Comment aborder un autoportrait

Aussi  longtemps que les humains ont fait l’art, ils ont créé des autoportraits.

Il y a 30.000 ans, les hommes préhistoriques ont décoré la grotte Chauvet dans le sud de la France et certains d’entre eux pulvériser du pigment pour faire les contours de leurs mains qui peut être considéré  une très ancienne forme d’autoportrait.
Depuis lors, les artistes ont eu recours à leur propre image comme thème riche à développer,  leurs compétences artistiques et la pratique.
Albrecht Dürer , Gustave Courbet , Egon Schiele , Vincent van Gogh , Lucian Freud – la liste est longue  des maîtres artistes qui ont perfectionné  leur main à l’ autoportrait.
Rembrandt a fait des autoportraits tout au long de sa vie, un record merveilleux de l’image de soi d’un homme au fil des ans, le peintre allemand Lovis Corinth a peint une image de lui-même à chaque anniversaire, ce qui en résulte une remarquable  étude sur développement de sa technique artistique .

Peinture Projet : Création d’un autoportrait

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Lovis Corinth : Autoportrait avec le squelette 1896

 
Faire  votre auto- portrait est un brillant projet pour développer vos techniques artistiques et , à condition d’avoir un miroir et les matériaux appropriés (photographie) , votre modèle est toujours disponible .
Choisissez une composition avec juste la tête et les épaules avec une forte lumière d’un côté et expérimenter avec différents milieux colorés ; varier la couleur. La direction de la lumière et de l’intensité produisent des effets différents.

Préparation pour votre peinture

 
Avant de commencer à peindre, vous devez vous décider sur une pose, n’oubliez pas que vous devez être à l’aise dans la position que vous aurez choisis. Vous devez être capable de peindre librement et garder à l’esprit qu’il peut être possible pour vous,  d’adopter la pose pendant longtemps.
Ensuite, vous devez étudier comment vous allez aborder le problème de représentation de  votre propre visage
Le  visage est, aux yeux des hommes, la partie  la plus reconnaissable dans le monde.
Il faut faire attention aux  émotions dissimulées dans des changements subtils dans les muscles du visage , la peau, les yeux et la bouche .
 

Peinture Projet : Création d’un autoportrait

Frida_Kahlo_self_portrait
Frida Kahlo : Autoportrait avec le collier de Thorn et Hummingbird

 
 
Pensez à quel type d’expression, d’humeur et d’émotion que vous souhaitez transmettre et comment cela se reflète dans la façon dont vous allez gérer la peinture, les couleurs que vous choisissez et la technique que vous allez utiliser.
Le but principal de cet exercice est de présenter votre propre visage et la tête comme un objet dans l’espace, en utilisant la couleur , le ton.
 

Le choix de la forme et de la composition

 
Choisissez comment vous allez cadrer votre propre tête et la conception du plan de l’image est crucial avant de commencer à travailler.
Imaginez le miroir est l’image que vous allez créer.
Essayez de placer votre tête dans le centre du reflet de ce miroir, face simple avec un espace égal symétriquement tout autour.
Bouger ensuite votre tête en la déplaçant sur le côté, en la déplaçant vers l’avant pour remplir le reflet de votre visage et en vous éloignant du miroir.
Ces expérimentation,  vous donne une idée de comment vous voulez équilibrer l’image et comment la forme et la composition interagi  avec vos intentions de création d’un auto- portrait.
 

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Gustave Courbet : L’homme désespéré c.1843 – 1845

Gustave Courbet : L’homme désespéré c.1843 – 1845

Le ton et la couleur

 
Une fois que vous vous arrêtez  sur  une composition, il est temps de considérer le choix de la couleur et du ton de la peinture. Regardez attentivement votre peau – le visage n’est pas d’un ton monotone idem pour la peau.
C’est plutôt un patchwork de couleurs différentes, les trais saillants et subtiles de la lumière qui réfléchie, et la coloration des ombres. Pensez aussi que vous n’allez pas seulement peindre votre visage, les couleurs et les tons de l’espace autour de vous,  auront une importance égale dans l’œuvre  finie.
Pensez à comment vous allez utiliser les tons chauds et froids.
Les tons chauds comme l’orange et le rouge apparaissent généralement plus proches, et les zones qui sont peintes dans les bleus frais et gris plus éloignées.
Les zones avec une plus grande variation tonale semblent également proches de l’observateur.
L’utilisation prudente de ces effets peut avoir un effet profond sur le sens de l’espace et de profondeur dans votre peinture. Il ya un grand nombre de manuels d’art disponibles  qui expliquent tout sur la théorie de la couleur et de la pratique artistique.

