Comment bien faire une Ebauche

Avant de commercer à peindre, il faut surtout avoir fait un nombre d’études préparatoires avant de préférence sur papier, par exemple, des esquisses aux fusains ou aux crayons, voire aujourd’hui avec des feutres pinceaux de couleurs.
Avant de commencer quoi que ce soit, il est important de définir la position de votre support horizontale ou verticale.
Un sujet avec des lignes clairement verticales exigera peut-être un plan plus haut qu’un sujet à lignes horizontales (Format dit à la française), pour lequel il vaudra mieux mettre le support dans le sens de la largeur (format dit à l’Italienne).
Si possible, faites vos esquisses dans les mêmes proportions que celles de votre support
Exemple, si vous travailles sur un 10 F horizontal  soit 46 X 55 cm, vous allez travailler sur des supports papier de 10 x12 ou 20 x 24, cela permet de mieux appréhender l’œuvre finale.

comment bien faire une ebauche
Esquisse au fusain de julie Arbuckle

Veillez aussi à ce que le support soit bien préparé, Si le support préparé est depuis un certain temps (ou que vous l’aillez acheté tout prêt en magasin) il faut passer une couche soit de White Spirit ou, et c’est l’idéal, vous passez une couche de vernis à retoucher, cela permettra d’avoir une meilleure accroche.
Vous pouvez transposer  votre esquisse sur le support de plusieurs  façons :
Avec du fusain – attention de bien passer un chiffon sec avant de peintre ou alors de fixer votre fusain, car la poussière du fusain, se mélangera avec votre peinture et cela va la salir.
Avec de la peinture diluée, cela s appelle aussi un jus, soit une couleur soit plusieurs couleurs.

Évitez le crayon graphite, car le carbone utilisé remonte souvent dans la peinture la ternissant.

Quel que soit le moyen que vous allez utiliser je vous conseille de faire un dessin grossier, sans détails, sauf si vous faites du trompe l’œil.
Vous rajouterez les détails dans la toute dernière phase du tableau.
Que cela soit une nature morte, un paysage ou un portrait, pour la première couche,  essayer d’esquisser l’objet dans sa totalité, ou tout du moins dans  sa majeure partie, et ne vous occupez pas de certains détails. Cette technique permet d’éviter de perdre le contact avec l’ensemble de votre œuvre.
Allez, il fait beau, c’est le moment d’aller peindre.
Je voulais remercier Julie pour le pret de son ébauche, avec l’inondation, je n’ai pas encore pris le temps d’aller en ville chercher du nouveau matériel.
 
 

POLYCHROMOS de Faber Castell

Aujourd’hui, nouveau test produit.
Boîte de 36 crayons POLYCHROMOS de la marque FABER CASTELL
 
Faber-Castell est un fabricant allemand de crayons et de porte-mines créé en 1761 et situé à Stein, en Bavière. Ils fabriquent également des gommes, des stylos, des fusains, des pastels et divers autres outils de dessin technique et artistique. ( source wikipedia)
Le crayon de couleur est classé dans les techniques sèches. C’est de moins en moins utilisé pour deux raisons principales :
1 – C’est une technique qui est extrêmement dure à maîtriser, contrairement à l’huile ou l’acrylique.
2 – Comme toute technique dont le support est le papier, elle n’est pas prisée par les artistes peintres et les professeurs d’arts plastiques. Ce qui est assez logique, à qualité de travail et grande équivalente, ou œuvre d’art sera toujours sous-évaluée si son support et le papier. (Sauf exception)

