Livre: Dictionnaire amoureux du Louvre de P. Rosenberg

Aujourd’hui, je voudrais vous parler d’un livre que j’ai reçu, il y a quelques temps en cadeau.

Paru en 2007, le dictionnaire amoureux du Louvre de Pierre Rosenberg, est avant tout, le dictionnaire d’un vrai amoureux de ce musée.
Le dictionnaire amoureux du louvreEt L’immense avantage d’un dictionnaire, c’est qu’on peut le prendre et reprendre à son aise, au grès de nos humeurs.
Lorsqu’il s’agit de nous aider à parcourir les 162.150 m2 du Grand Louvre, avec ses 7.500 peintures et 4.600 sculptures, cela devient un outil précieux.
Ni guide exhaustif ni ouvrage rébarbatif d’érudit, cette promenade au sein du Louvre fourmille d’anecdotes et de détails baroques.
On y apprend ainsi, en passant, que le cheval est l’animal le plus représenté au Louvre, que l’hermaphrodite endormi de la salle des Caryatides est l’une des « attractions » du musée les plus goûtées par les adolescents,… ou que la qualité la plus appréciée chez un conservateur est d’« avoir de l’oeil ». L’auteur confesse aussi qu’« il existe un mythe des réserves qu’il est bon de cultiver ».
C’est un régal, Pierre Rosenberg, nous montre son Louvre, à la fois par le petit bout et le grand bout de la lorgnette.
On apprend par exemple quand 1812, il n’y avait que 12 gardiens et 2 portier pour surveiller le Louvre
Certes les illustrations sont absentes mais cette absence même est le plus grand aiguillon pour aller chercher ailleurs de quoi les découvrir!
Le Louvre est l’un des plus grands musées au monde, et surtout le plus grand de PARIS.
Pierre Rosenberg a passé plus de quarante ans au Louvre, avant d’être nommé président-directeur du musée en 1994. Il a par ailleurs organisé de nombreuses expositions au Grand Palais et dans les principaux musées du monde. Elles étaient consacrées à la peinture et au dessin français du XVIIe et du XVIIIe siècles.
La fameuse bataille de la Pyramide. Fameuse parce que cette pyramide, à l’entrée principale du musée, fait maintenant partie de l’Histoire du Louvre.
Pierre Rosenberg fait un retour sur l’histoire du Louvre.
Le Louvre a connu depuis Dominique-Vivant Denon vingt-six directeurs des Musées nationaux ayant leur bureau au Louvre. Devenu en décembre 1992 établissement public, le Louvre a obtenu son autonomie. Depuis, les directeurs du Louvre sont les vrais maîtres à bord. Le président-directeur du Louvre est nommé par le président de la République pour trois ans(…)
Pour les passionnés de ce musée.
Vous pouvez visiter virtuellement le Louvre ICI
Si ce livre vous intéresse, vous pouvez l’acheter en cliquant directement sur le lien si dessous. vous ne payerez ce livre pas plus cher, et vous aiderez à faire vivre ce blog.

Plein feu : Sur les peintures de Porfirio Salinas

Texas Paysage Peintures par Porfirio Salinas

Lors de mon dernier passage, au Texas, une amie m’a emmené voir une rétrospective d’un grand artiste texan. Ces peintures ont fait le tour du monde, à travers des expositions, mais aussi de nombreuses revues internationales.
C’est une exposition et un artiste assez fantastique que j’ai découvert, et que je vous fais découvrir, par ces quelques photos.
Pour une fois on s’éloigne un peu de l’hyperréaliste américain.
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Porfirio est né le 6 novembre 1910 à Bastrop au Texas et est décédé le 18 avril 1973 à San Antonio  toujours au Texas.
Il est très connu aux États-Unis, pour ses paysages du Texas. Il a commencé à peindre dans les années 1930, et a été fortement influencé par le travail du peintre Robert Wood.
Il aimait peindre des fleurs  au printemps, et les paysages de sa région.
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Le bleu est sa couleur dominante dans la plupart de ses  peintures de paysage.
Les fleurs de bluebonnet ajoutait un attrait particulier pour ses paysages.
Il vivait beaucoup avec les touristes, qui venaient visités la région.
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Quand pensez-vous , n’hésitez pas à me laisser un commentaire, ci-dessous.

