Question : L’art numérique est il vraiment un art ?

Bonjour à tous,
Je commence à voir des choses intéressantes et fantaisistes en art numérique.
Mais, je ne voudrais pas comparer avec tout ce que j’ai pu voir dans les musées, tel que la Tate Gallery à Londres, le Louvre, El Prado etc.
J’ai vu certaines tendances montrer leur bout de leur nez, certaines femmes bien proportionnées. Mais je n’ai rien vu, qui m’aurait donné envie d’acheter, d’encadrer ou d’accrocher aux murs de chez moi.
femmes-art-numerique-5
Cependant, je suis prêt à développé mon esprit !
Alors pour vous l’art numérique est il vraiment un art ?
A vous de me convaincre §

Cours : Mélange des Couleurs de Jean marc Rives

Bonjour,

Aujourd’hui je suis heureux, de recevoir sur mon blog,  Jean marc RIVES, Artiste peintre, chanteur, poete, enseignant et écrivain.
Il nous écrits un article sur le mélange des couleurs. 

A PROPOS DU MELANGE DES COULEURS 

Introduction : 
Au total, les six couleurs de l’arc-en-ciel : le violet, le bleu, le vert, le jaune, l’orangé, le rouge et quelques unes de leurs nuances peuvent être obtenues à partir du rouge, du bleu et du jaune. Ce sont les « couleurs primaires ». On les appelle ainsi parce qu’aucun mélange ne peut les faire naître.
Le violet, le vert et l’orangé sont des couleurs « secondaires » ou « complémentaires » parce qu’elles sont issues des trois autres et parce que chacune d’elles est le complément indispensable de la primaire qui n’entre pas dans sa composition pour reconstituer la lumière solaire.
Le violet est donc complémentaire du jaune, le vert du rouge et l’orangé du bleu (et vice versa).
A propos des tons et des nuances, si on mélange un bleu avec un orangé ou un rouge avec un violet, par exemple, on en déduit que la création de tons et de nuances est quasi-illimitée.
Il faut distinguer, toutefois, deux catégories de tons : les « tons chauds » et les « tons froids ». Parmi eux, il y a ce que l’on appelle les « tons rompus » et bien sûr les gris.
On appelle « tons chauds » les tons brillants, vifs et parfois exubérants comme le jaune, l’orangé, le rouge et leur mélange. Les « tons froids » sont des couleurs plus mélancoliques comme le bleu, le vert et le violet. Cependant, les tons froids peuvent devenir chauds si on les mélange avec une bonne quantité de couleur chaude. Ainsi, le vert deviendra chaud si on rajoute beaucoup de jaune dans sa composition.
Les tons qui ne sont ni rouge, ni bleu, ni jaune, ni orangé, ni vert, ni violet sont des « tons rompus ». Le vert, l’orangé et le violet ne sont pas des tons rompus. Ce sont des couleurs au même titre que les autres parce qu’elle gardent une lumière et une richesse égales aux couleurs qui les composent.
Lorsque les valeurs des tons rompus deviennent plus claires, on aboutit à des gris. Le gris n’est donc pas obtenu simplement en mélangeant du blanc et du noir, mais il y a autant de gris qu’il y a de tons rompus et ils s’orientent soit vers les tons chauds, soit vers les tons froids.
Il existe aussi une « affinité des couleurs » : le mélange de deux couleurs de même nature (chaudes ou froides) donnera un résultat plus riche et plus pur que celui de couleurs de natures différentes qui, lui, sera plus terne.
On appelle « dominante » le ton qui dominera dans une association de tons chauds et froids. La juxtaposition joue aussi un rôle dans l’exaltation des couleurs : ainsi, le rouge et le vert, le violet et le jaune, le bleu et l’orangé seront exaltés si on les juxtapose.
Voici maintenant quelques conseils pour réaliser de beaux portraits ou encore des « académies » :
Le Portrait :AUTOPORTRAIT
Il n’y a pas vraiment de couleurs particulières pour éxécuter un portrait et, en tous cas, certainement pas la « couleur chair » car chaque visage a la sienne. Il y a des peaux tellement claires qu’elles tendent vers le bleu. D’autres sont dorées, rosées, ambrées, de la couleur du cuir ou de la terre.
Il faut donc avoir recours à des « mélanges savants » pour se rapprocher le plus possible du personnage. Les couleurs couramment employées sont à base d’ocre jaune, de terre de Sienne brûlée, de terre d’ombre et de terre verte. On peut y ajouter du blanc de Titane, jaune de Naples, jaune japonais citron, jaune de chrome foncé, Rouge de France vermillonné clair, laque de garance cramoisie, carmin, bleu de cobalt, bleu d’outremer, bleu céruléum, vert permanent foncé, vert Véronèse, terre d’ombre brûlée et, également, du Noir d’ivoire mais il est préférable de l’obtenir en mélangeant le bleu et la terre d’ombre ou des couleurs complémentaires.
En ce qui concerne la technique, il n’y a pas non plus de technique particulière mais il faut toujours mélanger les couleurs sur la palette et non sur la toile. La première application, y compris le fond, doit être faite avec une teinte claire mais le premier ton doit être plus foncé que ce que l’on veut obtenir au final. En fait, on doit commencer par les zones d’ombre et finir par les zones de lumière et non l’inverse, car il faut toujours aller de l’ombre à la lumière et non de la lumière à l’ombre.
Le Nu ou Académie :
Nu - 2Mêmes remarques que pour le portrait, il faut rechercher la couleur la plus appropriée au corps que nous voulons restituer, mais voici les couleurs les plus appropriées : blanc de zinc, blanc de Titane, jaune citron japonais, jaune des Flandres, jaune Hélios, jaune Sénégal, jaune japonais foncé, corail, rouge de France vermillonné, rouge Brueghel, rouge rubis, rouge Angelico, rouge grenat, violet d’Egypte, violet de Bayeux, bleu hortensia, bleu indien, bleu azural de manganèse, bleu de céruléum, bleu Touareg, vert Armor, vert Aubusson, vert anglais n°5, vert oxyde de chrome, vert émeraude, ton vert véronaise, ocre jaune, ocre de chair, ocre rouge, terre de Sienne Naturelle, terre d’ombre brûlée, brun transparent, noir de Mars, noir d’Ivoire.
Commencer par : ocre jaune et terre de Sienne brûlée pour séparer l’ombre et la lumière. Mélanger ensuite de l’ocre rouge et terre de Sienne brûlée pour établir un « modelé ». Baisser la tonalité des parties éclairées avec de la terre verte éclaircie et terminer par des verts et des bruns mélangés. Terre d’ombre pour les cheveux en mélange léger.
Ceci dit, n’oublions pas que l’Art est avant tout une liberté d’interprétation et que chaque artiste possède ses propres recettes, tout comme un cuisinier. Alors, bonne peinture et surtout il ne faut pas hésiter à rechercher et créer ses propres valeurs… son propre style !

