté et expérimenter avec différents milieux colorés ; varier la couleur. La direction de la lumière et de l’intensité produisent des effets différents.

Préparation pour votre peinture

 
Avant de commencer à peindre, vous devez vous décider sur une pose, n’oubliez pas que vous devez être à l’aise dans la position que vous aurez choisis. Vous devez être capable de peindre librement et garder à l’esprit qu’il peut être possible pour vous,  d’adopter la pose pendant longtemps.
Ensuite, vous devez étudier comment vous allez aborder le problème de représentation de  votre propre visage
Le  visage est, aux yeux des hommes, la partie  la plus reconnaissable dans le monde.
Il faut faire attention aux  émotions dissimulées dans des changements subtils dans les muscles du visage , la peau, les yeux et la bouche .
 

Peinture Projet : Création d’un autoportrait

Frida_Kahlo_self_portrait
Frida Kahlo : Autoportrait avec le collier de Thorn et Hummingbird

 
 
Pensez à quel type d’expression, d’humeur et d’émotion que vous souhaitez transmettre et comment cela se reflète dans la façon dont vous allez gérer la peinture, les couleurs que vous choisissez et la technique que vous allez utiliser.
Le but principal de cet exercice est de présenter votre propre visage et la tête comme un objet dans l’espace, en utilisant la couleur , le ton.
 

Le choix de la forme et de la composition

 
Choisissez comment vous allez cadrer votre propre tête et la conception du plan de l’image est crucial avant de commencer à travailler.
Imaginez le miroir est l’image que vous allez créer.
Essayez de placer votre tête dans le centre du reflet de ce miroir, face simple avec un espace égal symétriquement tout autour.
Bouger ensuite votre tête en la déplaçant sur le côté, en la déplaçant vers l’avant pour remplir le reflet de votre visage et en vous éloignant du miroir.
Ces expérimentation,  vous donne une idée de comment vous voulez équilibrer l’image et comment la forme et la composition interagi  avec vos intentions de création d’un auto- portrait.
 

Portrait-Face-Painting-Courbert-self-portrait
Gustave Courbet : L’homme désespéré c.1843 – 1845

Gustave Courbet : L’homme désespéré c.1843 – 1845

Le ton et la couleur

 
Une fois que vous vous arrêtez  sur  une composition, il est temps de considérer le choix de la couleur et du ton de la peinture. Regardez attentivement votre peau – le visage n’est pas d’un ton monotone idem pour la peau.
C’est plutôt un patchwork de couleurs différentes, les trais saillants et subtiles de la lumière qui réfléchie, et la coloration des ombres. Pensez aussi que vous n’allez pas seulement peindre votre visage, les couleurs et les tons de l’espace autour de vous,  auront une importance égale dans l’œuvre  finie.
Pensez à comment vous allez utiliser les tons chauds et froids.
Les tons chauds comme l’orange et le rouge apparaissent généralement plus proches, et les zones qui sont peintes dans les bleus frais et gris plus éloignées.
Les zones avec une plus grande variation tonale semblent également proches de l’observateur.
L’utilisation prudente de ces effets peut avoir un effet profond sur le sens de l’espace et de profondeur dans votre peinture. Il ya un grand nombre de manuels d’art disponibles  qui expliquent tout sur la théorie de la couleur et de la pratique artistique.

Les matériels

 
Maintenant que vous avez réfléchi à la composition, la couleur et le ton de votre peinture, vous êtes presque prêt à commencer à travailler sur votre image, il vous suffit de décider de quel type de matériel, vous souhaitez utiliser.
Idéalement, vous devriez expérimenter  une variété de différents types de peinture – aquarelle , acrylique , gouache et huile – pour découvrir ce qui  convient le mieux à votre style artistique .