 

Cours aquarelle : Apprendre à peindre les Arbres à l'aquarelle avec S. PELISSIER

Arbres de peinture et de feuilles: de chaque côté de la rivière, aquarelle sur papier

(Aquarelle sur papier  48 x 68 cms)
Aujourd’hui, je vous propose ce cours d’aquarelle en pas-à-pas sur le thème des Arbres. C’est Sandrine Pelissier qui a eu la gentillesse de se prêter au jeu, » apprendre l’aquarelle ».
Je laisse la parole à Sandrine.
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C’est ma dernière aquarelle sur papier, je  peins pour la Biennale de l’aquarelle à venir à la Fédération des artistes canadiens à l’Île Granville (Vancouver).
J’ai eu quelques directives à suivre: la taille devait être  48 x 68 cms qui est la taille du cadre Ribba de chez IKEA, la plupart des artistes utiliseront ce cadre afin quel’exposition soit plus uniforme. La peinture doit être encadrés,  je préfère vraiment montrer mes aquarelles à bord et les vernir mais bon, les sociétés et les expositions  n’accepteront pas les aquarelles vernies.
Matériels :
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J’utilise une palette de couleurs limitée :

  • citron jaune,
  • ocre jaune,
  • Terre d’ombre brûlée,
  • vert émeraude,
  • bleu outremer,
  • turquoise clair Cobalt,
  • Permanent Alazarin Crimson
  • gris Paynes .

Avec ces couleurs que je peux mélanger un éventail de tons de vert, bleu et brun qui feront le plus de l’oeuvre.
 
 
brushesMes PINCEAUX :
Mon pinceau  préféré est une brosse  angulaire plate  que je trouve très polyvalente. Je vais aussi utiliser un petit pinceau fin  pour plus de détails comme de minuscules branches, un gros pinceau plat pour les grands aplats comme le tronc des arbres en première couche de peinture.
Enfin, je vais utiliser ma vieille brosse dure pour frotter  la peinture, c’est un pinceau plat que j’ ai coupé court pour la rendre très raide. Cela m’aide à faire des effets
 
 
 
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Une fois que j’ai mon dessin sur le papier (Arches grain fin 300 grs ), je commence en réservant quelques blancs avec du  liquide de masquage.  Je  commence à peindre l’arrière-plan autour des arbres, à partir de jaune sur les verts sombres lumineux. Je peins aussi les quelques feuilles devant les troncs.
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Je travaille  une section à la fois, je peins le fond en regardant mon image de référence .je  reproduis les tons de jaune, vert, marron et le bleu.
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Pour la prochaine étape, j’applique liquide de masquage sur les feuilles que j’ai peintes qui se trouvent en face des troncs d’arbres. Ensuite, j’applique un premier jus de couleur  sur les troncs d’arbres.
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Je travaille ensuite sur l’écorce des arbres, ce qui rend les textures par le mélange de la peinture.
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J’enlève avec une gomme le liquide masquage, et je vais maintenant peindre les petites branches
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La prochaine étape pour moi est d’adoucir les bords qui étaient autour des zones des liquides de masquage. Ces régions ont souvent des bords naturels très durs. J’adoucis la plupart de ces arêtes avec ma brosse dure et un peu d’eau.
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Je garde quelques bords très forts sur la partie inférieure de la peinture pour représenter la lumière qui brille sur l’eau du fleuve.

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De Chaque coté de la rivière – Aquarelle sur papier – de Sandrine PELISSIER

Si vous avez aimé ce pas à pas n’hésitez pas à laisser un commentaire ci dessous

 
A propos de Sandrine Pelissier
1-sandrine-pelissier-1270782552-logo1J’ai grandi en France mais j’ai vécu au Canada pendant les 12 dernières années, je me trouve actuellement à North Vancouver et travaille à partir d’un studio sur l’avenue Pemberton.
L’aquarelle est son médium de choix en raison de la façon unique dont il me permet de rendre la lumière.
Sa technique consiste à l’accumulation de plusieurs couches transparentes de l’aquarelle. Ensuite, je tiens à intégrer les médias mixtes dans le fond, travaille parfois avec un peu de remodelage. J’ai parfois aussi ajouter quelques dessins sur le dessus de la peinture ou des éléments graphiques …
Le site web de Sandrine

Test : PastelMat de Clairefontaine – Support pour Pastel sec

Aujourd’hui : test d’un support papier pour pastel sec.