POLYCHROMOS de Faber Castell

Tout d’abord, le contenu de la boîte.
Extrêmement bien équilibrée pour une boîte de trente-six couleurs.
Elle démarre du blanc pour finir par le noir, en passant, par un premier dégradé de jaunes, puis de rouges, ensuite de bleus, des verts et cela termine par quelques terres.
Mon avis sur cette boîte de couleur traditionnelle Polychromos de chez Faber Castell.
L’essentiel dans le choix d’un crayon de couleur, c’est avant tout la qualité des pigments utilisés, pour leur fabrication.
Et ici, il n’y a rien à dire, la marque est, d’ailleurs, réputée pour la qualité de ses produits.
C’est très   agréable quand vous posez la couleur,  vous n’avez absolument pas de sensation de sec, du tout.
Vous pouvez vraiment sentir la différence, si vous l’opposez aux crayons de couleurs que vous achetez dans votre supermarché à 3 euros les 36  couleurs.
 
vous pouvez retrouver cette boîte chez mon partenaire les couleurs du temps à ANNECY et sur leur site Logo nabismagINTERNET
VOIR LA BOITE
Je vous rappelle que je ne reçois aucune rémunération de la marque FABER CASTELL ni même du MAGASIN les couleurs du temps. Par contre la boite m’a été offerte par le magasin dans le but de faire ce test.

Et vous que pensez-vous de ces Crayons de couleurs POLYCHROMOS de chez FABER rouge-basCASTELL. Ou préférez vous une autre marque, laissez votre avis dans les commentaires

Test: Feutre pinceau PEN BRUSH de PENTEL

Aujourd’hui, je profite du beau temps dans le Rhône-Alpes pour tourner cette vidéo un test produit.

Le Feutre pinceau de la Marque PENTEL.


Le Pen Brush.
Ici, celui que je vous montre, cela fait 15 ans que je l’ai, et, pourtant, je l’utilise très régulièrement surtout quand je me promène, j’ai toujours un calepin format A5 et ce feutre pinceau.
J’ai voulu faire ce test produit, car comme on arrive en été (ENFIN), vous êtes nombreux à me poser la question des produits que j’emmène en vacances.
Et bien le Feutre Pinceau de la marque PENTEL est l’outil que je n’oublie jamais dans mes déplacements.
J’ai essaye plusieurs solutions, feutre pinceau rechargeable, à usage unique.
Celui-ci me plaît, car il me rappelle le stylo-plume que l’on avait enfant, quand il est vide, on ne change que la cartouche. Je suis assez écolo ou radin, comme vous le voulez, mais je n’aime pas ce qui est jetable, je trouve que c’est du gaspillage.
Donc pour revenir à ce Feutre pinceau, c’est un produit que j’ai découvert, à l’époque ou  j’avais mes magasins, et, c’est un produit que j’ai énormément vendu, car il est prisé aussi bien par les amateurs que par les professionnels.
Je l’ai fait découvrir aux Illustrateurs, lors du festival de la BD à Saint-Malo, le deuxième festival en nombre d’entrées si mes souvenirs sont bons.
test: Feutre pinceau PENBRUSH PENTEL

Les Avantages.

Un prix assez abordable pour ce type d’outil selon les magasins, vous allez le trouver entre 15 et 20 €, le feutre pinceau et un lot de quatre cartouches.
Sa solidité dans le temps, je vous le dis le mien à plus de 15 ans, donc vous pouvez considérer comme solide.
Sa facilité d’entretien, je le rince à l’eau froide, et si je ne l’utilise pas tout de suite, le lave les poils, comme je lave mes pinceaux, un peu de liquide vaisselle dans le creux de la main, et je frotte.
Sa facilité d’utilisation, vous mettez la cartouche et c’est prêt.
Toujours  sa facilité d’utilisation, pour un trait très fin, vous effleurez votre feuille de papier, vous voulez un gros trait, vous appuyez suffisamment, en fonction de la grosseur de votre trait.
ATTENTION pour les PRO
Je préfère utiliser ce feutre pinceau, et d’ailleurs comme tous outils lui ressemblant, sur du papier lisse de préférence et pas trop poreux, plutôt un papier dit « Technique ».
Mon Partenaire pour ce Test : Les couleurs du temps EPAGNY ,
Même, si ce magasin ma fournit les cartouches pour faire le TEST,  je vous rapelle que je ne suis pas rémunéré, ni par le magasin, ni par la marque. 🙂
Logo nabismag

Le pointillisme, la technique explication.