Style et la technique

 
Enfin, le style et la technique que vous utilisez,  seront probablement apparaîtront une fois que vous commencez à travailler sur votre auto – portrait.
Regardez le travail d’autres artistes pour  trouver des styles et des thèmes qui vous inspirent,( la plupart des grands artistes se sont entrainés en copiant des œuvres au sein des musées), puis commencer à peindre votre propre image.
L’autoportrait est un projet que vous pouvez faire  encore et encore.
Grâce à cela, vous  verrez progresser votre style et votre technique.
Ils fournissent témoignage précieux de votre progression en tant qu’artiste et en tant que personne.
Personnel, je me suis longtemps exercé avec un vase iranien, que j’avais acheté en Salle des ventes. Au début de mon activité artistique, je le peignais tout les mois, cela m’a permis de voir ma progression, et parfois de me rassurer, sur mon évolution.
 
 

Comment maroufler : technique et préconisation

Qu’est-ce que le Marouflage ?

En peinture maroufler,

 

  1. C’est coller un tableau peint sur une toile avec de la maroufle en l’appliquant soit sur une toile pour la renforcer soit sur du bois ou sur un enduit de plâtre ou sur une muraille.
  2. Ces couvrir de la colle de pâte ou de la gélatine d’étoiles qui sont garnies de papier et clouté sur des châssis pour les rendre plus fermes et mieux tendus.

En règle générale, aujourd’hui, on maroufle pour les raisons suivantes :

  • pour fixer une toile peinte sur un support (mur, panneaux de bois, plafond ….)
  • Pour consolider une toile.
  • Pour réparer un accroc
  • Pour coller un papier sur un support

Ce qu’il faut savoir !
 

1 – Les combinaisons de matériaux.

Avant de coller un support sur un autre, il est important de connaître trois points essentiels et faciles à comprendre.
L’Hygroscopicité : Désigne la capacité de certains corps inorganiques et de tous les corps organisés vivants ou morts, à absorber l’humidité de l’air très rapidement. En règle générale tous les matériaux dits animaux, poils, fibre, peau, os,, sont sensibles à une chaleur excessive. Ces chaleurs les modifient fondamentalement en détruisant leur liaison d’hydrogène.
Risque lié à l’hygroscopicité des matériaux et mesures à prendre, Risque de développement de moisissures
Lorsque l’humidité relative de l’air est élevée, la teneur en humidité à l’équilibre des matériaux hygroscopique est si élevée qu’elle favorise le développement de moisissures.
Des moisissures apparaissent : sur des objets en cuir  sur du bois et de la laine, sur du coton.
Isotropie et anisotropie : Qui a les mêmes propriétés physiques dans toutes les directions.
Porosité et perméabilité : la porosité d’un corps est définie par l’importance relative qu’occupent les vides que sa structure comporte sous forme de qualité ou de canaux capillaires, on ne doit pas le confondre avec la perméabilité, qui est la capacité de laisser traverser un corps liquide gaz.
 
Lorsque deux matériaux sont associés par superposition, les composants gardent chacun leurs caractéristiques, leurs variations dimensionnelles liées aux variations de l’humidité relative à l’air peuvent être identiques, proches,  nulles ou inverser.
En conclusion, avant de choisir, votre support de marouflage, vérifier bien ces caractéristiques techniques.
Exemple : si vous en collez un papier sur une toile de coton, le coton étant très sujet aux variations hydrométriques, cela pourrait aller jusqu’au déchirement de votre papier.
Si vous marouflez pour la première fois, il y a trois cas, ou vous pourrez exécuter votre marouflage, sans trop de risques :

  • le marouflage de papier sur toile
  • le marouflage d’oeuvres sur papier sur un support en papier, carton ou bois
  • le marouflage de support vierge avant la réalisation de l’œuvre.

 

2 – Les matériaux pour le marouflage.

Les colles.
Les  naturelles : colle animale ou végétale, cire, résine, gomme, lin, farine, etc.