Les matériels

 
Maintenant que vous avez réfléchi à la composition, la couleur et le ton de votre peinture, vous êtes presque prêt à commencer à travailler sur votre image, il vous suffit de décider de quel type de matériel, vous souhaitez utiliser.
Idéalement, vous devriez expérimenter  une variété de différents types de peinture – aquarelle , acrylique , gouache et huile – pour découvrir ce qui  convient le mieux à votre style artistique .

Style et la technique

 
Enfin, le style et la technique que vous utilisez,  seront probablement apparaîtront une fois que vous commencez à travailler sur votre auto – portrait.
Regardez le travail d’autres artistes pour  trouver des styles et des thèmes qui vous inspirent,( la plupart des grands artistes se sont entrainés en copiant des œuvres au sein des musées), puis commencer à peindre votre propre image.
L’autoportrait est un projet que vous pouvez faire  encore et encore.
Grâce à cela, vous  verrez progresser votre style et votre technique.
Ils fournissent témoignage précieux de votre progression en tant qu’artiste et en tant que personne.
Personnel, je me suis longtemps exercé avec un vase iranien, que j’avais acheté en Salle des ventes. Au début de mon activité artistique, je le peignais tout les mois, cela m’a permis de voir ma progression, et parfois de me rassurer, sur mon évolution.
 
 

3 raisons pour lesquelles, Le Triptyque d' Art est un succès

3 raisons pour lesquelles Triptyque d’Art est un succès

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Adriaen Isenbrandt (circa 1485-1551)

Le Triptyque se compose de trois panneaux qui sont destinés à être affichés ensemble. Un  triptyque  est de l’adjectif grec  τρίπτυχον  qui signifie «trois fois».

Les premiers étaient des triptyques de l’art paléochrétien, qui était un format populaire pour les tableaux d’autel du Moyen-Age.
Aujourd’hui le triptyque d’art est toujours défini comme une œuvre d’art, habituellement c’est une peinture sur bois, un art numérique ou une  photographie divisée en trois sections.
Lorsqu’un triptyque est appliqué à la photographie ou aux beaux-arts, il n’y a pas de règles fermes, quand à son affichage. La méthode se compose de trois œuvres d’art montées dans un cadre, les trois images sont étroitement associés et sont affichés les une près des autres. Alternativement, le triptyque peut être une collection de trois photos présentées dans une image singulière.
L’art de triptyque est souvent utilisé comme un élément de décor dans différents design d’intérieur. Ils peuvent être magnifiquement placés dans des maisons, des bureaux et des hôtels.
La vision de l’artiste est primordiale. En tant qu’artiste, je peux vraiment exprimer mon style ou un message dans un sens beaucoup plus large avec une œuvre «  triptyque ». Il n’y a pas vraiment de règles en triptyque d’art et de photographie, tout est permis.
Voici les trois points que j’ai mentionnés pour expliquer pourquoi je crois qu’ils sont un véhicule efficace pour l’artiste et son art.

1 . Grand attrait visuel

:
Ces images ont un attrait esthétique en eux même. Elles obligent le spectateur à réfléchir sur la conception et remettent en question le sens et le mouvement de la pièce. Comme le spectateur regarde d’un panneau à l’autre, ils doivent comprendre la façon dont l’art s’adresse à eux et comment ils peuvent digérer trois oeuvres différentes en une seule composition.

2. Couleur :

La couleur doit aider à diriger l’œil, pour aider à aller de l’image gauche à celle de droite.
Ici sur l’œuvre e Marc Garrison, la couleur subtile de la première illustration aux tons bleus, aide à passer à la seconde puis les lignes fines amènent  à la  3e et maintient la pièce intéressante.
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Je crois que ces œuvres d’art contemporaines sont plus subtiles que la photographie en format triptyque parce que je peux modifier les couleurs et la transition de chaque pièce. Contrairement à une photo qui est essentiellement une image découpé en trois parties.

3. Surface:

Le problème des acheteurs en arts, c’est qu’ils veulent souvent décorer leur intérieur.
En d’autres termes, quand ils s’investissent dans une œuvre d’art, ils veulent qu’elle  couvre un espace de mur suffisant.
Le triptyque à l’avantage de pouvoir s’étaler sur un mur et donner une impression de grandeur, d’occupation de l’espace.
Je suis sûr que vous vous demandez ce que cela signifie d’art contemporain de toute façon ?

Je vais essayer de vous donner mon avis.

J’aime travailler avec un  thème de transitions.
Je commence avec un design simple, le second devient plus complexe – comme la façon dont notre vie devient plus complexe et que nous grandissons et atteignions  nos années les plus productives.
La dernière partie est quand nous arrivons à notre stade de maturité de la vie où nous continuons à évoluer encore. Peut-être pas tout à fait comme nous l’avions espéré, mais en quelque sorte nous avons fait au mieux.
 

