Comment s'inspirer de nos ancêtres les artistes en Pas à pas

En tant qu’artistes, nous avons presque cette attirance innée pour notre métier, pour notre besoin de créer.
Et nous avons tous quelque chose ou quelqu’un qui a nourri cette passion. Pour de nombreux artistes, les œuvres des autres orientent la manière dont ils abordent leur propre art.
Annie O’Brien Gonzales, auteur de Bold, Expressive Painting, fait référence à ces influenceurs comme étant nos artistes-ancêtres.
Ci-dessous, un extrait du nouveau livre de Gonzales, The Joy of Acrylic Painting. Dans ce regard, elle explique comment apprendre de vos ancêtres artistes et nous guide à travers une démonstration amusante et étape par étape inspirée par l’un de ses propres influenceurs, Henri Matisse.

Prendre plaisir à peindre!

Apprendre de vos artistes-ancêtres est génial. Mais apprendre des meilleurs professeurs d’art contemporain dans le domaine des beaux-arts est l’opportunité de votre vie si vous souhaitez développer votre passion pour la peinture et le dessin.

Trouver vos artistes-ancêtres

Chaque artiste a des goûts individuels parmi les artistes qu’il trouve inspirants. Par exemple, les œuvres de trois artistes très différents – David Hockney, Henri Matisse et Georgia O’Keeffe – font battre mon coeur pour des raisons très différentes. Il y en a beaucoup d’autres, il y a même des artistes de renom, qui me laissent absolument froide. Je suis sûr que pour vous c’est la même chose.
Les artistes qui résonnent avec nous, sont ce que j’appelle nos artistes-ancêtres. Je pense qu’il est utile dans notre développement en tant qu’artistes de réfléchir au pourquoi. La plupart d’entre nous savons intuitivement les reconnaitre quand nous voyons leur travail.
Faites attention à ce signal pour pouvoir passer à l’étape suivante.
Pour apprendre du travail d’un artiste-ancêtre que vous aimez, appliquez la partie analytique de votre cerveau à l’analyse de ce qui rend son travail si attrayant et si vous pouvez l’appliquer à votre propre travail.
Lorsque vous combinez des éléments de vos artistes-ancêtres avec votre propre interprétation, vous créez votre propre style de peinture.

De l’inspiration à la toile

Tous les artistes sont un amalgame d’inspiration d’autres artistes et d’innovations qui leur sont propres.
Une fois que vous avez analysé les éléments que vous souhaitez intégrer à votre propre travail, vous pouvez passer de l’imitation à l’innovation en utilisant ces éléments.
Étudiez vos artistes-ancêtres, tirez-en des leçons et enregistrez des idées à intégrer à votre travail.
• Comment pouvez-vous inclure certaines de leurs idées dans votre propre travail?
• Et qu’en est-il de la copie?
• Est-ce une mauvaise chose?
C’est un fait, tous les artistes à travers le temps ont appris d’autres artistes. L’astuce consiste à prendre ce que vous apprenez et à vous l’approprier.
Si vous avez un carnet de croquis d’art, créez une liste de trois à cinq artistes qui attirent constamment votre attention. Pour chaque artiste-ancêtre, créez une page entière dans votre carnet de croquis avec le nom de l’artiste en haut de la page et joignez une reproduction de l’un de vos morceaux préférés de l’œuvre de cet artiste.
Étudiez le travail et notez ce qui vous attire le plus. Voici quelques questions à vous poser:
Que pensez-vous de l’utilisation par l’artiste des éléments de l’art: ligne, forme, couleur, valeur, texture?
Le sujet vous intéresse-t-il?
Y a-t-il une composition unique que vous pourriez employer?
Répétez cette procédure pour chaque artiste sur une nouvelle page de votre carnet de croquis. Rassemblez sur une seule page tous les éléments qui ressortent de votre analyse de vos ancêtres d’artistes et déterminez ceux qui reviennent sans cesse et comment vous pouvez essayer ces idées dans votre propre travail.
Cela vous donnera un aperçu de votre style de peinture et une orientation pour les travaux futurs.

Comment s’inspirer de nos ancêtres les artistes en Pas à pas

Maintenant, amusons-nous un peu.

