Comment Dessiner, les poils du visage

Des cheveux réalistes sont une caractéristique indispensable d’un portrait d’apparence naturelle. Les cheveux et les poils du visage ne sont pas seulement un indicateur clé de l’habileté d’un artiste réaliste, mais c’est aussi l’une des parties les plus expressives du corps d’une personne.
Peut-être parce que c’est à la fois si adaptable et si important dans notre apparence, la façon dont nous portons nos cheveux et nos poils sur le visage peut en révéler beaucoup sur notre personnage, que nous le voulions ou non.
Donc, si vous voulez vraiment capturer l’essence d’une personne dans un portrait, essayez de commencer par ce guide facile en trois étapes pour dessiner les poils du visage avec des conseils supplémentaires pour dessiner les poils.
À première vue, les poils du visage peuvent sembler être l’une des parties les plus difficiles à dessiner de la figure humaine, avec ses textures et ses couleurs. Mais si vous apprenez à le voir non pas comme une collection infinie de poils individuels, mais comme une unité globale composée d’une série de formes, vous le trouverez beaucoup plus facile.
Vous trouverez ici une démo en 3 étapes sur le dessin des poils du visage comme une moustache ou une barbe, ainsi que des conseils pour dessiner une chevelure crédible.
Dessiner les poils du visage en 3 étapes            

  1. Créez un dessin de ligne.

Utilisez la méthode de la grille et un crayon pour créer un dessin au trait d’un nez, d’une bouche et d’une moustache.

  1. Construisez et mélangez les tonnes sombres.

Lorsque vous êtes sûr de votre précision, retirez soigneusement les lignes de la grille avec une gomme. Appliquez les tons les plus foncés avec un crayon.
La moustache est créée avec de courtes lignes de crayon allant dans le sens de la croissance des poils. Mélangez toute la zone à un ton gris avec un tortillon, puis continuez à créer des lignes de crayon sur le dessus.

  1. Approfondissez les tonnes, mélangez et rehaussez.

Continuez à approfondir les tons et à mélanger le dessin pour un aspect lisse. Une fois que l’obscurité de la moustache est atteinte, utilisez une gomme de pétrie pour enlever quelques poils clairs. Cela l’aidera à paraître plein et dimensionnel.
Dessiner les poils du visage – Plus de conseils
+ Lorsque vous avez l’occasion de dessiner les poils du visage, gardez à l’esprit qu’ils ne diffèrent pas tellement des autres cheveux. Il est généralement un peu plus épais et plus clairsemé, cependant, et vous voudrez porter une attention particulière au mélange sur les bords. Comme auparavant, évitez les bords durs sauf dans des cas habituels.
+ Lorsque vous dessinez une bouche masculine, vous pouvez rencontrer des poils du visage tels qu’une moustache et / ou un barbecue. Bien que cela puisse sembler difficile, cela ressemble beaucoup à dessiner de la fourrure animale. Tout comme pour la fourrure, les poils du visage sont dessinés à l’aide de traits de crayon qui reflètent la longueur des cheveux. Il est construit en plusieurs canapés.