Parmi les nombreuses techniques picturales qui ont existé, il y a une technique qui m’a particulièrement bluffé.
C’est le  pointillisme, surtout mis en valeur par Georges SEURAT.

Tout d’abord mettons en place les éléments déclencheurs :

En 1839, Michel Eugène CHEVREUL publie, ses lois du contraste simultané des couleurs, ne dites pas que vous en avez jamais entendu parler, je le cite souvent se livre, et pour ce qui voudraient le lire, laissez un commentaire et je vous envoie le PDF, s’inspirant de la découverte des couleurs atmosphérique.
Un groupe de peintres impressionnistes était fasciné par la vivacité de la couleur optique. Se basant sur la théorie de CHEVREUL, ils ont constaté qu’une couleur mélangée sur la palette ne peut jamais atteindre la vivacité et la brillance de l’effet optique des couleurs primaires juxtaposées.

Le pointillisme, la technique explication.

La juxtaposition de couleurs primaires suggère des couleurs secondaires. Des tons gris et noirs ne pouvaient s’obtenir1800007 qu’à partir d’un mélange optique.
Ce n’était non seulement valable pour les couleurs primaires, mais également pour une couleur primaire et secondaire.
Une couleur secondaire est d’ailleurs un mélange de deux couleurs primaires.
Grâce à l’application du pointillisme, les gris/noirs s’obtiennent en juxtaposant les couleurs suivantes :
Jaune et violet, rouge et vert, bleu et orange.
Autrement dit, vous juxtaposez une couleur et sa complémentaire.
Les couleurs pures cédaient leur place aux couleurs dites cassées. Afin d’obtenir tel résultat, les artistes devaient appliquer des milliers de pointillés de peinture, qui donnaient non seulement la couleur, mais aussi la forme.
Ce travail requérait une patience d’ange. Une œuvre pouvait prendre des années.
Mieux comprendre le POINTILLISME.

Mieux comprendre le pointillisme à travers la photomécanique.

Le pointillisme a vraisemblablement  subi l’influence des premiers procédés photomécaniques de coloration, importé d’Allemagne au 19e siècle. Une chromotypographie se compose également d’un nombre très élevé de petits points formant une image.
On utilise des encres typographiques transparentes dans les couleurs primaires jaune,  magenta (Le rouge) et cyanogène (le bleu).
La trichromie est l’ensemble des procédés photomécaniques en couleurs, dans lesquels toutes les teintes sont obtenues à l’aide des trois couleurs primaires. (Tiens j’ai déjà lu cela quelque part J  ).
La quadrichromie est la sélection photographique des originaux en couleurs qui produit quatre clichés de couleurs, jaunes, rouge, bleu et noir. A l’impression, la superposition des quatre encres reproduit l’image de l’original.  Elle augmente le contraste dans les ombres. La reproduction colorée ne change pas pour autant.
Le pointillisme, la technique explication.
L’image à reproduire est divisée en plusieurs épreuves positives, reportée sur le papier charbon, de sorte qu’elle soit divisée en plusieurs milliers de petits points (tramés).
Les points sont plus petits dans les clairs, on obtient ainsi des demi-tons. Les points sont gravés par couleurs sur des plaques séparées. En tirant des épreuves de ces plaques superposées, on obtient après de nombreuses corrections de couleur, les couleurs de l’image à reproduire.

LES GRANDS POINTILLISTES.

Georges SEURAT était l’un des plus grands néo-impressionnistes, nom donné aux peintres qui m’exprimaient à travers le pointillisme.
Il y avait également Paul SIGNAC, Henri MATISSE, Hippolyte PETITJEAN et Camille PISSARRO, tous Français, et le néerlandais Jan TOOROP.
Le divisionnisme est un autre terme pour désigner le pointillisme.
La grande Jatte de Seurat, démontre à quel point il prenait le pointillisme au sérieux. Il affirma que la pureté des couleurs spectrales était la clé de cette technique.
Le pointillisme, la technique explication.
Il peignit entre autres Le Cirque. Cette œuvre inachevée, en raison de son décès à l’âge de 31 ans, trahit la détermination de Seurat.
Le mouvement, la technique légère et frivole de l’impressionnisme furent remplacés par une grande maîtrise, par une technique équilibrée et rationnelle.