Peindre comme votre artiste-ancêtre
Ce projet est conçu pour vous donner l’occasion d’essayer les techniques de votre artiste préféré dans votre propre travail. Pour cette démonstration, j’ai peint à la manière de Matisse, un maître peintre expressionniste. J’adore son travail et j’aime beaucoup d’éléments, notamment les couleurs chaudes et les coups de pinceau lâches.
Nature Morte d’Henri Matisse, Serviette A Carreaux. Photo gracieuseté de DOUG KANTER / AFP /
Pour votre projet, choisissez un tableau de l’un de vos artistes-ancêtres, définissez les éléments de son travail, puis peignez selon cette approche. Vous apprendrez beaucoup et serez en mesure de décider consciemment si cette approche fonctionnera pour vous.
Analysez le style du tableau que vous utilisez comme source d’inspiration et enregistrez vos pensées dans votre carnet de croquis, comme dans mon exemple pour ce projet:
Ligne: utilisation intensive de lignes noires pour définir les objets et créer des lignes de mouvement qui dirigent l’œil vers le point focal.
Forme: formes expressives non réalistes d’objets; les formes continuent hors du plan de l’image (table, draperie, fenêtre); combinaison de formes organiques et géométriques
Couleur: couleurs expressives et non réalistes; palette principalement chaude
Valeur: utilisation d’un fort contraste sombre / clair
Texture: texture tactile; coups de pinceau forts, vigoureux, lâches; texture visuelle grâce au motif
Autre: l’humeur est globalement gaie
Ce dont vous aurez besoin pour suivre ce didacticiel:
Toile ou panneau,
Une copie de la peinture de votre artiste ancêtre et vos notes sur leur style
Pinceaux synthétiques ou à poils
Le medium de votre choix huile Acrylique Aquarelle ou pastel
1. Évaluer le style de votre artiste
Sélectionnez un artiste ancêtre qui vous inspire. Quel travail vous fait pâmer? J’ai choisi la peinture Tableau avec fruit d’Henri Matisse.
Évaluez son utilisation des cinq éléments de la peinture: ligne, forme, couleur, valeur et texture. Passez ensuite en revue les principes de conception mis en évidence par cet artiste et la façon dont ceux-ci jouent un rôle dans son travail.
Étape 1

2. Choisir votre palette de couleurs
Créez une palette de couleurs en utilisant votre peinture d’inspiration comme référence. Assurez-vous de conserver cette référence à proximité.
Étape 2
3. Démarrage de votre croquis (ou sous-peinture)
Comment s'inspirer de nos ancêtres les artistes en Pas à pas
Vous pouvez décider de copier la composition de la peinture d’inspiration ou de sélectionner votre propre sujet à peindre dans la palette de couleurs et le style de votre artiste ancêtre.
Après avoir étudié le travail de Matisse, j’ai esquissé ma composition sur la toile sans sous-couche car j’avais remarqué qu’il laissait parfois la toile blanche apparaître par endroits.
Étape 3

4. Déterminer votre style de peinture
Pour le style de Matisse, j’ai choisi de peindre les contours du sujet avec de la peinture noire et un petit pinceau rond.
Étape 4
5. Application de la couleur
Bloc en grandes formes de couleur.
Étape 5

6. Ajout de variations
Décrivez l’image en ajoutant des variations de couleur et une peinture plus épaisse.
Étape 6
7. Travailler sur les détails

Ajoutez des détails plus petits pour briser les grandes formes en utilisant la peinture de votre artiste ancêtre comme point de référence.
Étape 7

Ma peinture terminée reflète mon étude de la qualité des lignes et des couleurs utilisées par Matisse, mais j’ai utilisé ma propre imagerie.

Qui sont vos ancêtres artistes? Partagez-les avec nous dans les commentaires ci-dessous
 
Source : Annie O’Brien Gonzales, auteur de Bold, Expressive Painting

Avez-vous peur d'utiliser le noir dans vos peintures ?

Avez-vous peur d’utiliser le noir dans vos peintures ?

Ou ressentez-vous secrètement qu’il est l’ingrédient manquant de votre travail ?
Si vous n’utilisez pas de noir pour le mélange de vos couleurs, vous pourriez manquer une astuce.

John Singer Sargent _ Autoportrait 1907

Une histoire de deux maîtres :
John Singer Sargent et Claude Monet avaient l’habitude de sortir et de peindre ensemble.
Un jour, Sargent aurait oublié ses couleurs et a demandé à Monet de lui prêter les siennes.
« Où est le noir ? » Demanda Sargent.
« Je ne me permet pas d’utiliser le noir », a répondu Monet.
« C’est contre la théorie impressionniste. Dans la nature, toutes les couleurs sont faites en se mélangeant.  »
Sargent a refusé de comprendre comment quelqu’un pouvait peindre sans noir.
C’est une question de goût …
Chaque artiste a des exigences différentes, les impressionnistes ont bien évité le noir, préférant utiliser des couleurs complémentaires pour réduire la teinte.
Cependant, beaucoup de portraitiste, ne peuvent s’en passer.
La couleur est une partie très personnelle de la peinture et l’utilisation du noir est un débat encore très animé.
Beaucoup de rumeurs ont couru sur le danger de l’utilisation du noir. Quand j’ai appris la peinture avec Dominique Sohier, il a toujours refusé que j’utilise du noir, partant du principe qu’il fallait le fabriquer.
Il faut dire aussi que dans les années soixante, certains peintres ont utilisé du bitume comme noir, parce qu’il était beaucoup moins cher. Sauf que le bitume migrait dans les autres couleurs, ce qui finissait souvent par détruire l’œuvre peinte.
Et c’est souvent là qu’est né le mythe que le noir arrête les peintures, qui est souvent une des premières choses que les professeurs enseignent.
Cependant, le noir peut devenir indispensable dans votre travail …