Commentaire Dessiner, les poils du visage

Pour Dessiner des cheveux – Voici plus de conseils
# 1 Ne poursuivez pas «le cheveu»
Un seul cheveu est plus fin que le trait de crayon le plus étroit que vous pouvez dessiner. Pour créer l’illusion de dessiner tous les cheveux, ignorez tous ces milliers de tiges de cheveux séparés et concentrez-vous plutôt sur les formes principales du corps des cheveux. Voir les cheveux de cette manière simplifiée et ensuite vous pouvez les dessiner de cette façon.
Une bonne façon de commencer est de fermer un œil et de plisser les yeux tout en regardant la tête de votre modèle. Que vois-tu? S’agit-il d’un contour distinct contenant une répartition uniforme de la masse? Ou est-ce une forme majeure avec plusieurs formes plus petites en saillie? Ou s’agit-il d’une série de vagues à peu près cohérente?
Ne notez pas seulement les formes positives, mais aussi les négatives. Y at-il des lacunes importantes dans les cheveux? Où sont les ombres majeures? Répondre à ces questions au début vous permet de contourner tous les détails superflus et d’aller directement à ce qui est le plus utile pour vous en tant qu’artiste.
# 2 Capturez les détails
Une fois que vous avez identifié les formes qui définissent les cheveux que vous souhaitez dessiner, continuez et utilisez-les pour commencer votre dessin. Dessinez légèrement ces formes dans la bonne relation avec la tête afin que vous ayez un contexte dans lequel travailler, mais ne vous attendez pas à ce que ces arêtes soient permanentes.
Expérimentez un peu la disposition et la proportion des cheveux, et rappelez-vous que parfois même les résultats les plus réalistes ne se présentent pas comme nous l’attendons, alors faites vraiment des expériences avec votre marquage.
# 3 Faites toujours attention aux lumières et aux ténèbres
Comme pour presque tous les sujets, l’établissement de contrastes efficaces entre les lumières et les ténèbres est l’un des aspects les plus importants du dessin des cheveux, et la meilleure stratégie pour obtenir ce contraste est examiné les zones les plus sombres et de les ombrer en premier.
Les zones les plus claires sont déjà là, en un sens, dans l’espace blanc de votre papier, il est préférable de les contourner. Une fois que vous avez fait les parties les plus sombres, continuez à ombrer progressivement dans les taches plus claires, et de cette façon vous serez mieux en mesure de garder votre gamme de lumières et d’obscurité cohérente.
Lorsque vous travaillez en noir et blanc, la clarté ou l’obscurité des cheveux dépend simplement de l’évolution et de la constance de leur teinte. Parfois, cependant, une lumière vive peut tomber sur les cheveux, et les cheveux foncés dans cette situation peuvent être indiqués par un contraste plus importants entre ces zones et celles qui ne sont pas en lumière directe.
# 4 Utiliser les traits directionnels
Pour une impression de texture à vos nuances, utilisez des traits directionnels, qui devance à la fois à quel point les cheveux sont droits ou bouclés et donnez avant de mèches individuelles. Pour la plupart des coiffures, vos traits doivent être en grande partie cohérents, car les cheveux tomberont tous généralement dans la même direction, et même les plus petites variations peuvent suffire à donner aux cheveux un aspect naturel ou ébouriffé.
Lorsque vous arrivez sur les bords extérieurs des cheveux, n’ayez pas peur de laisser les cheveux s’estomper en arrière-plan. Les cheveux d’une personne ont rarement un bord visuel dur, et laisser le spectateur voir les cheveux devenir fins et vaporeux peut être une grande touche de réalisme.
# 5 Un peu de variété mais surtout la même chose
Bien qu’il semble y avoir beaucoup de types de cheveux différents dans le monde (presque autant qu’il y a de types de personnes), ne soyez pas intimidé par cette notion. Les styles peuvent changer beaucoup, mais dans tous les cas sauf les plus extrêmes et artificiels, les propriétés fondamentales des cheveux humains ne changent pas beaucoup. Les différences les plus visibles sont la couleur et la frisure.
Pour dessiner des cheveux bouclés, essayez d’utiliser un ombrage circulaire au lieu des méthodes unidirectionnelles ou de va-et-vient, et assurez-vous de le faire dès le début. C’est plus laborieux et souvent long, mais cela vaut la peine si vous voulez un look naturellement bouclé.
Pour les cheveux extrêmement bouclés, vous voudrez peut-être renoncer complètement aux traits directionnels et vous en tenir à une variété d’ombrages lisses ou l’apprendre circulaires.
# 6 N’oubliez pas la tête
Tout au long du processus de dessin des cheveux, n’oubliez jamais qu’il y a un crâne en dessous. C’est ce qui donne la forme essentielle des cheveux, alors faites attention à la forme de la tête et à la façon dont les cheveux tombent naturellement autour d’elle.
Si vous vous en souvenez et restez concentré sur tout le corps des cheveux au lieu de vous attraper dans chaque mèche séparée, vous dessinerez de belles têtes de cheveux, quel que soit votre sujet.

Dessiner les proportions du corps humain

Dessiner les proportions du corps humain
Et si aujourd’hui votre unité de mesure ne serait plus le cm ou l’Inch, mais la tête.
Le chiffre de 7 ½ têtes, dans lequel la longueur la tête sert d’unité de mesure et de base, est la norme de proportions utilisée dans la plupart des écoles réaliste et écoles de dessin.
Il est important de garder à l’esprit que les corps de 99 % de la population mondiale ne respectent pas ces règles ; mais nous nous en approchons tous quelques parts. La plupart des adultes mesurent environ 7 à 7 ½ têtes. En comparaison, un bambin a environ 4 têtes de haut.

Dessiner les proportions du corps humainDessiner les proportions du corps humain

Mesurer par une tête
(Ce sont des mesures approximatives.)
La longueur du tronc et de la tête mesure = 4 têtes.
La première mesure est du sommet du crâne au menton.
La deuxième mesure arrive juste en dessous des mamelons ou le bas de la cinquième côte.
Le troisième mesure s’aligne avec le nombril. (à l’arrière, cette mesure se rapporte également à peu près au sommet des muscles fessiers et définit le haut du bassin.)
La quatrième mesure division s’aligne juste en dessous de l’aine et juste au-dessus du bas du pli fessier (le pli proéminent à l’arrière de la partie supérieure de la cuisse) lorsque l’on regarde la figure par-derrière.
La jambe mesure 4 têtes de la plante du pied au grand trochanter ou au sommet de l’extérieur du fémur (os de la jambe supérieure).
Remarque : le bas de la rotule est le centre de cette mesure ou en d’autres termes ; le point d’articulation entre le fémur et le tibia. Ce point s’aligne également avec le pli poplité trouvé à l’arrière du genou.
La distance entre le bas du pli fessier et le bas de la rotule est égale à 1 ½ têtes.
Du bas de la rotule au bas du pied mesure 2 têtes.
Cela est pour le corps de haut en bas, maintenant voyons le reste du corps.
La main, du bout du majeur au-dessus du poignet, mesure environ les ¾ de la tête ou du menton à la racine des cheveux.
Du bout du majeur à l’aisselle (bras tendu) mesure 3 têtes.
Remarque : Le centre anatomique du corps est une ligne horizontale qui passe par le milieu des Dessiner les proportions du corps humaingrands trochanters (C’est la partie haute du fémur juste avant le col du fémur.) et le haut du pubis ou plus précisément.
Lorsque vous regardez à l’arrière du modèle, cette ligne passera par le bas du coccyx ou juste en dessous du sommet du sillon fessier. Cette mesure prise du haut de la tête ou du bas des pieds mesure environ 3 ¾ têtes de longueur.
La largeur d’épaule à épaule mesure 2 têtes.
La largeur des clavicules (d’un bout à l’autre) est de 1 ½ têtes.
La distance entre les 2 dépressions (fosse infraclaviculaire)Dessiner les proportions du corps humain se trouvant sous les clavicules est de 1 tête.
Le point d’articulation entre les bras inférieur et supérieur s’aligne approximativement avec le bas de la cage thoracique (la dixième côte).
Les poignets s’aligneront à peu près avec les grands trochanters.
Maintenant c’est à vous de dessiner.