  • Colle Totin (colle de peau de lapin) on en trouve presque plus sur le marché Français. (inconvénient majeur elle se travaille à chaud, donc il faut aller très vite)
  • Gélatine animale (inconvénient majeur elle se travaille à chaud, donc il faut aller très vite)
  • Colle d’os
  • Farine de froment (vous trouvez la recette de la colle à farine ici)
  • Farine de seigle
  • Mélasse
  • Térébenthine de Venise
  • Miel
  • La caséine
  • Casé Arti  (LB) ou Casa Alba (Sennelier)
  • La colle d’amidon de riz

 
Les synthétiques : on trouve dans le commerce des résines synthétiques dont je vis vous en citer quelques-unes de façon non exhaustive.

  • Liant acrylique
  • Caparol
  • Capaplex
  • Méthyl Cellulose
  • Plextol B500 & B 360
  • Encollage universel
  • La colle à papier peint
  • La colle à bois
  • La colle blanche en générale.

Il y en a bien d’autres surtout en ce qui concerne les colles synthétiques, mais certaines sont difficilement trouvables dans les commerces traditionnels.
Utilisation des additifs dans les colles.
Il est conseillé vivement d’ajouter à toutes les préparations de colles naturelles, un antiseptique, ils sont indispensables dans toutes les formules de colle naturelle. Par contre, ils sont inutiles pour l’école synthétique.
 

3 – Les supports de marouflage.

Le papier :

Dans le cas du papier, je vous conseille de ne maroufler, que du papier. En effet, je vois mal maroufler une toile sur du papier, cela n’aurait aucune utilité. Ce support papier devra être fort, du type papier aquarelle 300 g, ou papier technique de 300 g et plus.

Le carton :

Personnellement, je ne maroufle que du papier sur ce type de support, et je ne l’utilise qu’en cas où le papier que j’ai à maroufler est déjà lui-même épais. Et je prends de préférence du carton à pH neutre.
Il faut de préférence encoller le dos du carton, pour que la colle exerce une tension similaire, au côté marouflé. Si vous ne le faites pas, la colle exercera une traction telle, que le carton gondolerait.

Le bois :

Mon bois préféré pour maroufler une toile ou du papier  reste le médium nouveau produit, qui a le grand avantage d’être lisse et d’exister en grande dimension jusqu’à 2 m sur 3 m, et en différentes épaisseurs.
Comme pour le carton, si vous utilisez un bois dont l’épaisseur est fine, il est nécessaire d’encoller le dos du support.
Par contre, le désavantage du bois surtout pour des grandes surfaces, reste son poids.

La toile :

Il faut choisir de préférence une toile au tissage très serré. Il ne faut jamais utiliser une toile vierge de toute préparation, et préférez le lin ou une toile synthétique à toute autre fibre.
Achetez de préférence dans un magasin de beaux-arts, une toile prête à emploi brute ou avec un encollage. Si vous achetez une toile brute, alors je vous conseille de la préparer avec un enduit universel ou une colle peau.

Le mur :

Le mur peut être un excellent support de marouflage, il est résistant, rigide et stable. Mais attention vérifiait quand même qu’il ne s’écaille pas, ne s’écrit pas, ne se décolle pas, il ne soit pas humide et doit être lisse.
 

4 – Les outils

Pour la préparation des colles

  • Récipients et casserole
  • Bain-marie (pot en verre assez large pour passer un pinceau de type Spalter et qui se referme avec un couvercle & une casserole pour mettre ce pot)
  • Un petit tamis pour éviter les grumeaux.
  • Un mélangeur pour les grands volumes (ou un batteur sur perceuse)
  • Une balance
  • Verre doseur
  • Cuillères, louches et spatules en bois

Pour la préparation des supports

  • Éponges, chiffons doux
  • Marteau, semences et pince à tendre pour les châssis
  • Un panneau de médium ou de contreplaqué d’une taille supérieure à l’œuvre traitée
  • Un film polyester (vous trouvez cela chez les spécialistes beaux-arts)
  • Une agrafeuse

Pour le marouflage

  • Spalters et brosse à encoller
  • Équerre et règle métallique
  • Cutter
  • Rouleau en caoutchouc
  • Raclette

5 – Mise en oeuvre du marouflage :

5  – 1 : papier sur papier,  carton et bois.