Une nouvelle façon d'utiliser ses couleurs grâce à la roue Chromatique

Voici une petite approche de la couleur ? ou comment utiliser la roue chromatique

Voici celle que vous pouvez trouver dans le commerce
Voici celle que vous pouvez trouver dans le commerce

Le week-end passé, je suis passé voir une amie artiste, que j’ai trouvé démotivé dans son atelier. Elle venait de terminer une série de  natures mortes pour sa saison d’hiver, et maintenant elle se préparait à faire des paysages pour sa collection d’été. Mais l’inspiration lui manquait. Je me suis rappelé un exercice que m’avait fait faire Dominique Sohier, qui était mon professeur à l’époque. Le but de cet exercice, c’est de casser nos habitudes dans le domaine de la couleur, et de  nous obliger à un autre regard.

A cette époque,  voici ce que j’avais  fait …

J’ai décidé de m’amuser et d’expérimenter l’harmonie des couleurs primaires et  des couleurs complémentaires. Paires de couleurs qui partagent aucun des éléments communs avec l’autre sont appelés, « couleurs complémentaires ». Au lieu de ma palette traditionnelle, j’ai choisi d’expérimenter une idée, la technique que j’appellerai aujourd’hui , le Yin et Yang Les anciens Chinois ont compris que notre monde est composé d’une sorte de balance des contraires. Tout dans la nature a son contraire.

Par exemple:

  • lune / soleil
  • noir / blanc
  • jour / nuit
  • lever / coucher du soleil

Chaque couleur a son contraire aussi! Chaque  couleur «primaire» ou teinte (rouge, jaune, bleu) est directement en face d’une couleur dite « secondaire » (vert, violet, orange). Ces couleurs complémentaires se trouvent toujours en face de l’autre sur la roue chromatique :primary-color-wheel

  • Rouge – Vert
  • Jaune – Violet
  • Bleu – Orange

Lorsque les couleurs opposées sont mélangées, elles créent des gris neutres chromatiques. En utilisant cette technique, j’ai limité ma palette à la famille de couleurs complémentaires qui me semblaient le mieux adapté pour le sujet à peindre.

Mes essais de roue chromatique

Sur les trois couleurs primaire de la palette  yin / yang, j’ai choisi le bleu et l’orange . Pour les «oranges» –  J’ai utilisé:

  • Rouge de Cadmium Light – un orange chaud
  • Orange de cadmium – vrai d’orange
  • Jaune de cadmium  moyen – d’orange Froid
  • Terre de Sienne brûlée – doux d’orange

Pour les «bleus» –  J’ai utilisé:

  • Le bleu outremer – bleu chaud
  • Bleu de cobalt véritable  – Couleur vrai légèrement chaud
  • Bleu de phtalocyanine – bleu Froid
  • et ivoire noir et blanc de titane

color_wheel Vous pouvez varier les couleurs ci-dessus avec vos propres choix, mais il est préférable d’avoir  toujours une couleur chaude, une couleur vrai, et une couleur froide, pour la couleur de base et sa complémentaire.
Ces couleurs complémentaires vibrent quand elles  sont  peintes l’une à côté de l’autre et sont magnifiquement coupées lorsqu’elles sont  mélangées. Une large gamme de couleurs peut être mélangée à partir de cette palette limitée. Les résultats sont harmonieux et l’intensité de la couleur,  peuvent être contrôlés.
J’étais capable de mélanger et d’obtenir des verts luxuriants, bruns riches et de vibrantes couleurs d’automne à côté de gris plus calmes.
Grace à la roue chromatique, ou roue des couleurs, vous pouvez déterminer avec certitude, les couleurs nécessaires  à une bonne harmonie de vos œuvres, mais aussi de la décoration de votre maison .

Comment prendre des photos de votre oeuvre comme un pro

Comment prendre des photos de votre oeuvre comme un pro

Close-up reflex
 
 
 
Une fois que vous avez terminé votre œuvre, l’étape suivante consiste à en créer une copie numérique que vous pourrez stocker dans votre ordinateur.
Ceci est fait de sorte que vous puissiez partager votre travail en ligne avec d’autres artistes pour les commentaires ou l’imprimer et l’inclure dans votre book.
Une des façons de créer une copie numérique de votre œuvre d’art est de la prendre en photo.
Toutefois, si vous voulez la meilleure photographie à télécharger sur votre ordinateur, il ne suffit pas simplement de pointer et de cliquer une le bouton de votre appareil photo.
Voici quelques conseils que vous devez considérer pour comprendre comment prendre des photos professionnelles de votre art
 

Installation de l’appareil photo

 
Pour obtenir les meilleurs résultats pour vos oeuvres, utiliser un appareil photo reflex numérique de bonne qualité avec au moins 6 Millions de pixels, il donne une plus grande profondeur de champ et permet de mettre en valeur les détails.
Si vous n’êtes pas habile avec un appareil photo, utilisez la fonction auto-focus, elle vous sera très utile.
Cependant, il est souhaitable de configurer votre appareil manuellement  pour obtenir des lignes plus nettes de vos photos.

la vitesse de l’obturateur.