Le crayon graphite expliqué

 

Comme je travaille actuellement sur un dessin au graphite et au fusain, j’ai pensé que vous auriez peut-être intérêt à ce que j’écrive les bases du graphite. Que signifient réellement ces lettres HB, H, B et lesquelles devriez-vous utiliser?

Les crayons sont fabriqués à partir de graphite. Le graphite est une forme de carbone (le diamant est aussi une forme de carbone, il est donc toujours agréable de penser que l’on dessine avec des diamants, hé hé).

Le crayon graphite expliqué

Le carbone existe également dans le charbon de bois. Une mine de crayon graphite comprend principalement deux composants poudreux : le graphite et l’argile. Plus il y a de graphite, plus vous pouvez dessiner avec celui-ci. Plus il y a d’argile, plus le crayon est léger et dur.

Les crayons graphite vont de 9H, 8H, etc. à 1H et H. Ils passent ensuite en HB, puis en B, B2, etc. en direction de B9. B9 est le plus doux et le plus sombre. 9H est le crayon graphite le plus léger et le plus dur. Ainsi, un B6 est plus doux et plus foncé qu’un B2. Un 6H est plus dur et plus léger qu’un 2H et beaucoup plus dur et plus léger qu’un crayon HB ou B. Parfois, vous pouvez trouver un crayon F qui est une version un peu plus dure de HB, ce qui signifie que vous pouvez l’aiguiser encore plus finement.

Les crayons graphite vont de H à B

Il n’est pas nécessaire d’avoir tous ces types de crayons graphite. De nombreux artistes travaillent avec environ trois crayons d’obscurité et de dureté variables. Habituellement, ces trois sont assez proches les uns des autres. Donc, quelqu’un pourrait travailler avec un HB, un 2B et un 4B. Ou peut-être un 2H, F et un HB. Ce dernier trio est composé de crayons plus durs et plus clairs. Un dessin réalisé avec ces crayons sera donc plus clair avec des noirs moins sombres.

Il est logique de choisir des crayons assez proches les uns des autres dans la gamme (bien que peut-être pas juste l’un à côté de l’autre pour s’assurer qu’il y a suffisamment de différence entre eux). Si vous souhaitez créer un dessin clair, avec une touche haute et lumineuse, vous n’avez pas besoin d’un crayon 9B profond et doux. Dans un dessin brillant, votre nuance la plus sombre sera probablement encore assez claire. Donc, vous n’avez peut-être pas besoin de quelque chose de plus sombre qu’un HB. Si vous souhaitez dessiner un dessin très sombre, il n’est pas utile (excusez le jeu de mots) d’utiliser un crayon extrêmement dur et clair tel qu’un H. Le trait fin d’un crayon H disparaîtra face à la noirceur d’un fort Crayon B. Choisissez donc vos crayons à un ou deux pas l’un de l’autre: HB, 2B et 6B par exemple. Ou un 4H, 2H et un HB.

Un crayon B ne vous donnera pas seulement une marque douce et noire, il produira une marque beaucoup plus grossière qu’un crayon H. Les crayons H sont si durs et fins qu’ils vous donneront une marque nette et fine (mais légère). Ils sont parfaits pour les petits détails et les lignes extrêmement nettes. Les crayons Dark B conviennent mieux à la fabrication de marques foncées expressives et à un travail moins détaillé. D’où l’importance du choix de la dureté d’un crayon, sur l’effet finale d’un dessin, si on veut lui donner de la légèreté, on utilisera plutôt des crayon dur, et si vous voulez donner une ambiance pesante, lourde, vous opterez plutôt pour du 4b etc…..

Les crayons H et B peuvent très bien fonctionner ensemble lorsque vous devez affiner une zone de crayon B grossière et sombre. Si vous passez au-dessus d’une zone aussi sombre avec un crayon dur, vous pouvez remplir la texture ouverte et créer une transition beaucoup plus douce des valeurs.

Plus votre marque est petite, plus votre dessin est lisse

Un crayon 6B fait une marque beaucoup plus grossière qu’un crayon H.