5 – 1 – 1  marouflage sur papier.

Le papier choisi doit être plus solide que le support original et plus rigide quelque part, on peut pratiquer un fonds tendu. Le papier humidifié et appliquer sur un contreplaqué voir un châssis ont chassé butèrent à la raquette après avoir posé un film polyester dessus, on enlève le polyester et maintient les bords du papier sur le contreplaqué par des bandes de papier kraft, on laisse sécher, on passe sur le papier sec une couche de colle pas trop fluide avec inspectèrent, on applique la couche d’intervention sans faire de prix, on repasse par-dessus une couche de colle un peu plus fluide, on laisse sécher, on pose éventuellement une seconde couche d’intervention de la même manière, on laisse sécher, on pose l’oeuvre sur un film polyester support en dessus, on l’on colle avec une colle légère et on le laisse quelques minutes se détendre l’humidité, on n’en colle la dernière couche d’intervention sur la même colle, quand le support original et bien détendu, on l’applique, en conservant dessus son film polyester, sur la couche d’intervention collée, on passe la raquette sur le film le pourchasser les bulles, puis on enlève le film et on laisse sécher.
Après séchage, on peut démonter l’ensemble en coupant les bords extérieurs du papier de marouflage et en séparant du contreplaqué.

5 – 1 – 2  Marouflage sur carton

  • Colle de peau 1 volume pour 10 d’eau
  • Caparol ou capaplex volume pour un volume d’eau

Le grand problème du marouflage sur carton, c’est que souvent la colle, exerce une traction sur le support et le déforme. Pour réussir à maroufler sur carton il faut équilibrer cette traction, en collant les deux faces du support, et cela en même temps, sans attendre le séchage de la première face. Une fois sèche, on pose une ou deux couches de colle et on fait comme pour le support papier ci-dessus.

5  – 1 – 3  Marouflage sur bois

  • Colle de peau 1 volume pour 10 d’eau
  • Caparol ou capaplex volume pour un volume d’eau

il existe deux types de bois utilisés pour le marouflage, le contreplaqué marine et depuis quelques années le médium. Comme pour le carton vous encollerez des deux côtés votre support bois. Par contre pour le bois je vous conseillerai vivement d’utiliser une colle acrylique.
Après la technique de maroufler est identique à celle ci-dessus.

5 – 2 : Marouflage papier sur toile

  • Colle – Colle de farine & Colle de peau
  • Toile de lin décatie
  • Couche de protection, papier japon ou mousseline & 2 feuilles de papier lavis. (pour limiter l’impact des mouvements de la toile)

Vous aurez préalablement tendu votre toile sur un châssis, attention au droit-fil et au décatissage.
On passera dessus une colle faite d’un mélange colle de farine et colle de peau de la consistance d’une pâte à crêpes. Ensuite nous installons le papier sur un support lisse et pas trop absorbant faces à encoller vers nous, nous mouillerons à l’aide d’une éponge le papier lavis sans faire de flaques et jusqu’à ce qu’il soit complètement détendu. Nous encollerons ensuite le papier et poserons colle contre colle. On chasse les bulles d’air et les excès de colle à la raquette passée sur un film polyester de protection.
On pose l’oeuvre à maroufler, sur un support de type contreplaqué ou médium, la face de l’oeuvre contre le support bois, entre le support bois et l’oeuvre, nous mettons un film de polyester.
On fait un encollage léger, je dirais même très léger sur l’œuvre, puis nous posons la mousseline sur ce support, ensuite on remet de la colle par-dessus. Il est important que la mousseline dépasse de quelques centimètres de chaque côté de l’œuvre. On laisse sécher.
On vient coller la deuxième feuille de lavis  humide, sur la mousseline, après encollage des de support. On laisse sécher.
On encolle les deux feuilles de lavis, à l’aide d’une colle fluide, on chasse les bulles d’air à la raclette l’oeuvre protégée par un film polyester.
On laisse sécher environ 20 heures.
Dans certain cas, vous pouvez après complet séchage, passer un coup de fer à repasser sur l’œuvre protéger soit par le film polyester, soit par un tissu épais et doux.