21-03-2013 09-03-49Jean-Marc RIVES

 
Vous pouvez retrouver Jean Marc sur son site :
 
http://www.jmrives-peintre.odexpo.com/
 
 
 
 

Cours: 7 Conseils pour apprendre à peindre un paysage

Conseils pour vous aider dans vos peintures de paysage.

monet-paysage_a_Giverny
Regarder un paysage pour un peintre, c’est toujours extraordinaire, cela démange nos doigts, d’instinct nous avons envie de capture l’essence même du spectacle pour le reporter sur notre toile. Voici quelques conseils pour vous aider dans votre prochaine peinture de paysage.

Astuce n ° 1: Ne pas tout peindre

Vous n’êtes pas obligé d’inclure tout ce que vous voyez dans le paysage,n’hésitez pas à enlever des détails, ou des incongruités. (les antennes de télévision s’il y a une maison, un arbre qui déséquilibre l’œuvre, etc.) Soyez sélectif, ne prenez que les éléments forts qui caractérisent ce paysage en particulier. Utilisez le paysage comme une référence, pour vous fournir les informations dont vous avez besoin pour peindre les éléments, ne soyez pas asservi par ce que vous voyez.

Astuce n ° 2: Utilisez votre imagination

Si elle permet une composition solide, n’hésitez pas à réorganiser les éléments dans le paysage. Ou prendre des parties de paysages différents et de les réunir dans une même peinture. (Évidemment, cela ne s’applique pas si vous peignez une célèbre scène facilement identifiable, mais la majorité des peintures de paysage ne sont pas des scènes de cartes postales, mais plutôt l’ impression d’un paysage.)

Astuce n ° 3: Donner la préférence à la profondeur

Ne peignez pas l’ensemble du paysage sur un même plan : moins de détail pour le fond du paysage que pour le premier plan. Il est moins important là-bas et donne plus «autorité» au premier plan.
La différence dans le détail contribue également à attirer l’œil du spectateur sur l’objectif principal de la peinture de paysage.