Histoire de l'art vue par Anthony Chambaud, infographie

Je ne sais pas si vous savez, mais je fais une veille numérique autour du monde l’art, et je suis abonné au flux RSS de plusieurs blogueurs.
Cette veille me permet souvent de découvrir de véritable pépite.

Histoire de l'art vu par Anthonay Chambaud, infographie
Anthony Chambaud

Aujourd’hui, je voudrais mettre en avant dans cet article, un artiste peintre, et blogueur.
Je veux parler d’Anthony Chambaud, c’est un artiste multitechnique, il est directeur artistique d’une boîte de communication. En Ardèche, et ses passions vont de l’art abstrait à la musique en passant par la guitare électrique.
Il définit son style  de cette façon :
Je suis spécialisé en Art abstrait. Je communique essentiellement par les formes, les couleurs indépendamment des références visuelles classiques/existantes.
J’utilise de nombreuses techniques comme l’Action painting, le Dripping, Le pouring et le All-over. Mais avant tout j’avance sans apprentissage en autodidacte afin de laisser exploser ma créativité.
Vous pouvez découvrir son SITE BOUTIQUE : www.chambaud-abstrait.com
Ou son blog  ICI

Histoire de l’art vue par Anthony Chambaud, infographie

Mais si je vous parle d’anthony, c’est pour son art, mais aussi pour son blog, j’avoue le suivre depuis janvier 2015, et j’aime assez sa vision de l’art et de la petite histoire.
Et à ce propos, maniant avec dextérité la palette graphite, il nous a fait une infographie des courants artistiques allant du TRECENTO aux EXPRESSIONNISTES, et avec son autorisation, je suis heureux de vous la faire découvrir. J’espère qu’elle vous aidera à mieux comprendre les courants artistiques et surtout à les visualiser dans le temps.
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La petite Aquarelle Test nouvelle boîte de voyage SENNELIER

Je teste pour vous aujourd’hui, la nouvelle boîte d’aquarelle FINE de la marque Sennelier.

Elle s’appelle « LA PETITE AQUARELLE ».

Je tiens à remercier le magasin COULEURS DU TEMPS à ANNECY – ÉPAGNY, qui a bien voulu me confier cette boîte pour que je puisse la tester.

Je vous rappelle que je ne suis ni payer par la marque SENNELIER, ni par le magasin couleurs du temps pour faire ce test. Ce qui me permet d’avoir la liberté de dire franchement ce que j’en pense.
Donc voici le test de la PETITE AQUARELLE.

Premier Avis le packaging de la petite aquarelle

Comme d’habitude la marque tient ses promesses en matière de packaging. Il est sobre, mais annonce parfaitement son contenu.
Dommage par contre que cela soit sur le packaging ou simplement dans le packaging, il n’y ait pas les noms des couleurs composant la boîte. Ce peut poser problème aux novices pour recharger la boîte.
LA BOÎTE en elle-même maintenant. 1460756797
Elle est en plastique dure, j’ai un peu peur pour la charnière qui relit les deux parties de la boîte, mais je l’ai ouverte et fermée un grand nombre de fois, et à première vue je n’ai pas vu de déchirure.
Gros avantage de cette boîte, c’est la sangle au dos de la boîte qui permet de bien la maintenir et la fixer à votre main, je vous rappelle que dans beaucoup de cas, c’est un simple anneau ou vous passer votre doigt, qui vous relie à la boîte.
Dommage qu’il n’y ait pas un pinceau même petit dans la boîte, mais là cela doit être dû à la volonté de la marque d’abaisser son prix au plus bas.
Les COULEURS maintenant
Un bon équilibre, dans les couleurs avec toujours la même question, pourquoi du blanc dans la boîte.
Autrement nous avons

  • 1 jaune
  • 1 Orange
  • 2 Rouges
  • 2 Bleus
  • 2 Verts
  • 2 Terres – Ocre Jaune et Terre de Sienne Naturelle
  • Un noir et un blanc.