5  – 3  : Marouflage toile sur Mur

  • Toile peinte
  • Colle synthétique de type caparol, capaplex ou Plextol.

Le Marouflage d’œuvre  peinte sur toile sur un mur permet à un artiste de réaliser une oeuvre au sein de son atelier avant de l’installer sur un mur.
Dans un premier temps, il faut préparer le mur, il doit être lisse, propre, exempt de trous et de bosses, et de préférence sans peinture. Vous allez humidifier le mur l’imprégner pur, de préférence de l’eau minérale ou de l’eau de pluie. Vous allez imprégner votre mur de colle  synthétique  (de type caparol, capaplex ou plextol) un volume de colle pour quatre volumes d’eau. Vous allez passer quatre à cinq couches de façon successive est toujours dans le frais. La dernière couche se fera avec une colle synthétique diluer à un volume de colle pour un volume d’eau. Vous allez laisser sécher pendant trois à quatre jours.
Si vous avez ensuite imprégné votre toile du mélange un volume de colle pour un volume d’eau, ainsi que le mur.
Vous allez appliquer votre toile sur le mur progressivement tout en chassant les bulles d’air à l’aide d’un rouleau en caoutchouc.
 
 
 

Les couleurs en tubes modernes sont-elles de bonne qualité

talp0267Je réponds aujourd’hui Martine d’Agen.
Martine m’ écrit la chose suivante :

Il se dit que les couleurs que l’on vend actuellement sont nettement moins bonnes que celles qu’utilisaient les anciens.

Cette pensée est fausse et basée, comme beaucoup d’idées, sur l’ignorance et un respect excessif et illégitimes de la tradition.
La respecter n’est pas toujours une bonne chose.
Soyons clair et disons-nous bien que nos anciens ne disposaient que de matières naturelles.
Assurément, ces couleurs ne peuvent soutenir la comparaison en éclat,  intensité, solidité et fixité avec celles produites par la chimie moderne.

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Précisons, par ailleurs, que les contrôles techniques effectuées en fabrication permettent de connaître le devenir de ces couleurs que vous, étudiants ou artistes, pouvez en faire usage en toute quiétude.
Personnellement, j’ai visité les laboratoires, des plus grandes marques de peinture beaux-arts distribuée en France, (Talens, Sennelier, Lefranc & Bourgeois, Pébeo, Winsor & Newton…..) Et je peux vous dire qu’à chaque fois, j’ai pu constater, que lors de la fabrication des couleurs, chaque salarié de ces marques, procède très régulièrement à des contrôles de qualité.
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En Europe, je n’ai trouvé qu’une seule marque, dont les produits étaient de mauvaise qualité, c’était une marque espagnole, dont je me souviens même plus du nom.
En plus, ajoutons que la chimie organique met à la portée des artistes une nouvelle gamme de coloris de grande solidité et à des prix très accessibles.

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Je vous rappelle que les échecs que vous rencontrez proviennent, la plupart du temps du manque d’intérêt que vous portez à la technique.
La main arrive à se libérer pour une véritable création que lorsque la tête s’est libérée de la technique, car l’ayant totalement intégré.
Encore faut-il vouloir la prendre. C’est ce que je tente de faire à travers ce blog.
Quoi que vous pensiez, car cela vous arrange, les grands artistes sont toujours de grands « TECHNICIENS ».
Bien sûr, vu comme cela, cela fait un peu POMPEUX et ce discourt que j’ai eu dans beaucoup d’écoles d’art, me donne l’impression d’enfoncer des portes ouvertes,  pourtant cela avait  l’air de plaire.
 