Astuce n ° 2: Achetez des tubes de peintures vertes! ce n’est pas de la triche

Vous n’êtes pas un «tricheur» si vous achetez des tubes de peintures vertes plutôt que de faire vos propres mélanges. L’un des principaux avantages de cette initiative est que vous avez toujours un accès instantané à des verts particuliers. Mais ne vous limitez pas, étendez votre gamme de vert en leur rajoutant du bleu ou du jaune.

Astuce n ° 5: Comment obtenir une gamme de verts

Pour citer Picasso : « Ils vont vous vendre des milliers de feuilles de vert Véronèse et de vert émeraude et vert de cadmium et de toute sorte de vert que vous voulez, mais ce vert particulier, jamais. » La variété et l’intensité des verts qui se produisent dans la nature sont tout à fait impressionnantes. Lors du mélange d’un vert, utilisez le fait que ce vert est soit à dominance bleue ou jaune comme point de départ pour déterminer les proportions de vos mélanges. (Mais rappelez-vous l’ombre de quelque chose de vert dans un paysage ne changent en fonction de l’heure du jour et ce qui était d’un vert bleuâtre, ce matin, peut-être d’un vert jaunâtre, ce soir.)
Plus vous jouerez sur les variations des mélanges bleus / jaunes, plus cela vous donnera de verts différents. Avec la pratique, il devient instinctif de mélanger les nuances de vert que vous recherchez.
Expérimentez également le mélange avec deux bleus et deux jaunes pour faire vos verts.

Astuce n ° 6: Comment faire des verts Gris et verts kakis

Mélangez un peu de noir avec des jaunes différents et vous verrez que vous produirez une gamme de Vert gris et les verts kaki. (N’oubliez pas d’ajouter du noir au jaune, et non jaune au noir, vous devez mélanger un peu de peinture noire pour assombrir une couleur jaune, mais vous faudrez une grande quantité de peinture jaune pour éclaircir un noir.)
claude-monet-mohnblumen-07057

Astuce n ° 7: Répétez-vous !

N’hésitez pas de faire comme Claude Monet, peignez le même paysage dans différentes lumières, différentes saisons ou différentes humeurs.
Vous ne vous ennuierez pas avec cette scène, mais vous commencez à voir plus de choses. Vous allez vous perfectionner, je me rappelle qu’à mes débuts, j’avais peint et repeint des centaines de fois un vase iranien que j’avais acheté en Salle des ventes. Et encore aujourd’hui, je suis surprise de l’évolution de ma peinture à cette époque. (j’avais daté mes dessins)
Par exemple, la façon dont l’ombre d’un arbre tourne autour de lui toute la journée, et comment la lumière du soleil de midi plus dure que celle du lever et du coucher du soleil.

Cours de dessin : Portrait au Fusain de Nathan Fowkes

Bonjour à tous, aujourd’hui , j’ai invite Nathan FOWKES, qui travail en free lance pour Dreamworks et Disney, pour ce nouveau cours de dessin.

Démo : pas à pas – portrait au fusain,

charcoal-portrait-demo-1
Anya. Fusain comprimé sur papier Rives.

Etat, pas à pas, cours de dessin au fusain ,

portrait-drawing-techniques-2
1). Être prudent : je commence à construire mon dessin au crayon sanguine, avant de poser les premiers traits de fusain

charcoal-drawing-techniques-3

2) Établir les repères afin de ne pas perdre le dessin, comme je vais malmener le sujet dans les prochaines étapes.
portrait-drawing-tips-4
3) Je pose de grands blocs de valeur
portrait-drawing-demonstration-5
4) Je pose les valeurs de lissage et de toucher avec le coin du morceau de charbon de bois.
charcoal-techniques-6
Wôw, quel gâchis. C’est l’une des raisons pour lesquelles je n’ai pas spécialement encouragé cette technique auprès de mes élèves. Il existe des dizaines de façons pour appliquer le fusain sur le support. Ce sont les principes de valeur (ombre et la lumière), la structure, la composition et les bords qui comptent vraiment.
drawing-with-charcoal-7
5) Je finalise le dessin avec une gomme mie de pain et le bâton de charbon de bois.
nathan-fowkes-artistÀ propos de Nathan Fowkes
Je fais du concept art, de la couleur et du design d’éclairage pour des projets d’animation et de divertissement, mes clients sont DreamWorks, Blue Sky, Disney et Digital Domain.
C’est un excellent travail, mais tout est peint de façon digitalement. Du coup, je passe mon temps à peindre avec des médiums traditionnels, ces peintures et croquis sont l’accent mis sur mon blog.