 
Le Pastelmat est un papier récent sur ce marché. En effet, il présente une surface rigide (360g) à la fois douce et accrochante qui permet de multiplier les couches de pigments sans avoir recours au fixatif.
pastelmat
J’ai testé le papier pour pastel de la marque Clairefontaine, le « PASTELMAT ».
Comme pour la plupart de ses concurrents, Clairefontaine a essayé de répondre à la demande des artistes, en cherchant un support qui éviterait en grande partie l’application d’un fixatif, en cours et en finalité du travail. Fixatif qui a tendance à ternir les couleurs et les foncer.
Comme l’a souvent prouvé la marque, avec ses autres supports beaux arts, elle a mis tout en oeuvre pour la préservation du support :
Carton bois sans acide (ph7) 360 grs
Colle à ph neutre
Cellulose ph Neutre
Il existe à la Feuille 50×70 ou 70x 100, mais aussi en bloc

Les huit couleurs de la gamme

couleur-pastelmat
8 tons teintés dans la masse !

  • Le ton « Blanc » comme base de fond pour un pastel, me gêne souvent, en effet, cela vous oblige de remplir entièrement votre feuille. Mais, il y a certainement des amateurs pour partir de cette couleur de base. Personnellement, je me suis servi de cette couleur comme base d’un test pour l’aquarelle et la Gouache.
  • Le ton « Bouton d’or » est intéressant à prendre pour les bords de mer.
  • Mon préféré reste le ton « Maïs », très proche du jaune de Naples. Il était le fond le plus utilisé par les peintres des années 1900, comme Modigliani. Contrairement au blanc qui représente en peinture la lumière, et peut gêner l’artiste dans son ébauche, ce jaune donne à l’oeuvre une luminosité merveilleuse.
  • Le ton « Gris clair » est une très pâle presque blanc. Il faut vraiment poser un blanc à côté du gris pâle pour voir la différence.
  • Comme pour le « Maïs », le « Gris clair » est ton neutre, mais qui n’a pas le désavantage du blanc.
  • Le ton « Gris foncé » est une bonne demi-teinte, parfaite pour travailler dans les deux directions en valeur et en toute teinte froide

Je trouve que le choix chromatique pour ce support, est judicieux, en effet l’ensemble de ces couleurs convient à tous sujets possibles à traiter y compris l’abstrait
Si vous voulez travailler le pastel sans fixatif, et dans le détail, le PASTELMAT est le support idéal pour vous.
Mary Aslin

Pastel fait par Mary Aslin sur papier brun

Le ton « Sienne » est une tonalité chaude, tirant vers le rouge. Il est merveilleux pour les ébauches en noir et blanc. C’est une couleur de fond parfaite pour les oeuvres à forte tendance verte, elle est d’un bon support pour les paysages, et les portraits de personne blonde ou rousse.

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Pastel fait par Timon Sloan sur papier jaune

Ces teintes chaudes du brun au maïs fonctionnent aussi bien dans la représentation d’un visage que dans celle d’un paysage, même marin!
 

Le support

Ce nouveau matériau combine les avantages des deux surfaces granuleuses et velours — sa finesse est très surprenante, étant donné que le papier est enduit avec un grain de cellulose très fin qui saisit et retient le bien pastel.
Les grains de cellulose, font bien leur travail d’accroche, et au premier passage de pastel, il est un peu difficile de faire le mélange avec le doigt ou une estompe.
Par contre, vous constaterez que vous ne perdez pas beaucoup de pastel, contrairement à un papier à grain classique.
Toutefois contrairement à certains supports abrasifs, qui vous râpent le bout des doigts, La surface du PASTELMAT est lisse et douce.
 
Les Couches
Votre oeuvre au Pastel peut être construite en plusieurs couches sans avoir besoin de fixatif. Par contre, je vous conseille de commencer votre travail par des Pastels durs
– Esquisse à l’aide d’un carré (conté)
– Fond à l’aide de pastel Rembrandt (Talens)
– Les finitions à l’aide de pastel tendre (Sennelier, Schmicke, Unisson Girault pour les plus connues)
Si vous attaquez trop vite avec des pastels tendres, vous saturerez trop rapidement votre support,
j’ai trouvé l’accroche tout à fait suffisant pour plusieurs couches, ce qui permet des mélanges de couleurs subtiles
 
 

La résistance à l ‘eau.

