5 facteurs clés pour peindre le ciel et les nuages

Techniques et compétences artistiques, paysages
Pensez au ciel de Turner ou même à celui de Monet: ils ont de multiples facettes et portent le bourdonnement de plusieurs couleurs. Le ciel est rarement bleu – ou rarement simplement bleu (à l’exception de quelques endroits chanceux dans le monde).
Alors que beaucoup d’entre nous passons à la peinture de paysage pendant la saison estivale, nous pouvons parfois formuler des hypothèses et prendre certaines choses pour acquises, comme la couleur du ciel ou des nuages. C’est peut-être parce que nous pouvons voir nos sujets principalement sur des photographies, ou peut-être parce que des habitudes se forment pendant l’hiver et que nous oublions quelle variété de couleurs nous pouvons trouver dans le paysage.

Les pêcheurs en mer de J. M. W. Turner, huile sur toile
Un paysagiste sait à quel point ces «secrets» sont importants pour le ciel et les nuages!
Quand il est temps pour moi de peindre avec une perspective aérienne, je pense aux peintures de Georges Seurat. Cela peut être un exemple extrême, mais pour moi, son travail témoigne d’une prise de conscience de la prévalence de la couleur, en particulier dans le ciel.

La Seine à La Grande Jatte de Georges Seurat, huile sur toile
Le fait de penser à ses points pointillistes, m’aide à me rappeler que la couleur est partout. Dans cet esprit, j’ai réuni quelques astuces pour peindre le ciel afin d’éviter le «syndrome bleu».

5 facteurs clés pour peindre le ciel et les nuages

  1. Construisez le ciel avec différentes teintes et nuances, et pas seulement bleues.

Regardez vraiment le ciel et voyez quelles sont les couleurs. Un jour de pluie peut souvent avoir des reflets gris, verts et même jaunes. Un coucher de soleil est souvent beaucoup plus sombre que ce que je peins habituellement la première fois et peut contenir toutes sortes de rouges, roses, jaunes et pourpres profonds.

  1. Ne peignez pas la luminosité du ciel seul.

Peignez les ombres pour donner une impression d’espace et de profondeur. Plus il y a d’humidité dans l’air, plus il y a de reflets (et donc plus de couleur).
Même lorsque le ciel est dégagé, notre champ de vision dégage une perception de profondeur. Dans tous les cas, demandez vous comment cela se produit et essayez de l’accentuer.

  1. Les nuages ​​reflètent la lumière dans le ciel.

Même lors d’une journée parfaite, lorsque les nuages ​​sont blancs et que le ciel est bleu, ne poser pas le bleu et le blanc. Ils peuvent donner à une peinture un aspect plat et cliché. Expérimentez avec les couleurs que vous percevez dans les reflets et la lumière pour ajouter de la profondeur et un plus grand réalisme.

  1. Ajoutez de la texture à la surface de peinture.

La texture peut donner une atmosphère complètement différente de celle obtenue en manipulant la couleur. Expérimentez des couches de peinture épaisses et fines et de nouveaux médiums pour des résultats surprenants.

  1. Le ciel a tendance à s’éclaircir vers l’horizon.

Pensez-y lorsque vous peignez, car cela seul peut aider à créer une peinture de paysage plus convaincante.

Régate à Sainte-Adresse de Claude Monet, huile sur toile
Comment peignez-vous votre ciel?
Je souhaite également connaître vos astuces pour peindre le ciel. Alors, partagez-les avec moi, ainsi que toutes les autres techniques dont vous disposez pour créer de superbes peintures de paysages en studio, en laissant un commentaire ci-dessous.

Comment mettre la perspective en perspective ?

Mettre la perspective en perspective
Les magiciens et les artistes se divertissent avec des illusions. Les magiciens utilisent de la fumée, des miroirs et d’autres accessoires. L’artiste doit s’appuyer sur une surface plane bidimensionnelle pour donner l’illusion d’une profondeur visuelle et convaincre le spectateur qu’une scène est en trois dimensions.
L’un des moyens par lesquels la profondeur visuelle peut être exprimée est la perspective linéaire.