Un crayon dur conviendra mieux aux transitions de valeur très subtiles et à un effet lisse. Un crayon doux peut créer des nuances plus profondes mais ne peut pas créer une application lisse.

Vous pouvez finir par remplir le creux du papier avec du graphite et vous retrouver avec une zone super lisse et brillante qui ne prendra plus de graphite.

Le papier aura été aplati sous la pression de votre marque et votre marque continue « lustrera » le graphite et le rendra brillant. Travailler à la légère et en couches devrait éviter cet effet, même si tout le monde ne pense pas à la brillance du graphite.

Les crayons peuvent être taillés avec un taille-crayon (à remplacer régulièrement pour continuer à utiliser une lame tranchante), un couteau, un cutter  (voir ci-dessous) ou du papier abrasif. Choisissez ce que vous préférez.

Il existe un nombre presque illimité de gommes à effacer. J’aime les caoutchoucs Staedtler et les gommes dit mie de pain pouvant être malaxées pour les petits détails. J’ai une préférence, je dirai un amour pour la gomme dite Savon de Raphael. Je cherche toujours à ne pas trop l’utiliser car le graphite peut être difficile à effacer (plus dur que le charbon de bois) et il est donc rentable pour moi de commencer légèrement et de travailler à partir de là.

Vous pouvez frotter le graphite avec un mouchoir en papier ou avec le tortillion, le tissu ou même les doigts légèrement plus pointus (mais faites attention à la graisse de la peau qui macule le papier).

 

Maintenant, c’est à vous.

10 Raisons pour dessiner plus souvent

La plupart des jeunes enfants aiment dessiner. Vous pouvez voir ce «phénomène» par vous-même.
10 raisons pour dessiner plus souvent
Aller dans un restaurant familial et remarquez comment une boîte de crayons de couleur, et un morceau de papier garderont les enfants au calme et  heureux.
Donc, plus tard, pourquoi tant d’artistes en herbe et même des peintres chevronnés abandonnent le dessin ?
Les principes fondamentaux à la fois pour le dessin et la peinture  sont les mêmes. Pourtant, le facteur le plus important dans le dessin et la peinture est la capacité à voir.
Après une observation attentive d’une scène, l’artiste doit savoir la retranscrire sur papier ou sur toile ou tout autre support.
Cette pratique est simplifiée avec des crayons, marqueurs et craies parce qu’ils sont plus faciles à contrôler que la peinture et un pinceau.
Moi-même, je suis né pratiquement avec un crayon à la main. Mais au fil des ans, j’ai très souvent douté de mes compétences en matière de dessin.
Récemment, je me suis rappelé que  les artistes devraient dessiner et s’exercer plus souvent !
Que vous choisissiez de dessiner en esquissant rapidement la scène devant vous, ou que vous soyez méthodique et que vous rendiez un travail  fini sur papier. Que vous soyez un peintre d’atelier  ou de plein peintre de l’air, le dessin va améliorer votre art.

10 raisons pour dessiner plus souvent
Paysage d’ECOSSE

10 raisons pour lesquelles les artistes devraient dessiner plus souvent :

1 – Pour apprendre à voir.
2 – Pour inspirer la conception.
3 – Pour enregistrer les formes géométriques et des motifs de la  composition
4 – Pour organiser la composition en 4 valeurs ou moins pour un design fort.
5 – Pour résoudre des problèmes et d’analyser. Régler les problèmes avec un crayon est plus facile que la peinture.
6 – Pour gagner du temps et de passer plus de temps à peindre et moins de temps de la résolution de problèmes.
7 – Pour améliorer votre art  et acquérir des compétences solides et de meilleures peintures.
8 – Pour aider à construire une méthodologie pour l’exécution de votre peinture.
9 – Pour avoir une dextérité artistique et une coordination œil-main.
10 Pour aider votre mémoire. Le dessin aide à l’entretien de la mémoire à court terme et des idées qui pourraient autrement être oubliées.
 

Et vous Est ce que vous dessiner souvent ?

Atelier PASTEL SEC : Les nuages et ciel

Aujourd’hui Atelier PASTEL, Avec Mylhena, qui nous montre, comment réinterpréter les nuages au PASTEL SEC.
C’est un cours sur le Pastel entièrement gratuit, que vous pouvez voir et revoir autant de fois que vous voulez.
 

Atelier PASTEL SEC  = Matériels utilisés

Demi-feuille de Pastel MAT de chez Clairefontaine.
Pastel Quentin de Latour  (vous pouvez aussi choisir un carré conté à la place )

  • Terre de sienne bruléepastel les nuages
  • Terre d’ombre naturelle

Pastel Smincke

  • Bleu 600 073 H
  • Bleu  061 073 H

Pastel Sennelier

  • Bleu 622
  • Bleu violet  361
  • Bleu tres clair 360
  • Orange 197
  • Saumon ou rose pale 086

 

Atelier Pastel Sec = ETAPE 1

Atelier Pastel Sec = ETAPE 2

Atelier Pastel Sec = ETAPE 3

Comment progresser efficacement en dessin réaliste

Le dessin réaliste ou hyper réaliste  est centré sur l’observation. Par conséquent, les capacités d’observation sont cruciales pour un dessin réussi.
Si nous voulons capturer un objet ou le sujet de la façon dont il nous apparaît, alors nous devons nous pencher sur le sujet. Nous devons comprendre et enregistrer les relations entre les lignes, les formes, les textures, etc. que nous voyons dans le but de les communiquer au spectateur.
Vous ne pourriez prendre une photo d’un sujet, sans pointer votre appareil vers lui, il est de même pour le dessin, vous ne pouvez reproduire un sujet de façon réaliste, sans le regarder, auparavant.