L’obturateur est une sorte de rideau devant le capteur ou le film de l’appareil photo, rideau qui se « lève » plus ou moins longtemps, déterminant ainsi la vitesse d’exposition ou temps de pose. En d’autres termes, la vitesse détermine combien de temps la surface sensible de l’appareil photo (qui enregistre l’image) va être soumise à la lumière.

L’ouverture du diaphragme de l’objectif.

Le diaphragme est constitué de plusieurs lamelles en métal qui, ensemble, constituent une ouverture circulaire dans l’objectif. L’ouverture correspond ainsi à la taille du trou par lequel va passer la lumière pour être enregistrée par l’appareil ; une grande ouverture correspond à un grand trou qui laisse passer beaucoup de lumière, et une petite ouverture à un petit trou qui en laisse passer peu. (L’ouverture du diaphragme a également un impact important sur la profondeur de champ.)
Donc avec une grande ouverture, votre image aura plus de lumière mais moins de profondeur.
A l’inverse, l’image aura moins de lumière et plus de profondeur si vous réduisez votre ouverture.
La sensibilité du capteur ou l’image ISO doit être réglée à son niveau le plus bas, qui est de 100, pour obtenir une image plus nette.
890_thumb_G_1328230081674Un trépied est idéal comme support à votre appareil  pour prendre de bonnes photos. Il vous permet aussi de fixer un délai de deux secondes avant son déclenchement. Cela vous donne le temps de retirer votre main de l’appareil photo et de garder une stabilité .
 

Éclairage et positionnement

 
Vous pouvez choisir entre deux configurations pour la prise de photos :  soit  sous la lumière naturelle ou éclairage professionnel.
Avec la lumière naturelle, vous aurez à vous soucier de l’éclat qui reflète sur l’œuvre d’art une fois que vous avez fait la  prise de vue.
Mettez plutôt votre œuvre à l’ombre pour neutraliser l’éblouissement, ou sur un fond sombre.
Inversement, pour les oeuvres sombres, tirer contre un fond clair.
Vous pouvez également régler la balance des blancs ou mettre un filtre polarisant linéaire sur votre appareil photo pour régler une baisse de l’intensité de la lumière du soleil.
Essayez de tirer à différents endroits avec une intensité lumineuse différente.
Si le temps est nuageux, vous pouvez choisir d’utiliser un éclairage professionnel pour prendre des photos de votre travail. Gardez à l’esprit que cela peut vous coûter de l’argent puisque vous aurez idéalement besoin de deux sources de lumière à haute puissance.
Ces deux sources lumineuses doivent être mises en place en regard l’une de l’autre, toutes deux de préférence à un angle de 45 degrés et à quatre mètres de l’oeuvre. Ce type d’éclairage est idéal pour les peintures,  vous pouvez révéler la texture de votre travail plus en détail.
Vous pouvez aussi y parvenir en utilisant simplement une source de lumière.
Votre oeuvre d’art ne doit pas être inclinée et ses bords doivent être parallèles avec le viseur de contrôle ou de perspective. Il est conseillé de faire un zoom avec  votre appareil photo au dessus de 50mm parce que tout ce qui est en dessous de ce chiffre, peut fausser les bords et les coins de votre œuvre d’art. Laissez si possible un peu d’espace autour de l’œuvre d’art, vous pourrez enlever l’espace en trop en utilisant un logiciel de retouche de photo (Gimp – Photoshop …)
Si  vous utilisez l’éclairage extérieur pour prendre votre photo, désactiver le flash de votre appareil photo.

Conseils supplémentaires

 
Prenez autant de photos de votre illustration que possible en utilisant changeant les paramètres de l’appareil photo, la position et l’éclairage. De cette façon, vous aurez des images différentes à choisir.
Après avoir pris des photos, pensez à faire les modifications nécessaires à l’aide de votre ordinateur.
Autant que possible, ne faites pas de changements drastiques à vos photos à l’aide de votre logiciel de retouche.
Si vous êtes obligé de modifier quelque chose de l’image, le faire directement depuis l’appareil photo à l’aide de ses différentes fonctions.