Comment mettre la perspective en perspective
Le pont ferroviaire d’Argenteuil par Claude Monet, 1873

Comment mettre la perspective en perspective

Les bases de la perspective linéaire
La perspective linéaire transmet la profondeur à travers les lignes et le placement des formes. Bien que la complexité des compositions puisse varier, les conseils et principes de base suivants sont inhérents à tous les dessins en perspective linéaires.
Horizon : L’horizon est la ligne où le ciel rencontre la terre ou l’eau. La hauteur de l’horizon influence le placement des points de fuite et l’élévation de la scène.
Point de fuite : Un point de fuite est l’endroit où les lignes parallèles semblent se rencontrer au loin. Dans l’exemple, ci-dessus, les lignes parallèles de la route reculent ou reculent et fusionnent visuellement pour créer un point de fuite unique à l’horizon. Il n’y a pas de limite au nombre de points de fuite qu’une scène peut avoir.
Plan de sol : Le plan de sol est la surface horizontale sous l’horizon et peut être de la terre ou de l’eau. Dans l’exemple, ci-dessus, le plan de sol est de niveau. Toutefois, si le plan de sol était en pente ou montagneux, le point de fuite créé par les lignes parallèles du tracé ne resterait pas à l’horizon et pourrait ressembler à un plan incliné.
Lignes orthogonales : Il s’agit de lignes dirigées vers un point de fuite, telles que les lignes parallèles de la route illustrées ci-dessus. Orthogonal signifie angle droit. Il fait référence aux angles droits formés par des lignes telles que le coin d’un cube représenté en perspective.
Point de vue : à ne pas confondre avec le point de fuite, le point de vue est l’endroit à partir duquel une scène est visionnée. Le placement de l’horizon et des points de fuite affecte le point de vue.
Principes de perspective
Les quatre principes qui caractérisent la manière dont la profondeur est exprimée dans une perspective linéaire sont la taille des formes, le chevauchement des formes, le placement des formes et la convergence des lignes. Les quatre principes peuvent et doivent être utilisés ensemble pour interpréter au mieux la perspective.
Taille des formes
La plus grande des formes similaires apparaîtra le plus près du spectateur.
Avec cette scène, le carré de droite apparaît le plus proche, car il est le plus grand des trois. La place de gauche semble être la plus éloignée, car elle est la plus petite.

Chevauchement de formes
Le carré en haut semble plus gros parce qu’il chevauche le carré en bas.
Emplacement des formes
Les formes les plus éloignées de l’horizon apparaissent le plus près du spectateur. Le carré de droite est plus éloigné de l’horizon que les deux autres cases, ce qui le rend plus proche du spectateur, tandis que les autres cases sont plus proches de l’horizon, ce qui les rend plus éloignées.

Convergence de lignes
Les lignes parallèles convergent au loin. Dans cette scène, les lignes de la route (lignes orthogonales) se rejoignent lorsqu’elles s’éloignent dans le lointain, donnant l’apparence de la profondeur. Un point de fuite se forme à l’intersection des lignes orthogonales. Le principe de convergence des lignes partage le concept de profondeur exprimé par la taille en ce sens que la largeur du trajet diminue avec la distance.

Au fur et à mesure que vous vous familiariserez avec les principes de base de la perspective linéaire, vous constaterez peut-être que vous les appliquez déjà. Vous ne vous en êtes tout simplement pas rendu compte.
L’utilisation de ces principes améliorera sans aucun doute la précision de vos dessins.
La perspective linéaire simplifiée
Prenez du plaisir !

Comment vendre son art ?

Le marketing de l’art (pour les artistes) est un marché énorme. Il y a beaucoup de livres sur le sujet et j’en ai lu beaucoup au début. Beaucoup sont pleins de bons conseils judicieux. Certains datent assez vite, car ils ne tiennent pas compte de l’avènement imparable du monde numérique. D’autres sont encore très valables aujourd’hui.
Il existe aussi de nombreux cours de marketing en ligne pour les artistes surtout aux Etats Unis. J’ai regardé quelques-uns d’entre eux. Certains promettent même des revenus à six chiffres ou une représentation dans une galerie, une entreprise en solo qui apporte une richesse éternelle.

Et là méfiez-vous, nous sommes souvent proche de l’arnaque.

Beaucoup appliquent les mêmes stratégies marketing traditionnel à l’art ce qui est plus facile à quiconque maîtrise un peu le sujet.
La plupart des artistes connaissent très peu le marketing. Jeune, je n’avais aucune idée et j’avais l’habitude de faire preuve de bon sens. Mais au fil des années, je me suis beaucoup renseigné : je lisais des livres, suivais des gourous du marketing sur les médias sociaux, lisais des blogs et parlais à d’autres artistes.
Après avoir vendu mes magasins, j’ai même passé un master et j’ai ensuite enseigné toutes ces techniques à des élèves en alternance préparant, une licence ou un master.
Si vous trouvez les bonnes sources, vous pourrez peut-être apprendre qu’il est utile d’avoir un site Web et une liste de diffusion (liste d’adresses mails). Vous apprenez à approcher les galeries (et comment ne pas les approcher), à déterminer ce qu’il faut faire à propos des galeries qui vivent plus sur le dos des artistes que des acheteurs, et à se protéger des propriétaires de galeries loufoques qui ne payent pas après une vente.
Certains d’entre vous conservent une base de données sur leurs travaux, plongent dans des tirages à édition limitée ou des portraits d’animaux. La plupart d’entre vous réalisez tôt ou tard qu’il est assez difficile de gagner sa vie en vendant son art.
J’ai l’habitude de voir ces artistes incroyables, qui sont clairement très bons dans ce qu’ils font, traîner dans les grandes galeries. Ils ont des milliers d’abonnés sur les médias sociaux, apparaissent dans des magazines, ont des expositions personnelles et reçoivent des prix : ils sont là où beaucoup voudraient être.