Dans cette boîte le blanc est un peu bizarre, il est légèrement granuleux.

MON AVIS  :

Mon avis sur la boîte d’aquarelle fine SENNELIER, la petite Aquarelle
Dans l’ensemble la gamme est équilibrée, je trouve juste dommage, d’avoir du blanc, et que le Jaune et le l’ORANGEne soit pas remplacé par un jaune citron et un jaune légèrement orangé (comme celui présent dans la boîte
À noter que la Terre de Sienne Naturelle n’est pas terrible en qualité de pigment.
Autrement dans l’ensemble, les couleurs se mélangent bien, il n’y a pas l’effet granulé comme dans certaines gammes d’aquarelles FINE.
La peite aquarelle teste boite
Si vous voulez acheter cette boite vous pouvez si vous le désirez acheter en suivant ce lien. LA PETITE AQUARELLE  ou en cliquant sur l imae de la boite ci dessous, comme je vous les fais remarquer je ne touche aucun argent si vous achetez là, mais le magasin, me confiera certainement encore des produits dans ce cas là .
 

RECTIFICATIF = ERREUR DE MA PART

Promis, ce n’était pas la boisson, mais je n’avais pas remarqué, les couleurs notées sur la boite.
Donc, je retire, ce que j’ai dit dans la vidéo, la marque nous a bien noté les couleurs sur la boite.
couleurs_lapetiteaquarelle

DESCRIPTIF de la MARQUE

La petite aquarelle » Sennelier est une aquarelle fine fabriquée en France pensée et formulée pour faciliter la découverte de l’aquarelle. Renforcé en glycérine, son liant a été élaboré pour assouplir l’application de la couleur sur le papier.
Sa formulation a été pensée pour faciliter les mélanges de couleurs et les lavis. « La petite Aquarelle »  est idéale pour les artistes en phase de découverte ou d’apprentissage et pour peindre en extérieur.
Pratiques et innovantes, les boîtes de voyage “La petite Aquarelle” sont équipées de sangles élastiques souples bien pratiques qui permettent de les maintenir sans effort dans le creux de la main.
Vous apprécierez tout particulièrement la facilité de manipulation de ces boîtes et leur confort de préhension
 

Faire de la peinture à l'huile est il dangereux ?

Les produits de la peinture à l’huile, sont ils nuisibles à la Santé.

Manipuler des produits chimiques entraine toujours quelques risques pour la santé.
Les artistes d’antan, qui fabriquaient eux même leurs propres peintures, s’exposaient aux influences de pigments, de liant et de diluants toxiques.
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N’oubliez pas que le tube est né qu’en 1841, et c’est la marque WINSOR et NEWTON, qui commercialisât les premiers tubes.
Les artistes peintres et les peintres en bâtiment étaient parfois victimes d’intoxication saturnine due à l’ignorance et à la négligence à l’emploi de certains matériaux.

Faire de la peinture à l’huile est il dangereux ?

Sous la surveillance des fabricants de peinture et de la commission des Communautés européennes, les matériaux répondent désormais aux normes de sécurité. Les matières toxiques ou pouvant nuire à la santé et à l’environnement sont maintenant visiblement indiquées sur les emballages. Soyez prudent quand même, car les normes varient d’un pays à l’autre.
Savez-vous que le blanc de plomb à d’abord était interdit à la vente pour le bâtiment en 1918. Une première loi devait être votée en 1914, mais comme vous devait le savoir cette année là, notre pays est entré en guerre. Mais seulement tout récemment (dans les années 2000), que la même loi a été votée pour les produits beaux arts.