N’hesitez pas à me donner votre avis dans les commentaires

Que doit-on prendre pour peindre en vacances ?

Materiels à prendre pour peindre pendant les vacancesVoici une petite liste de matériels à ne pas oublier.

Bonjour à tous,

Pour certains d’entre vous les vacances sont terminées, mais pour d’autres elles vont commencer.
Voici, une petite note, pour ne pas oublier le matériel nécessaire, pour dessiner, peindre ou croquer les beautés que vous allez voir, observer pendant vos vacances.

Pour les utilisateurs d’acrylique.

Personnellement, j’apprécie énormément la grande souplesse d’utilisation que m’offre l’acrylique. L’économie de moyens nécessaires à sa mise en oeuvre, la matité de ces couleurs en font souvent le médium de prédilection pour les peintres sur le motif. Son pouvoir couvrant n’est pas l’un des meilleurs et en plus elle s’assombrit en séchant.
Son inconvénient l’été, c’est qu’elle sèche trop vite. Personnellement pendant les vacances je prends set disponible dans tous les grands magasins beaux-arts de 10 couleurs. Et j’utilise un médium avec un retardateur pour ralentir son séchage. Très souvent aussi, j’utilise l’acrylique, comme une aquarelle, cela veut dire extrêmement diluer.
Donc pour l’acrylique, le matériel conseillé est :

    • une boîte de 10 couleurs
    • trois pinceaux de taille différente
    • un bloc de dessins 160 g
    • un crayon et gomme
    • un bloc de papier spécial acrylique

 

necessaire-aquarellesPour les utilisateurs d’aquarelle

Pour les utilisateurs d’aquarelle, c’est beaucoup plus simple à emmener.

      • Une boîte de 12 ou 24 demi-godets
      • un pinceau à Lavis de type Raphaël 803 numéros 2
      • un pinceau en martres numéro 0 ou 1
      • un bloc d’aquarelle de préférence 300 g et collé.
      • Un crayon et gomme.

 

Pour les utilisateurs de pastel.

Comme pour l’aquarelle, les pastelistes n’ont pas besoin de beaucoup de matériel.

      • Une boîte de 36 demi-pastel
      • une gomme et un crayon
      • un bloc de papier à pastel (Mi-teintes, ingres, Pastel Card ou Pastel-Mat)

 

huile-peinture-materiel-400x270Pour les utilisateurs d’Huile

Pour les utilisateurs d’huile, c’est plus compliqué, la quantité de matériel est souvent imposante.
L’idéal est d’avoir une boîte chevalier de campagne, car elle permet, d’emporter tout le matériel nécessaire à la pratique de ce médium. Mais on peut aussi se contenter d’une boîte en plastique solide et d’un chevalet (de campagne pour faciliter le transport).

      • Un assortiment d’une dizaine de couleurs
      • De 3 à 5 pinceaux naturels
      • un flacon d’essence de térébenthine
      • un médium atteindre
      • une palette
      • alors deux à trois châssis (la taille en fonction de votre choix)
      • au un bloc de papier spécial huile (il existe chez tous les fabricants de papier beaux-arts)

avec tout cela vous n’oubliez rien, je vous souhaite de bonnes vacances, et de peindre de jolies oeuvres.

Cours : les blancs de plomb, d'argent, de zinc et de titane

Parmi les pigments blancs utilisés par les artistes, les blancs de plomb, de zinc et de titane peuvent être considérés comme les trois pigments majeurs. Le blanc de plomb, employé depuis l’antiquité, fut le seul pigment blanc important utilisé par les peintres jusqu’à la moitié du 19e siècle. A partir de 1834, il fut remplacé progressivement par un pigment non toxique, le blanc de zinc. Enfin, le blanc de titane s’imposa vers 1920.