Les idées fausses sur dessin réaliste

Certaines personnes croient que pour être un artiste, vous devez être capable de dessiner ou de peindre sans aucune référence, sans aucun modèle. C’est  loin d’être la vérité. Les artistes à travers l’histoire ont utilisé des modèles, ils ont peint sur place, et quelques-uns ont même utilisé une chambre noire pour capturer leur sujet.
Bien sûr, chaque fois que nous nous appliquons à l’observation de notre sujet, nous améliorons nos capacités d’observation.
Pour cela, il existe quelques exercices pratiques pour vous aider, à améliorer votre pratique de l’observation.
Le premier et le plus simple, c’est de reproduire autant de fois que possible le sujet à traiter, j’ai un ami, qui tous les soirs, esquisse le même sujet pendant une heure.
Dans tous les cas, plus vos capacités d’observation s’amélioreront et plus vous vous perfectionnerez dans vos dessins et vos peintures.

Autres Exercices d’observation

J’ai récupéré ces exercices chez un ami, qui l’utilise pour ses élèves (Merci à Matt)
Dans le premier exercice, qui est très facile, vous avez certainement dû jouer à cela pendant votre enfance.
Vous avez quatre dessins qui ont été reproduits 5 fois au total, mais sur chaque ligne, seulement 2 sont parfaitement semblables.
Comment progresser rapidement en dessin réaliste
 
Dans l’exercice 2, Vous avez 6 formes ou dessins non réalistes, à coté de chacune de ces formes il y a une case vide, vous devez vous amuser à reproduire parfaitement cette forme.
 
Comme  les dessins sont non-objectifs, vous êtes obligé d’observer strictement les lignes et les formes sans que  l’objet influence votre dessin.
comment progresser efficacement en dessin réaliste
 
Demandez à un ami, à votre conjoint ou à un membre de votre famille, de créer d’autres formes pour continuer à pratiquer (cela ne nécessite pas de compétence particulière en dessin). Ne vous arrêtez pas avec juste cette page! Prenez quelques minutes et de pratiquer chaque jour ou deux. Ces exercices de dessin sont assez simples et ne nécessitent pas beaucoup de temps.
 

Allez hop mettez vous au travail, vous verrez les résultats rapidement sur vos compétences en matière de dessin et de peinture.

Comment peindre au pastel comme Edgar DEGAS

Voici la deuxième vidéo de ma série  « Les peintres et leur techniques »
 
Cette fois ci, j’aborde Edgar Degas est sa technique, je devrai plutôt dire ses techniques.

Degas était très attiré par la technique de peintres Vénitien, et il a passé sa vie a cherché à se rapprocher d’eux.
edgar-degas

La détrempe

Il  a commencé par la peinture à la détrempe, qui est un mélange d’œuf  et de pigment ou de colle de peau et de pigment. Ce qui a été pour lui un désastre, le jour où il a essayé de faire la détrempe qu’avec le blanc de l’œuf.

Puis il a essayé la peinture à l’huile :

La peinture à l’essence sur papier, qui se fait en dégraissant l’huile en la posant sur un buvard, pour qu’il absorbe le maximum d’huile, puis on peint à l’aide d’essence de térébenthine.
La peinture sur papier huilé, là cela a été une véritable catastrophe, en effet, il faut enduire le papier d’huile de l’huile, puis vous venez peindre dessus, le contact, huile sur huile,  est très onctueux, et vous permettez une gestuelle inégalée. Mais l’huile a très vite fait de détruire le papier et de ternir l’ensemble de l’œuvre.

Dans un dernier temps, il a repris le Pastel.

Il a souvent utilisé ce médium pour faire ses croquis et esquisses, mais jamais comme œuvre à part entière.
Il a été assez novateur dans son approche du pastel, en l’utilisant en technique mixte, détrempe ou gouache + Pastel, comme dans son œuvre, les danseuses derrières le portant.
Dans cette œuvre, seul,  la peau, les cheveux et les tutus des danseuses sont peints au pastel, le reste l’a été à la détrempe ou à la gouache. Cela permet de diriger l’œil sur ce que Degas trouvait d’essentiel dans son tableau ici les danseuses.
Autre approche du pastel, la technique dit du pastel mouillé.

degas_chanson_des_chiensPlusieurs solutions étaient à la disposition de Degas :

1 – Tremper son bâton de pastel dans un mélange d’eau et de gomme arabique. Il utilisait cette technique souvent pour les rehauts de couleur.
2 – Il passait son dessin fait au pastel, sur une vapeur chaude, puis il reprenait  entièrement son dessin au pinceau, transformant son pastel en une pate à dessiner, c’est le cas de « la Chanson du chien ».
3 – Il projetait de l’eau bouillante sur certaines zones de son œuvre, pour les retravailler au pinceau.
 