Beaucoup de fabricants de peinture mentionnent la composition chimique de leurs produits.

Nous pouvons encore trouver certaines couleurs à l’huile dangereuse, mais c’est très rare, elles peuvent contenir du :
• Chromate de plomb
• Barium
• Ferrocyanure de fer
• Manganate de barium
Le White spirit et les diluants, médiums et vernis mélangés au white spirit, contiennent toujours un petit pourcentage de substance toxique, mais là aussi cela devient de plus en plus rare, les composés nocifs ne sont plus utilisés.
Toutefois, Le white spirit contient notamment des hydrocarbures aromatiques nocifs qui sont toutefois indispensables en raison de leur pouvoir dissolvant. Evitez l’inhalation prolongés.

Voici quelques conseils :

– Aérez régulièrement votre atelier, ou la pièce ou vous travaillez.
– Evitez tout contact avec la peau
– Evitez les inhalations prolongées.
– Conservez ce genre de matériaux hors portée des enfants
– Si vous êtes allergique à certains produits, essayez de vous tournez vers d’autres produits, moins toxique, ou évitez de les toucher ou de les inhaler.
– Fermer bien les flacons après usage.
Vous réduirez ainsi les risques si vous vous imposez une certaine discipline. Vos gestes deviendront rapidement automatiques.

Comment peindre un ciel et des nuages

La grande difficulté pour les artistes, et surtout pour les artistes amateurs, c’est de faire de jolis ciels.

Voici des mélanges pour obtenir de jolis ciels

Comment peindre un ciel et des nuages

Pour un ciel clair

Vous obtenez des ciels clairs avec du blanc de zinc et du bleu de cobalt ou bleu outremer.
Le ciel sera plus clair avec du bleu de cobalt.
Si vous voulez un ciel légèrement transparent, diluez la peinture avec de l’essence de térébenthine ou  du White spirit.
Attention = Trop de blanc de zinc, peut rendre la peinture plâtreuse.
Pour les ciels lointains ou proches de la ligne d’horizon, ajoutez un peu d’ocre jaune.
Attention de ne pas ajouter de jaune car cela aura tendance à verdir votre ciel.
Cirrus-ciel-bleu-provence

Pour un ciel sombre.

Utilisez pour un ciel sombre de l’outremer foncé avec du blanc de zinc. Ajoutez un peu de sienne brulée, vous obtiendrez un ciel plus PLOMBE (tiens cela me rappelle la Bretagne J
Si vous désirez des points plus clairs dans le ciel, ajoutez un peu de bleu de cobalt.
Ne pas ajouter du noir pour foncer un ciel, le noir a tendance à ternir les couleurs.
 

Pour un ciel Levant ou couchant

En fonction de la clarté du ciel que vous voulez obtenir, vous pouvez utiliser du bleu de cobalt ou du bleu outremer clair. Vous obtiendrez un effet violet avec un peu de laque de garance foncée.
Pour les coloris clairs, ajoutez de l’ocre jaune et au besoin du rouge de cadmium clair.

Pour un ciel nocturne

Un ciel nocturne n’est jamais noir, mais d’un bleu très foncé, que vous pouvez obtenir en mélangeant de l’outremer foncé à de la terre de sienne brulée.
Le ciel deviendra plus espacé si vous travaillez plus  transparent.
Le blanc de la toile percera quelque peu à travers les couches picturales et accentuera l’atmosphère.
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Les Nuages

Les nuages Blancs

De grands nuages blancs reflètent la lumière du soleil et le bleu du ciel.
Utilisez du blanc de zinc avec un peu d’ocre jaune et du bleu de cobalt ou du bleu outremer clair.
comment peindre un ciel et des nuages
 

Les Nuages sombres.