 
Selon le site Pastelmat.com, et de nombreux forums nord-américains, ce papier est résistant à l’eau.
Je l’ai essayé de ces différentes façons :
Pour les débutants et les professionnels
Le plus facile est avec un vrai rendu, à la gouache ; débutant ou professionnel, la gouache sur PastelMat à un très grand effet, surtout avec les couleurs « Bouton d’or et Mais ».
J’ai demandé à un grand ami de faire le test de gouache pour moi, il a choisi le gris clair et en a fait ce merveilleux voilier ci dessous.
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Voilier Loic Moisan 

Exclusivement pour les Professionnels et les amateurs éclairés.

Avec le ton « Blanc », j’ai fait une Aquarelle, cela n’a pas le même effet qu’avec un papier 100% coton, mais les effets obtenus sont très intéressant, et permet une démarche novatrice.
Dans ce test, j’ai commencé un pastel, puis j’ai complètement nettoyé le Pastelmat en le trempant et le lavant dans ma baignoire. Le séchage a pris un temps considérable et les couleurs s’estompent nettement des que la surface est sèche.
Il reste sur le support, une forme fantôme de votre premier dessin, ce qui fait un bon fond de départ pour une nouvelle oeuvre. Je vous conseille vivement de l’expérimenter.

J’ai aussi verni un dessin fini. Le résultat est surprenant.
Les couleurs n’ont pas bougées Elles ne se sont pas mélangées entre elles pendant le temps de séchage du verni. Cela m’a permis d’avoir une oeuvre brillante.
Le verni utilisé était un vernis Oil/acryl de la Marque Talens.
J’ai aussi nettoyé aussi un Pastel à l’alcool, le papier n’a pas bougé le résultat est proche de celui que j’ai obtenu avec l’eau, juste, un peu plus salissant, par contre le temps de séchage et très cour le temps à l’alcool de s’évaporer.
 
Le ton « Anthracite » n’est pas noir. C’est une couleur chatoyante proche du Gris de Payne, mais un peu plus brillante — presque un noir métallique plutôt que d’un noir mat ou noir brillant.
Ce ton permet de donner à certaine oeuvre, une profondeur que ne donne pas les tons noirs.
 
La pose d’un verni est même envisageable sur ce type de papier.
Le pastel accroche si bien , qu’il est possible de finaliser le tableau avec une couche de verni
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Ici, sur cette image, j’ai testé un verni sur un pastel.
Cela peut rendre votre pastel brillant ou satiné (selon le type de verni). On peut aussi jouer avec les
contraste mat/brillant. Cela peut éviter aussi de mettre sous verre certain grand format.
 
Selon le site Pastelmat.com, et de nombreux forums nord-américains, ce papier est résistant à l’eau. Je l’ai essayé de ces différentes façons
 

Les « Très bien »

Une très bonne accroche du pigment, à tous les stades de l’exécution du travail.
Un grain qui permet des détails fabuleusement fins et délicats
Très résistant à l’eau
Pas la contrainte du fixatif.
Malgré un grain accrocheur, il reste doux au toucher et n’agresse pas le bout des doigts.
Le grain accrochant bien le pigment, nous n’avons pas beaucoup de résidu sur la table.

Les « Les moins bien »

Une gamme chromatique agréable, mais il manque des tons bleus

« L’Avis du Spécialiste »

Les débutants seront ravis de démarrer sur ce type de papier, avec beaucoup moins de contrainte que ces concurrents. Pas besoin de f ixatifs qui ternissent les couleurs et surtout beaucoup moins salissant.
C’est un support excellent pour les « pastellistes » et même les « gouachistes ». Il nécessite toutefois un temps d’adaptation. Mais votre persévérance sera récompensée. Vous serez sublimé quand vous l’utiliserez avec des pastels très tendres.
Un dernier conseil, ce support peut très vite devenir un support expérimental, il permet toutes les audaces.
Alors à vos pastels,
a Prix indicatif à la Feuille de 50 x 70
a A partir de 4 € 50
Le prix
a Une gamme chromatique agréable, mais il
manque des tons bleus

Et vous ! qu'est ce qui vous a amené à l'art, à prendre des cours de dessin et de peinture ?