1. Le blanc de plomb

Le classique blanc de plomb (appelé également céruse, bien qu’il s’agisse dans ce cas d’un mélange de blanc de plomb et de craie) est un carbonate basique de plomb: 2 PbCO3 . Pb(OH)2. Si au moyen-âge, on mettait en garde contre les dangers que comportait la manufacture du blanc de plomb, ce ne fut qu’au XVIIIe siècle que des mesures de protection permettant d’atténuer les effets nocifs du plomb furent adoptées. En 1780, le premier essai d’introduction du blanc de zinc fut tenté dans le but de préserver la santé des travailleurs. Cependant, l’énorme différence de coût entre l’oxyde de zinc et le blanc de plomb a permis à ce dernier pigment de s’imposer encore pendant plusieurs décennies. Le blanc de plomb, appelé aussi blanc d’argent, fabriqué à base de Céruse a été interdit dans le batiment en 1908 et dans les années 2000, pour la peinture d’art.
L’utilisation considérable du blanc de plomb se comprend aisément puisque ce composé était utilisé non seulement comme pigment mais intervenait aussi dans la couche de préparation et dans l’imprimitura. L’imprimitura était utilisée dans certaines écoles de peintures du 13e au 17e siècle, c’est une couche intermédiaire située entre la couche de préparation et la couche picturale. Généralement striée, elle est souvent utilisée pour structurer et donner une certaine animation à la couche picturale.
A côté de ses nombreuses affinités avec les différents liants, le blanc de plomb offre aussi des propriétés intéressantes. Ce pigment présente un indice de réfraction élevé et son pouvoir couvrant est donc important. De plus, il n’est pas affecté par la lumière. Il faut cependant signaler que les traces de sulfure d’hydrogène présent dans l’atmosphère entraînent le noircissement du blanc de plomb notamment dans les aquarelles. Ce phénomène ne se rencontre pas dans les peintures où ce pigment se trouve mélangé à l’huile et est de plus protégé par un vernis.

2. Le blanc de zinc

Le blanc de zinc ou oxyde de zinc (ZnO) apparaît dans la nature sous forme d’un minerai rouge contenant beaucoup d’impuretés (notamment le manganèse qui lui donne sa couleur) et est donc sous cette forme inutilisable comme pigment. Il est connu depuis l’antiquité, utilisé sous la forme d’une poudre blanche par les alchimistes et employé en médecine comme anti-inflammatoire mais il n’a pas été utilisé comme pigment avant la fin du 18e siècle. Les premiers essais furent rapportés par Guyton de Morveau en 1782. Celui-ci insistait sur la non toxicité de l’oxyde de zinc et en préconisait sa substitution au blanc de plomb. Cependant, le blanc de zinc ne fut pas employé par les artistes avant le deuxième quart du 19e siècle. La cause en est l’énorme différence de coût entre ces deux pigments blancs. En effet, le blanc de plomb se négociait quatre fois moins cher que le blanc de zinc. Les méthodes de production du métal ne permettaient pas de produire le pigment en grande quantité et il fallut attendre le début du 19e siècle pour qu’une amélioration technique permette la fabrication et la commercialisation effective du blanc de zinc. A côté du coût élevé de ce pigment, d’autres désavantages lui étaient également reprochés. Les premiers essais du blanc de zinc avec un liant huileux révélèrent un mauvais séchage ainsi qu’un faible pouvoir couvrant.
C’est en 1834, que la maison Winsor and Newton de Londres commercialisa le blanc de zinc sous l’appellation blanc de Chine, présenté comme le meilleur blanc permanent pour les couleurs à l’eau. Par la suite, en France, Leclaire réussit à produire un blanc de zinc à liant huileux présentant un pouvoir couvrant convenable ainsi que de meilleures qualités de séchage par adjonction de siccatifs tel le litharge (monoxyde de plomb). La production industrielle de ce pigment commença en 1845 près de Paris, suivie de peu par le reste de l’Europe ainsi que par les Etats-Unis.
C’est un blanc très pur, mais peu opaque. Les principales objections à l’encontre du blanc de zinc étaient son temps de séchage trop long provoquant l’apparition de films cassants, son opacité réduite ainsi que son ton froid. C’est pourquoi, l’oxyde de zinc n’était pas considéré par les Impressionnistes comme un blanc pur mais plutôt comme un agent permettant d’éclaircir les autres couleurs. Cette manière de procéder se vérifie par exemple chez Pissaro ou Manet; par contre Van Gogh a utilisé de grandes quantités de blanc de zinc dans ses oeuvres.
Ce pigment présente cependant une qualité importante. Le blanc de zinc garde sa blancheur originale non seulement dans l’aquarelle mais aussi dans la peinture à l’huile. Si on compare le blanc de zinc avec le blanc de plomb et de titane, il s’avère qu’il est le pigment blanc présentant la plus faible tendance à jaunir…