 
 

Dernier point abordé dans cette vidéo le fixatif :f54d85b6

 
Degas fixait ses pastels à chaque étape. Il utilisait un fixatif de sa création, je devrais plutôt dire de la création de Luiji Chialiva. Il se compose de Caséine, d’eau et d’alcool méthylique.
Aujourd’hui vous pouvez trouve un fixatif se rapprochant de l’original, chez SpectraFIX, mais je ne sais pas où le trouver en France

7 façons pour vous aider à appréhender le dessin

7 façons pour vous aider à appréhender le dessin
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1 – Réinventez en dessinant à l’envers

 
Non, je n’ai pas perdu mon esprit – le dessin envers vous aide à «désapprendre» les mauvaises habitudes, que  la  plupart d’entre nous avons prises.
Souvent nous dessinons, ce que nous pensons voir et non ce que nous voyons.
Par exemple, lors de l’élaboration d’un portrait, les petites vont souvent tirer leurs cheveux longs comme deux bandes de chaque côté du visage.
Sauf si elles ont  une coupe de cheveux inhabituelle douteuse, alors souvent nous dessinons ce que nous savons des cheveux, plutôt que de regarder attentivement la façon dont  ils tombent  derrière la nuque, couvrent  partiellement le visage et les épaules, et ainsi de suite.
La prochaine fois que vous dessinez à partir d’une photo, essayez de l’inverser. Ce nouveau point de vue, vous donnera, une aide précieuse, et vous serez plus précis.

2 – Faites comme Leonard de Vinci utilisez Le Miroir

 
Semblable au dessin à l’envers, vérifier fréquemment votre dessin dans un miroir, il vous renverra un autre  point de vue et vous aidera à voir où vous avez commis des erreurs. Par exemple, lorsque je vérifie mes portraits dans le miroir, je me cherche une symétrie approximative dans le visage.
Une narine surdimensionnée est beaucoup plus facile à repérer quand vous la voyez dans le sens inverse.
Si vous besoin d’une preuve que cela fonctionne, Leonardo da Vinci a utilisé cette technique lui-même!

3 – Expérimentez avec différents médias.

 
Pendant longtemps, j’ai dessiné au stylo, convaincu que c’était mon style et la seule façon que je pouvais dessiner. Une série de mauvaises expériences avec des crayons à l’école m’a rebuté toutes les choses graphite.
Cependant, dans l’atelier de Dominique Sohier, Il m’a fait découvrir  que l’ont ajouté un effet doux et mélangés avec les crayons, et  que je ne pourrais jamais atteindre cela au stylo.  Je me  suis converti!
Maintenant, si je veux une image saisissante je la fais au stylo, et si je la veux délicat, je la fais au crayon.
Ce qui m’amène bien sur mon prochain point …

4 – Aiguisez vos crayons

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Pour avoir un bon dessin, il est plus que nécessaire d’avoir vos crayons toujours très bien affûtés.
Personnellement, je préfère affûter mes crayons avec un cutter et une feuille de papier émeri N°0

5 – A vos pates à modeler et Mouler

 
Il nous arrive parfois, de nous battre avec un sujet, simplement parce que nous comprenons  pas  que il fonctionne. Dans ces cas là, je n’hésite pas, je fais une mini sculpture de l’objet que j’ai à représenter, même grossièrement, mais cela me permet de l’observer en 3D et de mieux le comprendre.
l’idée est de vous aider à comprendre sa forme, de pouvoir l’observer  sous tous les angles et sur comment la source de lumière rebondit sur les surfaces pour créer des ombres et les hautes lumières.

6 – La Méthode par quadrillage

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Garder les proportions,  est l’un des plus grands défis lors de la copie d’une photo ou d’un objet. Pour éliminer les approximations, faite  une grille carrée sur l’image que vous copiez et une autre sur le papier ou le support que vous utilisez.
Utilisez un crayon pas trop sec  de sorte que vous pouvez les effacer plus tard. Si l’image que vous copiez est la même taille que votre papier, les deux quadrillages  devraient être identiques, si elle est plus grande ou plus petite, vous devrez faire évoluer votre grille  vers le haut ou le bas pour garder le même rapport:
par exemple, si je copie une image de A5 vers  A4, je  dessinerais  une grille de 1cm sur l’image A5 et agrandissez-le à 2cm sur mon papier, en veillant à mon dessin est exactement le double de la taille.
Une fois que vous avez fait vos grilles, examiner la place de l’image source par carré, et copiez la dans  chacune des cases, qui  correspondent  à votre propre grille.
C’est une façon très méthodique de dessiner  et cela prend du temps, mais ça vaut la peine de réaliser une copie quasi-identique.
Il s’agit ici de décompose le dessin en un ensemble en morceaux gérables – vous ne pouvez pas être en mesure de copier une image entière d’un seul coup, mais je parie que vous pouvez copier un carré de 1×1 cm presque parfaitement – puis répétez simplement!

