Les Jaunes de Vincent Van Gogh

Les jaunes de Vincent Van Gogh ou pourquoi il faut vraiment faire attention aux pigments que l’on utilise en peinture.
Il est bien connu que la montée de l’impressionnisme était due en partie aux nouveaux développements de la chimie des peintures qui ont créé des couleurs plus lumineuses et plus stables qui n’étaient pas disponibles auparavant pour la peinture à l’huile.

Vincent Van Gogh est l’un des artistes qui a adopté et expérimenté la nouvelle technologie des couleurs.
L’éclat de certaines des peintures à l’huile les plus célèbres de Van Gogh, est dû à son utilisation de ces pigments industriels, nouvellement disponibles. Ces pigments commencent à apparaître dans son travail après son déménagement de la Hollande vers la France.
Malheureusement, les chimistes de l’époque n’avaient pas les outils pour effectuer des tests de vieillissement accéléré afin de déterminer la résistance à la lumière dans le temps de leurs nouvelles créations.
L’une des couleurs, le jaune de chrome, PY34 du Couleur Index , est non seulement toxique, mais elle est également connue pour s’assombrir en cas d’exposition aux rayons ultraviolets du soleil. Alors que des alternatives moins toxiques au chrome jaune ont finalement été développées au milieu des années 1900, les artistes ont tendance à y recourir.
Mais, pendant une période critique, la couleur brillante fournie par le Jaune de Chrome a été un outil important dans la palette de van Gogh et de bien d‘autres artistes.
C’est un des jaunes que Van Gogh a le plus utilisé pour peindre ses fameux Tournesols.
Les chercheurs ont découvert que certaines, mais pas toutes, de ces peintures contenant du jaune de chrome souffrent du brunissement.
Pour comprendre comment les peintures vieillissent et comment mieux les conserver pour l’avenir, des chercheurs ont mené une étude approfondie du brunissement observé dans certains travaux de Van Gogh peints avec du jaune de chrome.
Des scientifiques de quatre pays ont réalisé cette étude. Ils ont commencé par collecter des échantillons de trois tubes de peinture jaune chrome de l’époque. Ils ont fait vieillir artificiellement ces peintures pendant 500 heures à l’aide d’une lampe ultra-violette.
Les rayons UV du soleil provoquent une réaction chimique de réduction du chrome (de Cr6+ à Cr3+) sur une profondeur de un à trois micromètres de la peinture, ce qui altère sa couleur.
Ils ont également prélevé des échantillons de deux tableaux de Van Gogh, Vue d’Arles avec des iris et Rive de Seine.
Les Jaunes de Vincent Van Gogh

Vue d’Arles aux Iris par Vincent van Gogh, peinture à l’huile.

La peinture des tubes s’est assombrie en un brun chocolat après une exposition à la lumière UV.
En utilisant un faisceau de rayons X cent fois plus fin qu’un cheveu humain, les scientifiques ont également pu analyser le jaune de chrome noirci à la surface même des deux peintures, juste en dessous du vernis.
Leurs analyses ont découvert que le chrome dans le pigment gagnait des électrons à partir de la lumière UV, réduisant efficacement le chrome (VI) en chrome (III), passant de jaune vif à brun.
La découverte du faisceau microscopique de rayons X de l’ESRF de Grenoble, a montré que l’obscurcissement était le plus important là où se trouvaient les composés chimiques contenant du baryum et du soufre.

Van Gogh mélangeait de la peinture blanche à son jaune pour le rendre plus lumineux. Son blanc était un sulfate de baryum dont les éléments chimiques baryum et soufre accélèrent cette réduction, d’où un brunissement plus rapide de sa peinture.
La prochaine phase de la recherche sera la plus importante de toutes pour essayer de comprendre s’il y a un espoir de ramener les pigments à leur état d’origine dans les peintures où l’obscurcissement a déjà eu lieu.
Aujourd’hui, les jaunes de Chrome vendus dans le commerce sont des Subtrats, ils n‘ont plus le même risque qu’avant mais vérifié quand même si vous achetez un pigment ancien ou un tube de peinture datant du début du 20° siècle.
Ce qui fait souvent la différence entre un peintre amateur et un peintre expérimenté, c’est que ce dernier test beaucoup de nouvelles matières, de nouvelles couleurs, de nouveaux médiums, c’est un mal nécessaire pour faire avancer son art.
Mais dans tous les cas, prenez vos précautions.