3. Le blanc de titane

Le blanc de titane ou dioxyde de titane (TiO2 ) se présente sous deux formes cristallines différentes, l’anatase et le rutile.
Le dioxyde de titane fut appelé ilménite après la découverte à Ilmen (Russie) d’importants gisements de minerai de titane et de fer à la fin du 18e siècle. A la même époque, le dioxyde de titane était également séparé d’un minerai rouge, le rutile et nommé terre titanique. Il fallut attendre le début du 20e siècle pour que l’utilisation de cet oxyde comme pigment blanc soit envisagée.
Le blanc de titane possède de nombreuses qualités ce qui a permis à ce pigment de s’imposer rapidement sur la palette des artistes. Ce pigment est extrêmement stable chimiquement et n’est pas affecté par la chaleur ni par la lumière ou le sulfure d’hydrogène. De même, il ne réagit pas avec les solvants organiques ni avec les liants. Il possède aussi un indice de réfraction le plus élevé de tous les pigments blancs impliquant un pouvoir couvrant très grand. Cette propriété a permis à ce pigment d’être préféré aux autres pigments blancs malgré son coût assez élevé. Le blanc de titane peut être utilisé avec des liants aqueux, des émulsions acryliques (dans lesquelles les blancs de plomb et de zinc ne sont pas stables) ou encore avec des liants huileux.
Le blanc de titane absorbe fortement les rayons ultraviolets et est actif photochimiquement. Ceci peut induire des réactions chimiques, surtout avec la forme anatase, entraînant des réactions de dégradation comme le farinage, le jaunissement ou le craquèlement du liant.

En conclusion,

On peut dire que le blanc de plomb a joué un rôle important dans l’histoire des pigments puisque jusqu’à la première moitié du 19e siècle, il était le pigment blanc le plus employé par les peintres.
Aujourd’hui méfiez-vous des « pseudos » blanc d’argent ou de plomb que l’on vous vend dans le commerce. Ceux-ci ne sont souvent qu’un mélange de blanc de zinc et de blanc de titane. Si vous voulez vraiment retrouver le blanc d’argent, il en existe encore, chez certains spécialistes, vérifiez avant tout qu’il est bien à base de céruse, il doit avoir aussi un logo tête de mort sur son emballage. Et ne soyez pas étonné si on vous demande une pièce d’identité (obligation légale).
Autrement utilisez le blanc de zinc pour vos mélanges, et le blanc de titane quand vous voulez un beau blanc pure.
J’ai pu noter aussi, que le blanc de titane dans la catégorie extra-fin était souvent plus pur que dans les catégories fines et études.
 
 
 

Bibliographie :
Thèse de Jacqueline Couvert(2001),