Vivre un rêve

Seuls, quelques-uns parviennent à vivre vraiment bien de leur art. Et pour pouvoir vous rendre à cet endroit spécial où vous pouvez gagner votre vie en vendant votre travail, vous devez appartenir à une certaine catégorie d’artistes ;
• des artistes qui produisent beaucoup de travail (et je veux dire vraiment beaucoup!),
• des artistes qui parviennent à obtenir des prix extrêmement élevés pour leur travail, ou
• des artistes qui peuvent commander et gérer de nombreuses commandes chaque année.
J’ai même connu un artiste qui avait 42 acheteurs dans le monde (USA, Europe, Japon, Hollande …) qui passaient dans son atelier pour acheter directement ces tableaux, soit pour les revendre soit pour les collectionner.
Et même pour eux, cela reste toujours un peu compliqué.

Comment vendre son art !

Le fait est que la grande majorité des artistes vivent de revenus qui ne proviennent pas de la vente de leurs œuvres. Ils enseignent (souvent des arts), ils sont dentistes, ingénieurs, vendeurs ou employés de bureau. Beaucoup ont des partenaires qui les soutiennent de toutes les manières, y compris au niveaux des finances. Et pourtant, ils ne se considèrent pas comme des amateurs.

Le Marketing, cet inconnu qui peut vous aider.

Parce que la plupart des artistes ne viennent pas du monde du marketing, tout est nouveau pour vous. Mais dès que vous lisez un peu plus de livres et que vous regardez quelques articles de blog et de cours, vous réalisez qu’ils offrent tous la même chose. Ils appliquent simplement les techniques de marketing courantes au marketing de l’art.
Vous pourriez, si vous le souhaitiez vraiment, considérer vos peintures comme un produit et votre atelier comme une entreprise. Oui, vous avez des revenus. Vous avez des dépenses. Etc.
Vos œuvres, sont-elles de simples produits de consommation.
Mais vos peintures ne sont pas vraiment la même chose qu’un logiciel, un ouvre-boîte novateur ou un chapeau de feutre.
Vous ne pouvez pas prédire combien de produits, vous produirez dans un an ou dans un mois. Vous ne pouvez pas externaliser la fabrication. Vous pourrez (je suppose.) calculer le coût des matériaux utilisés dans une peinture. Mais comment compter les heures de travail ?
Rester au lit à y penser compte-t-il?
Assis dans un coin du studio, en train de regarder ?
Qui compte les heures quand même ?
La valeur de votre peinture ne peut pas être exprimée en heures de travail. Peut-être devriez-vous augmenter juste le taux horaire, pour exprimer la valeur de votre processus de création ?
Cette «pensée produit» commence déjà à se faire sentir.
Voir votre art comme un produit (avec des marges de profit) enlève une partie de votre art. Remarquez, il n’y a rien de mal à faire cela, si vous voulez ou devez le faire. Mais je trouve que cela enlève certaines des caractéristiques uniques d’une entreprise d’art.
Vous ne ressemblez à aucune autre entreprise. Votre travail ne ressemble à aucun autre produit.
Tout ce qui concerne le client (une expression marketing courante) se heurte de manière inhérente à l’art original, qui vient du plus profond de vous. «Répétez ce qui fonctionne» (entendu dire que l’on entend souvent) va à l’encontre du processus de création. « Traîner là où vos clients traînent » est une illusion, et travailler avec des « conduites froides » dans un entonnoir semble manipulateur.

L’art est unique.