La Joconde … partie en fumée

Qu’est-ce que Sfumato  ?
La Joconde … partie en fumée

Chaque jour, des gens du monde entier se rendent à Paris pour visiter la peinture à l’huile la plus célèbre du monde, la Joconde. Beaucoup sont simplement curieux et veulent voir la chose par eux-mêmes.
Certains admirent le célèbre sourire énigmatique, les proportions parfaites et la composition idéale de la pièce. Et d’autres cherchent à explorer certaines des affirmations fantastiques et mystérieuses de ce chef-d’œuvre.
Malheureusement, la peinture à l’huile est protégée derrière un verre épais et une balustrade en bois maintient tout le monde à bonne distance. La foule immense crée des obstacles supplémentaires à une inspection minutieuse. Ne pas pouvoir inspecter correctement cette pièce de près est tout simplement dommage. Vous voyez, Leonardo Da-Vinci était le plus grand praticien d’une technique de peinture connue sous le nom de « sfumato», qui se traduit littéralement par « est parti en fumée ».
La Joconde ... partie en fumée

Sfumato et Da Vinci

Da Vinci lui-même a décrit la technique du sfumato comme « sans lignes ni frontières, à la manière de la fumée ou au-delà du plan de l’image ». Pendant la Renaissance, la peinture à l’huile a subi des changements radicaux alors que les artistes apprenaient à manipuler les nouvelles théories de la perspective linéaire pour créer de plus en plus de profondeur, de l’espace et images réalistes.
Dans un sens, la recherche de l’élimination de la planéité de la surface de la peinture à partir d’une image pourrait être considérée comme une excroissance naturelle de ces investigations.
Cependant, prise dans le contexte de l’époque, c’était encore une idée assez radicale.
Néanmoins, le Maître italien est venu plus près que quiconque de cette technique, avec sa Joconde.

La Joconde … partie en fumée

Le pouvoir de la superposition

Les historiens ont découvert que Da Vinci avait appliqué des couches de peinture à l’huile très fines et presque transparentes avec ses doigts pendant plusieurs mois pour construire lentement l’image rougeoyante et doucement concentrée de Mona Lisa. En fait, il aurait appliqué de 20 à 40 couches de peinture.
Cette technique lui a permis non seulement de reproduire de manière réaliste la translucidité de la peau, mais également de créer une présence si vivante que le sujet semblait être réellement dans la pièce, comme si elle était assise à une fenêtre.
Pour peindre sur une surface plane, la vision de quelqu’un qui ne se limite pas à cette surface exigeait que l’artiste garde simultanément à l’esprit deux pensées paradoxales – la planéité, mais avec l’illusion d’une forme tridimensionnelle réaliste.
La Joconde ... partie en fumée
Vierge des Roches de Léonard de Vinci, huile sur panneau (transférée sur toile); un autre exemple de l’utilisation de sfumato par Da Vinci
Leonardo avait le génie de sa vision. La technique du sfumato lui a donné les moyens d’y arriver. Aujourd’hui, nous nous appuyons facilement sur les avancées artistiques pionnières qu’il a inventées. Et pour cela, nous lui devons beaucoup de gratitude.
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Comment s'inspirer de nos ancêtres les artistes en Pas à pas

En tant qu’artistes, nous avons presque cette attirance innée pour notre métier, pour notre besoin de créer.
Et nous avons tous quelque chose ou quelqu’un qui a nourri cette passion. Pour de nombreux artistes, les œuvres des autres orientent la manière dont ils abordent leur propre art.
Annie O’Brien Gonzales, auteur de Bold, Expressive Painting, fait référence à ces influenceurs comme étant nos artistes-ancêtres.
Ci-dessous, un extrait du nouveau livre de Gonzales, The Joy of Acrylic Painting. Dans ce regard, elle explique comment apprendre de vos ancêtres artistes et nous guide à travers une démonstration amusante et étape par étape inspirée par l’un de ses propres influenceurs, Henri Matisse.

Prendre plaisir à peindre!

Apprendre de vos artistes-ancêtres est génial. Mais apprendre des meilleurs professeurs d’art contemporain dans le domaine des beaux-arts est l’opportunité de votre vie si vous souhaitez développer votre passion pour la peinture et le dessin.