Dans le début des années 1966,

quand j’étais un jeune adolescent, mon instituteur nous a emmenés au Musée des Beaux-arts de Lille.  Je me rappelle encore cette journée, nous avions pris le bus pour nous déplacer, nous étions tous énervés par ce déplacement.
Le bâtiment était impressionnant par ces hauteurs sous plafonds et surtout par ce mélange de murs rouges vifs et cadres dorés.
Lors de cette visite, un tableau me fascina, m’hypnotisa ……….. Je n’entendais plus le discours du guide qui nous accompagnait, j’étais là,  assis en tailleur, la tête levée vers cette toile de bon format  (1.115 x 1.64). Mon regard voyageait dans l’œuvre de Brueghel. Encore aujourd’hui, je n’arrive pas à savoir ce qui me captiva dans cette toile.
Le_dénombrement_de_Béthléem_Brughel_le_jeune2
Je ne sais pas si ceux sont:

  • les enfants qui jouent dans la neige et sur la glace,
  • le coté biblique de cette scène,
  • ou simplement l’atmosphère tranquille qu’il en ressort. 

Cette œuvre du peintre flamand Pieter Bruegel, est  « le dénombrement de Bethléem »  il la peint au 16e siècle.
Lorsque les vacances scolaires sont arrivées, j’ai tanné ma mère pour qu’elle m’achète du papier à dessin.
A partir de ce jour, je n’ai cessé de peindre.
J’ai cédé mes premiers dessins à la boulangère près de chez nous, contre des petits pains aux chocolats, elle s’en servait pour décorer sa vitrine. Ma mère était très fière de mois.
Je pense que c’est cette fierté que je lisais enfant, dans ses yeux, qui a été le carburant dans mon apprentissage dans l’art.

Et vous quel a été le déclic, qui vous a amené à la peinture ?

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Plein feu : Sur l'Hyper-réalisme Américain avec Alyssa Monks

Aujourd’hui, je voudrais vous parler d’une rencontre avec une artiste New-Yorkaise. Je n’étais pas fan de l’hyper réalisme et surtout l’hyper réalisme américain.
Mais Alyssa Monks a su me subjuguer par son approche picturale du corps humain.

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Elle utilise des filtres naturels comme le Verre, l’Eau  ou la Vapeur, pour déformer le corps humain. Elle le réduit dans des espaces peu profonds et le découpe en de vastes zones  presque abstraites. Ceux sont des îlots de couleurs, ces sujets font pression contre une fenêtre, déformant leur propre corps, conscient et commandant un regard masculin providentiel. Ses coups de pinceaux épais sont une relation entre les couleurs délicates, ils sont poussés et tirés jusqu’à imiter le verre, la vapeur, l’eau et  la chair. Cependant, de près, les propriétés physiques délicieuses de peinture à l’huile sont apparentes. Ainsi, elle arrive à maintenir l’instant où les traits de peintures abstraites  deviennent autre chose.  »
allyssa monkNé en 1977 à Ridgewood, New Jersey, Alyssa Monks a commencé la peinture à l’huile,  enfant. Elle a étudié à la New School à New York et Montclair State University et a obtenu son baccalauréat ès arts de l’université de Boston en 1999.
Pendant ce temps, elle a étudié la peinture à Laurent de Médicis à Florence. Elle a ensuite obtenu sa maîtrise à la New York Academy of Art, Graduate School of Art figuratif en 2001.
Elle a complété ces études comme artiste en résidence au Fullerton Collège en 2006 et a donné des conférences dans les universités et institutions à échelle nationale.
Elle a enseigné la peinture à la chair à la « New York Academy of Art », ainsi que Montclair State University et de la Lyme Academy College of Fine Arts.

« Quand j’ai commencé à peindre le corps humain, j’étais obsédé par lui et j’avais besoin de le créer le plus  réaliste possible. J’ai chassé le réalisme jusqu’à ce qu’il a commencé à s’effilocher et déconstruire lui-même,
Alyssa déclare:« J’explore la possibilité et le potentiel où la peinture figurative et abstraction se rencontrent -. si les deux peuvent coexister dans un même moment,  »

Les tableaux de Alyssa Monks ont fait l’objet de nombreuses expositions individuelles et de groupe, y compris à «l’intimité» au Musée Kunst in Ahlen, en Allemagne et «Reconfiguration du corps dans l’art américain, 1820-2009» au Musée National Academy of Fine Arts de New York.
 

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Son travail est présent dans de nombreuses collections publiques et privées, y compris le Savannah Collège of Arts, l’Association Art Somerset et les collections de Howard Tullman, Danielle Steele et Eric Fischl.

allyssa-monks-wiki

Alyssa vit et peint à Brooklyn, New York.
Vous pouvez visiter son site ALYSSA MONKS
allyssa-monks-book