7 – Dessinez l’espace négatif

 
Une autre façon d’acquérir une nouvelle perspective du sujet,  est de ne pas dessiner  la chose elle-même, mais l’espace négatif autour d’elle.
Cela fonctionne particulièrement bien lors de l’utilisation d’épaisseur, et de  médias lourds tels que le charbon de bois et le fusain. Vous savez, ces illusions d’optique qui ressemblent à un chandelier ou deux faces, en fonction de la façon dont vous regardez?
Cela montre comment l’espace négatif peut fournir un dessin intéressant en soi.
J’ai très souvent utilisé cette méthode, surtout en peinture à l’huile. Les personnes dessinent  l’objet, alors qu’il est beaucoup plus performant quand vous l’attaquez par l’extérieur.
 

Comment aborder un autoportrait

Aussi  longtemps que les humains ont fait l’art, ils ont créé des autoportraits.

Il y a 30.000 ans, les hommes préhistoriques ont décoré la grotte Chauvet dans le sud de la France et certains d’entre eux pulvériser du pigment pour faire les contours de leurs mains qui peut être considéré  une très ancienne forme d’autoportrait.
Depuis lors, les artistes ont eu recours à leur propre image comme thème riche à développer,  leurs compétences artistiques et la pratique.
Albrecht Dürer , Gustave Courbet , Egon Schiele , Vincent van Gogh , Lucian Freud – la liste est longue  des maîtres artistes qui ont perfectionné  leur main à l’ autoportrait.
Rembrandt a fait des autoportraits tout au long de sa vie, un record merveilleux de l’image de soi d’un homme au fil des ans, le peintre allemand Lovis Corinth a peint une image de lui-même à chaque anniversaire, ce qui en résulte une remarquable  étude sur développement de sa technique artistique .

Peinture Projet : Création d’un autoportrait

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Lovis Corinth : Autoportrait avec le squelette 1896

 
Faire  votre auto- portrait est un brillant projet pour développer vos techniques artistiques et , à condition d’avoir un miroir et les matériaux appropriés (photographie) , votre modèle est toujours disponible .
Choisissez une composition avec juste la tête et les épaules avec une forte lumière d’un côté et expérimenter avec différents milieux colorés ; varier la couleur. La direction de la lumière et de l’intensité produisent des effets différents.

Préparation pour votre peinture

 
Avant de commencer à peindre, vous devez vous décider sur une pose, n’oubliez pas que vous devez être à l’aise dans la position que vous aurez choisis. Vous devez être capable de peindre librement et garder à l’esprit qu’il peut être possible pour vous,  d’adopter la pose pendant longtemps.
Ensuite, vous devez étudier comment vous allez aborder le problème de représentation de  votre propre visage
Le  visage est, aux yeux des hommes, la partie  la plus reconnaissable dans le monde.
Il faut faire attention aux  émotions dissimulées dans des changements subtils dans les muscles du visage , la peau, les yeux et la bouche .
 

Peinture Projet : Création d’un autoportrait

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Frida Kahlo : Autoportrait avec le collier de Thorn et Hummingbird

 
 
Pensez à quel type d’expression, d’humeur et d’émotion que vous souhaitez transmettre et comment cela se reflète dans la façon dont vous allez gérer la peinture, les couleurs que vous choisissez et la technique que vous allez utiliser.
Le but principal de cet exercice est de présenter votre propre visage et la tête comme un objet dans l’espace, en utilisant la couleur , le ton.
 

Le choix de la forme et de la composition

 
Choisissez comment vous allez cadrer votre propre tête et la conception du plan de l’image est crucial avant de commencer à travailler.
Imaginez le miroir est l’image que vous allez créer.
Essayez de placer votre tête dans le centre du reflet de ce miroir, face simple avec un espace égal symétriquement tout autour.
Bouger ensuite votre tête en la déplaçant sur le côté, en la déplaçant vers l’avant pour remplir le reflet de votre visage et en vous éloignant du miroir.
Ces expérimentation,  vous donne une idée de comment vous voulez équilibrer l’image et comment la forme et la composition interagi  avec vos intentions de création d’un auto- portrait.
 

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Gustave Courbet : L’homme désespéré c.1843 – 1845

Gustave Courbet : L’homme désespéré c.1843 – 1845

Le ton et la couleur

 
Une fois que vous vous arrêtez  sur  une composition, il est temps de considérer le choix de la couleur et du ton de la peinture. Regardez attentivement votre peau – le visage n’est pas d’un ton monotone idem pour la peau.
C’est plutôt un patchwork de couleurs différentes, les trais saillants et subtiles de la lumière qui réfléchie, et la coloration des ombres. Pensez aussi que vous n’allez pas seulement peindre votre visage, les couleurs et les tons de l’espace autour de vous,  auront une importance égale dans l’œuvre  finie.
Pensez à comment vous allez utiliser les tons chauds et froids.
Les tons chauds comme l’orange et le rouge apparaissent généralement plus proches, et les zones qui sont peintes dans les bleus frais et gris plus éloignées.
Les zones avec une plus grande variation tonale semblent également proches de l’observateur.
L’utilisation prudente de ces effets peut avoir un effet profond sur le sens de l’espace et de profondeur dans votre peinture. Il ya un grand nombre de manuels d’art disponibles  qui expliquent tout sur la théorie de la couleur et de la pratique artistique.