Mythe n°1 : Le noir fait des peintures « boueuses »

Si vous l’utilisez bien, le noir tonifiera vos couleurs, il ne les rendra pas boueuses.
Le noir possède en générale une grande résistance à la teinte, et il faut seulement une petite quantité pour faire la différence.
Une chose importante à savoir, c’est que les noirs que vous achetez dans le commerce, penche tous plus ou moins vers le bleu. Faites le test : mélangez-le à du blanc et vous allez voir que vous obtiendrez un gris bleuté. Il faut tenir compte de cette information, car dans vos mélanges cela interfèrera sur vos couleurs. Si vous mélangez un noir et un jaune vous obtiendrez un vert kaki.
 

Qu’en est-il des mélanges avec les couleurs primaires.


Jaune + noir
Comme je vous le disais ci-dessus, quand vous mélangez le jaune et le noir le résultat est un jaune vert presque Kaki selon le type de noir utilisait. Cela peut ruiner votre mélange si vous en tenez pas compte ou si vous êtes débutant et que vous ne connaissiez pas la chose.
Cependant, vous pouvez utiliser ce vert à votre avantage pour créer de très jolies nuances.
Bleu + noir
Vous obtiendrez une teinte tonique, en mélangeant du bleu et du noir, le bleu ne changera pas beaucoup, donc pas la peine de le saturer de noir.
Le bleu de Prusse est quelque part un mélange de bleu de phtalocyanine et de noir


Rouge + noir

Il faut seulement une infime quantité de noir pour tonifié votre rouge. Ce mélange est très utile quand vous faites des portraites, pour équilibrer les tons de couleurs de peau.


Mythe n ° 2 : le noir rendra mes peintures sombres et sombres

Johannes Itten dans son livre « Art de la couleur », le dit, la couleur est faite de 7 contrastes, alors Le contraste est roi.
Vous avez besoin d’une gamme tonale variée pour créer un sens à vos peintures.
Les aquarellistes débutants d’ailleurs tombent souvent dans cette problématique, ils ne peignent pas assez sombre, pas assez contrasté.
Astuce Pro: Une façon de contourner votre appréhension du noir,  est d’expérimenter avec un stylo et un pinceau mouilleur. Vous pouvez aussi utiliser un marqueur permanent ou un stylo à dessiner, et vous vous attaquez à un sujet quelconque et vous travailler les ombres.
Cela vous obligera à être plus audacieux et à aboutir à des peintures plus réalistes.
Notez que dans la peinture, par rapport à l’esquisse, le noir n’apparait pas comme important.


Mythe n° 3 : Les artistes réalistes n’utilisent pas de peinture noire.

Les impressionnistes ont volontairement supprimé le noir de leur palette, affirmant que le noir n’est pas une couleur, mais le mélange de plusieurs couleurs. Et qu’il fallait donc fabriquer son noir. Mais pour de nombreux artistes contemporains, le noir est une partie intégrante de leur travail, le plus connu de ces artistes étant bien entendu SOULAGE.

Avez-vous peur d'utiliser le noir dans vos peintures ?
@Paul Emsley,

Paul Emsley, lauréat du prix du portrait BP 2007, a peint le portrait ci-dessous avec seulement deux couleurs: violet de Mars et noir bleu, plus une touche de blanc occasionnelle.
 
J’ai d’ailleurs pu entendre récemment une interview qu’il a donné :
Les couleurs de ma palette sont très limitées : mais vous seriez surpris des effets de couleurs que l’ont peu obtenir.
Paul décrit les tonalités de couleur créées.
« Par exemple, pour les tons de chair chaud, je pourrais utiliser juste du violet de Mars, mais en ajoutant un peu de blanc si je veux adoucir le ton.
Et où je veux les parties les plus bleues de la peau ou les zones de l’ombre, j’ajouterai une petite quantité de bleu noir au violet de Mars.
La variété provient de la quantité de couleur diluée, de l’étendue de la couleur superposée et des proportions de couleurs utilisées dans les mélanges.
« Selon mon expérience, moins vous utilisez de couleurs, plus les réactions sont choquantes lorsque vous effectuez des modifications subtiles. Jusqu’à ce que vous commenciez à expérimenter, vous ne comprendrez pas pleinement combien de variété peuvent être obtenue avec seulement deux couleurs!  »

En tant que débutant : Devrais-je utiliser de la peinture noire pour commencer ?

Que ce soit à l’acrylique ou à l’huile, et pour une palette de couleur de base, je ne recommande pas l’achat d’un noir, car avec de l’ombre brulée et un bleu foncé, vous pouvez avoir la flexibilité de créer une tonalité très proche du noir. En plus cela vous permet de nuancer plus facilement la teinte
 
Cette technique a été utilisée par un grand peintre, spécialiste du portait, comme Diego VELASQUEZ