Vous obtiendrez des nuages gris foncés grâce à du blanc de zinc et de l’outremer foncé ou un bleu très foncé mais de préférence transparent.
Les couleurs transparentes ne ternissent pas les couleurs après mélange avec un blanc de zinc. La couleur étant intensive, prenez-en un tout petit peu.
Pour obtenir des couleurs moins prononcées, ajoutez par exemple de la sienne brûlée, un peu de laque de garance et d’ocre jaune.
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Comment est né le paysage

Aujourd’hui dans cette vidéo, j’aborde, la technique du paysage, car je me suis aperçu qu’en réalité peu de personnes savaient l’origine de la technique dite de PAYSAGE.

[videojs youtube="https://youtu.be/DfsqmW6Jpfg"]

En Occident, on considère que la peinture de paysage est apparue dans les années 1420 en Flandre.
Par un système appelé la Veduta. (La vue en Italien)
C’est simplement un paysage que l’on voit à travers une fenêtre

Paysage = La veduta

Paysage Veduta
Dans ce tableau de Van Eyck
Nous voyons  au premier plan  à droite la vierge et l’enfant
Et à gauche  le chancelier Rolin.
Et au centre à travers la fenêtre, nous voyons un paysage de la flandre
Attention, ce n’est ici qu’un paysage esquissé, non précis.
Certains contemporains ont aussi utilisé cette technique comme MATISSE par exemple.
Paysage Matisse

Le mot PAYSAGE

 
Apparait après la fin du 15 e siècle
En Flandre sous le nom de  Landskap
En Angleterre sous le nom de  Landscape
En Allemagne  sous le nom de Landschaft
En Italie sous le nom de Pasesaggio
En France sous le nom de paysage
 
On parle de peinture de paysage quand il est le sujet principal du tableau

Naissance du paysage

 
Si le paysage est né en hollande, c’est surtout dû au calvinisme, qui rejette en bloc toutes les iconographies religieuses.
À partir de là, le paysage devient un sujet à part entière.
Il faut savoir aussi que les nobles de cette époqueont acheté ce genre de peinture pour décorer leur intérieur.
 
Du coup les maîtres sont passés pour leurs œuvres d’une taille imposante à une taille plus petite.
L’un des plus célèbres paysages et celui de JACOB Van RUISDAEK Le Buisson 1649
Paysage le buisson
 
De tes nombreux peintres  du 19 siècle l’ont copie au Louvre.
C’est surtout l’éclairage qui confère à la scène une intensité hors norme, et fait le charme de ce tableau.

Le paysage en France

 
C’est à Nicolas poussin que l’on octroie le nom de maître du paysage héroïque.
Ici  rive de bohème
Paysage nicolas poussin
 
Nous passons ensuite sur des scènes de paysages, mais avec personnage, Les pastorales et les scènes galantes.
Scènes  galantes qui sont avant tout inspirées  de la littérature
Ici c’est un paysage de Watteau  le Pélerinage à l’ile de Cythere 1717  musée du louvre.
The_Embarktion_for_Cythera
 
Ensuite, nous passons aux paysages Réalistes et néo-classiques. Les peintres reviennent peu à peu à des paysages composés de façon classique, même très réalistes avec croquis préparatoire en plein air.
 

Paysage de Pierre Henri de Valencienne

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Regarder ici ce magnifique paysage de Pierre henri de Valencienne
Paysage classique
Personnages buvant à la fontaine.  1806

Le Paysage Romantique

Le paysage devient romantique  plus de personnages juste le paysage.
Les artistes travaillent surtout sur l’éclairage
Ici la toile du peintre romantique  allemand  Caspar David Friedrich  Paysage du Riesengebirge  Huile sur toile (1811) 45×58, 3cm Moscou, musee Pouchkine
paysage atelier et cours

Le paysage et l’école de Barbison

 
C’est surtout avec l’école de Barbison, que le paysage a vraiment pris TOUTES Ses lettres de noblesse
 
Ici nous avons une œuvre de Théodore Rousseau, Chênes à Apremont (1852)
Chênes_Apremont_by_Rousseau_Louvre_RF1447_n1

Le paysage et les impressionnistes

Claude Monet et le champ de coquelicots.
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Ou ce train dans la campagne de 1870
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