Trouver vos artistes-ancêtres

Chaque artiste a des goûts individuels parmi les artistes qu’il trouve inspirants. Par exemple, les œuvres de trois artistes très différents – David Hockney, Henri Matisse et Georgia O’Keeffe – font battre mon coeur pour des raisons très différentes. Il y en a beaucoup d’autres, il y a même des artistes de renom, qui me laissent absolument froide. Je suis sûr que pour vous c’est la même chose.
Les artistes qui résonnent avec nous, sont ce que j’appelle nos artistes-ancêtres. Je pense qu’il est utile dans notre développement en tant qu’artistes de réfléchir au pourquoi. La plupart d’entre nous savons intuitivement les reconnaitre quand nous voyons leur travail.
Faites attention à ce signal pour pouvoir passer à l’étape suivante.
Pour apprendre du travail d’un artiste-ancêtre que vous aimez, appliquez la partie analytique de votre cerveau à l’analyse de ce qui rend son travail si attrayant et si vous pouvez l’appliquer à votre propre travail.
Lorsque vous combinez des éléments de vos artistes-ancêtres avec votre propre interprétation, vous créez votre propre style de peinture.

De l’inspiration à la toile

Tous les artistes sont un amalgame d’inspiration d’autres artistes et d’innovations qui leur sont propres.
Une fois que vous avez analysé les éléments que vous souhaitez intégrer à votre propre travail, vous pouvez passer de l’imitation à l’innovation en utilisant ces éléments.
Étudiez vos artistes-ancêtres, tirez-en des leçons et enregistrez des idées à intégrer à votre travail.
• Comment pouvez-vous inclure certaines de leurs idées dans votre propre travail?
• Et qu’en est-il de la copie?
• Est-ce une mauvaise chose?
C’est un fait, tous les artistes à travers le temps ont appris d’autres artistes. L’astuce consiste à prendre ce que vous apprenez et à vous l’approprier.
Si vous avez un carnet de croquis d’art, créez une liste de trois à cinq artistes qui attirent constamment votre attention. Pour chaque artiste-ancêtre, créez une page entière dans votre carnet de croquis avec le nom de l’artiste en haut de la page et joignez une reproduction de l’un de vos morceaux préférés de l’œuvre de cet artiste.
Étudiez le travail et notez ce qui vous attire le plus. Voici quelques questions à vous poser:
Que pensez-vous de l’utilisation par l’artiste des éléments de l’art: ligne, forme, couleur, valeur, texture?
Le sujet vous intéresse-t-il?
Y a-t-il une composition unique que vous pourriez employer?
Répétez cette procédure pour chaque artiste sur une nouvelle page de votre carnet de croquis. Rassemblez sur une seule page tous les éléments qui ressortent de votre analyse de vos ancêtres d’artistes et déterminez ceux qui reviennent sans cesse et comment vous pouvez essayer ces idées dans votre propre travail.
Cela vous donnera un aperçu de votre style de peinture et une orientation pour les travaux futurs.

Comment s’inspirer de nos ancêtres les artistes en Pas à pas

Maintenant, amusons-nous un peu.