Vos peintures sont pleines de vous. Vous mettez votre propre création, « quelque chose » dans votre travail. C’est pourquoi les gens aiment l’art ; c’est spécial, ce n’est pas comme n’importe quel autre produit. C’est tout autre chose.
Et les méthodes de marketing habituelles ne s’appliquent pas non plus. Je ne dis pas que nous ne pouvons pas organiser un événement de vente de temps en temps. De toute façon, nous avons tous besoin d’un atelier vide parfois ! Je ne dis pas non plus que les méthodes de marketing agressif traditionnelles ne peuvent pas fonctionner pour certains. Et je ne dis pas que certaines connaissances en marketing ne sont pas utiles. Comprendre le fonctionnement du marketing peut être extrêmement rentable.
Mais pour une raison ou une autre, bombarder vos clients de messages sonores répétitifs au sujet de votre art incroyable n’est pas la solution. Une entreprise de hamburgers ou une chaîne de supermarchés pourraient peut-être le faire. Mais cela donnerait à votre art un aspect collant et haussier.
Cependant, toutes les ressources du marketing ne sont pas aussi mauvaises. Il y a de plus en plus d’opinions marketing qui vont à l’encontre de la communication agressive. Il y a ceux qui choisissent les bons éléments qui s’appliquent à nous artistes.

Un exemple est de raconter des histoires, ce que l’on appelle le story telling.

Partager pourquoi vous faites ce que vous faites.

N’hésitez pas à partager votre passion et à expliquer ce que vous faites et pourquoi vous le faites, soyez sincère.
« Entamez des conversations et les conversions prendront soin d’eux-mêmes », j’ai entendu récemment cette phrase d‘un responsable du marketing sensé. Il a raison.
Utiliser votre créativité pour commercialiser votre art est sûrement la voie à suivre, au lieu d’utiliser des formules de marketing traditionnelles.
Mais notre art est unique et profondément lié à nous-mêmes. Notre art est fait pour un public qui le comprend et qui l’aime tout autant. En quelque sorte, cela devrait être le point de départ de toute démarche marketing.
J’ai l‘intention d’écrire davantage sur le marketing de l’art et de faire plus de recherche sur les artistes qui vivent de leur art et sur les très nombreux artistes qui ne le font pas.
Faites attention si vous voulez suivre un cours de marketing
De nombreux «experts» et «gourous» essaient de nous dire que nous pouvons vivre le rêve (être riche) si nous suivons leurs méthodes de marketing. Ils proposent tous les mêmes techniques de marketing agressives, habillées d’un Ted Talk sur la pleine conscience, le client idéal et d’autres discours séduisants, qui auraient peut-être fonctionné pour certaines grandes marques, mais qui réduiront l’art astucieux de votre art et en feront un produit comme tous les autres.
Une partie de ce blog est un avertissement à tous les autres artistes.
Il existe des cours de marketing pour artistes qui offrent de lourdes commissions d’affiliation à leurs étudiants. Pour eux, vendre le cours de quelqu’un d’autre est plus rentable que vendre leur propre art. J’étais dans un cours comme ça. Je ne nommerai pas de noms. Mais je vois des artistes endosser ce cours sur les médias sociaux, disant à leurs amis que c’est un parcours extraordinaire. Ils oublient facilement qu’ils reçoivent une somme conséquente pour chaque « ami » qui s’inscrit. C’est plus que beaucoup d’entre nous pour un tableau.
Leur « amour » pour ce cours de marketing est complètement embrouillé par leurs frais « je peux maintenant payer le loyer ». Soyez donc prudent lorsque vous vous inscrivez à un cours de marketing. Beaucoup sont formidables, mais certains sont la proie de «l’artiste affamé » qui cherche désespérément à payer ses charges.
Par tous les moyens, apprendre un peu de marketing
Oui, un artiste devrait en apprendre davantage sur les sites Web, les listes de diffusion et la gestion d’une entreprise.
Je pense que j’aurais dû apprendre dès le début que gagner sa vie en vendant son art n’est que pour un très petit nombre et même si cela est possible, cela prendra beaucoup de temps.
Et pour cela, beaucoup d’entre nous (pas tous!) Pourraient devoir sacrifier quelque chose que vous ne voudriez peut-être pas sacrifier : votre art.
Si vous avez besoin de gagner de l’argent pour avoir un toit, allez et gagnez de l’argent quelque part. C’est parfait. Que vous utilisiez votre art pour gagner de l’argent, que vous créiez des produits dérivés à partir de votre art pour gagner de l’argent, que vous trouviez un autre emploi pour gagner de l’argent : c’est tout bon.
Je ne juge pas. Mais reconnaissez simplement vos choix et pourquoi vous pourriez opter pour l’un plutôt que l’autre. Pour la plupart d’entre nous, le mythe selon lequel nous pouvons gagner de l’argent et rester complètement fidèle à notre art devrait être véritablement démantelé maintenant.
Si je peux aider les autres à profiter de leur voyage artistique, je le ferai. Je ne mentirai pas aux jeunes artistes en herbe en disant que nous pouvons tous vivre de nos pastels et de nos huiles. Si je peux détruire des mythes stupides en chemin, je le ferai.
 
 
Qu’en pensez-vous ?
Dans quelle mesure est-il possible de vivre de la vente de votre art sans sacrifier une partie de cet art ?
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