Les matériels

 
Maintenant que vous avez réfléchi à la composition, la couleur et le ton de votre peinture, vous êtes presque prêt à commencer à travailler sur votre image, il vous suffit de décider de quel type de matériel, vous souhaitez utiliser.
Idéalement, vous devriez expérimenter  une variété de différents types de peinture – aquarelle , acrylique , gouache et huile – pour découvrir ce qui  convient le mieux à votre style artistique .

Style et la technique

 
Enfin, le style et la technique que vous utilisez,  seront probablement apparaîtront une fois que vous commencez à travailler sur votre auto – portrait.
Regardez le travail d’autres artistes pour  trouver des styles et des thèmes qui vous inspirent,( la plupart des grands artistes se sont entrainés en copiant des œuvres au sein des musées), puis commencer à peindre votre propre image.
L’autoportrait est un projet que vous pouvez faire  encore et encore.
Grâce à cela, vous  verrez progresser votre style et votre technique.
Ils fournissent témoignage précieux de votre progression en tant qu’artiste et en tant que personne.
Personnel, je me suis longtemps exercé avec un vase iranien, que j’avais acheté en Salle des ventes. Au début de mon activité artistique, je le peignais tout les mois, cela m’a permis de voir ma progression, et parfois de me rassurer, sur mon évolution.
 
 

3 raisons pour lesquelles, Le Triptyque d' Art est un succès

3 raisons pour lesquelles Triptyque d’Art est un succès

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Adriaen Isenbrandt (circa 1485-1551)

Le Triptyque se compose de trois panneaux qui sont destinés à être affichés ensemble. Un  triptyque  est de l’adjectif grec  τρίπτυχον  qui signifie «trois fois».

Les premiers étaient des triptyques de l’art paléochrétien, qui était un format populaire pour les tableaux d’autel du Moyen-Age.
Aujourd’hui le triptyque d’art est toujours défini comme une œuvre d’art, habituellement c’est une peinture sur bois, un art numérique ou une  photographie divisée en trois sections.
Lorsqu’un triptyque est appliqué à la photographie ou aux beaux-arts, il n’y a pas de règles fermes, quand à son affichage. La méthode se compose de trois œuvres d’art montées dans un cadre, les trois images sont étroitement associés et sont affichés les une près des autres. Alternativement, le triptyque peut être une collection de trois photos présentées dans une image singulière.
L’art de triptyque est souvent utilisé comme un élément de décor dans différents design d’intérieur. Ils peuvent être magnifiquement placés dans des maisons, des bureaux et des hôtels.
La vision de l’artiste est primordiale. En tant qu’artiste, je peux vraiment exprimer mon style ou un message dans un sens beaucoup plus large avec une œuvre «  triptyque ». Il n’y a pas vraiment de règles en triptyque d’art et de photographie, tout est permis.
Voici les trois points que j’ai mentionnés pour expliquer pourquoi je crois qu’ils sont un véhicule efficace pour l’artiste et son art.

1 . Grand attrait visuel

:
Ces images ont un attrait esthétique en eux même. Elles obligent le spectateur à réfléchir sur la conception et remettent en question le sens et le mouvement de la pièce. Comme le spectateur regarde d’un panneau à l’autre, ils doivent comprendre la façon dont l’art s’adresse à eux et comment ils peuvent digérer trois oeuvres différentes en une seule composition.

2. Couleur :

La couleur doit aider à diriger l’œil, pour aider à aller de l’image gauche à celle de droite.
Ici sur l’œuvre e Marc Garrison, la couleur subtile de la première illustration aux tons bleus, aide à passer à la seconde puis les lignes fines amènent  à la  3e et maintient la pièce intéressante.
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Je crois que ces œuvres d’art contemporaines sont plus subtiles que la photographie en format triptyque parce que je peux modifier les couleurs et la transition de chaque pièce. Contrairement à une photo qui est essentiellement une image découpé en trois parties.

3. Surface:

Le problème des acheteurs en arts, c’est qu’ils veulent souvent décorer leur intérieur.
En d’autres termes, quand ils s’investissent dans une œuvre d’art, ils veulent qu’elle  couvre un espace de mur suffisant.
Le triptyque à l’avantage de pouvoir s’étaler sur un mur et donner une impression de grandeur, d’occupation de l’espace.
Je suis sûr que vous vous demandez ce que cela signifie d’art contemporain de toute façon ?

Je vais essayer de vous donner mon avis.

J’aime travailler avec un  thème de transitions.
Je commence avec un design simple, le second devient plus complexe – comme la façon dont notre vie devient plus complexe et que nous grandissons et atteignions  nos années les plus productives.
La dernière partie est quand nous arrivons à notre stade de maturité de la vie où nous continuons à évoluer encore. Peut-être pas tout à fait comme nous l’avions espéré, mais en quelque sorte nous avons fait au mieux.