Peindre comme votre artiste-ancêtre
Ce projet est conçu pour vous donner l’occasion d’essayer les techniques de votre artiste préféré dans votre propre travail. Pour cette démonstration, j’ai peint à la manière de Matisse, un maître peintre expressionniste. J’adore son travail et j’aime beaucoup d’éléments, notamment les couleurs chaudes et les coups de pinceau lâches.
Nature Morte d’Henri Matisse, Serviette A Carreaux. Photo gracieuseté de DOUG KANTER / AFP /
Pour votre projet, choisissez un tableau de l’un de vos artistes-ancêtres, définissez les éléments de son travail, puis peignez selon cette approche. Vous apprendrez beaucoup et serez en mesure de décider consciemment si cette approche fonctionnera pour vous.
Analysez le style du tableau que vous utilisez comme source d’inspiration et enregistrez vos pensées dans votre carnet de croquis, comme dans mon exemple pour ce projet:
Ligne: utilisation intensive de lignes noires pour définir les objets et créer des lignes de mouvement qui dirigent l’œil vers le point focal.
Forme: formes expressives non réalistes d’objets; les formes continuent hors du plan de l’image (table, draperie, fenêtre); combinaison de formes organiques et géométriques
Couleur: couleurs expressives et non réalistes; palette principalement chaude
Valeur: utilisation d’un fort contraste sombre / clair
Texture: texture tactile; coups de pinceau forts, vigoureux, lâches; texture visuelle grâce au motif
Autre: l’humeur est globalement gaie
Ce dont vous aurez besoin pour suivre ce didacticiel:
Toile ou panneau,
Une copie de la peinture de votre artiste ancêtre et vos notes sur leur style
Pinceaux synthétiques ou à poils
Le medium de votre choix huile Acrylique Aquarelle ou pastel
1. Évaluer le style de votre artiste
Sélectionnez un artiste ancêtre qui vous inspire. Quel travail vous fait pâmer? J’ai choisi la peinture Tableau avec fruit d’Henri Matisse.
Évaluez son utilisation des cinq éléments de la peinture: ligne, forme, couleur, valeur et texture. Passez ensuite en revue les principes de conception mis en évidence par cet artiste et la façon dont ceux-ci jouent un rôle dans son travail.
Étape 1

2. Choisir votre palette de couleurs
Créez une palette de couleurs en utilisant votre peinture d’inspiration comme référence. Assurez-vous de conserver cette référence à proximité.
Étape 2
3. Démarrage de votre croquis (ou sous-peinture)
Comment s'inspirer de nos ancêtres les artistes en Pas à pas
Vous pouvez décider de copier la composition de la peinture d’inspiration ou de sélectionner votre propre sujet à peindre dans la palette de couleurs et le style de votre artiste ancêtre.
Après avoir étudié le travail de Matisse, j’ai esquissé ma composition sur la toile sans sous-couche car j’avais remarqué qu’il laissait parfois la toile blanche apparaître par endroits.
Étape 3

4. Déterminer votre style de peinture
Pour le style de Matisse, j’ai choisi de peindre les contours du sujet avec de la peinture noire et un petit pinceau rond.
Étape 4
5. Application de la couleur
Bloc en grandes formes de couleur.
Étape 5

6. Ajout de variations
Décrivez l’image en ajoutant des variations de couleur et une peinture plus épaisse.
Étape 6
7. Travailler sur les détails

Ajoutez des détails plus petits pour briser les grandes formes en utilisant la peinture de votre artiste ancêtre comme point de référence.
Étape 7

Ma peinture terminée reflète mon étude de la qualité des lignes et des couleurs utilisées par Matisse, mais j’ai utilisé ma propre imagerie.

Qui sont vos ancêtres artistes? Partagez-les avec nous dans les commentaires ci-dessous
 
Source : Annie O’Brien Gonzales, auteur de Bold, Expressive Painting

Comment vaincre la Frustration en peinture

Nous sommes nombreux à être frustrés en peignant. La peinture ne fonctionne tout simplement pas, vous ne pouvez pas la faire chanter, il y a quelque chose qui ne va pas, mais vous ne savez pas quoi.

Cela sonne comme une musique familière ?

Je pense que nous avons tous été à ce stade d’une œuvre. Nous travaillons encore et encore, et la peinture va de mal en pis. Dans la frustration, vous recommencez.
Et la frustration s’installe de plus en plus.
Nous mettons la barre si haute. Nous avons cette image incroyable dans notre esprit et pourtant nos mains ne livrent pas la marchandise. La pratique rend meilleur, nous le savons tous, alors nous continuons et mettons le temps nécessaire à cela. Et effectivement, nous nous améliorons. Lentement.
Cela m’est tellement arrivé !
Quand cela vous arrive, selon votre tempérament, vous pouvez commencer à crier, à jeter tout par la fenêtre ou tout simplement vous soupirez et vous recommencez. Je suis plutôt du type persistant avec les dents serrées et parfois, je réussissais à résoudre les problèmes. Le travail effectué comprend souvent le désespoir total et l’effacement ou le repeint de la majeure partie de la peinture.
Pendant, longtemps, dès que mon travail se terminait, je me jetais sur la toile et je peignais parfois juste 10 minutes avant de courir vers autre chose. Ma peinture serait assise sur le chevalet, parfois intacte pendant des jours ou des semaines. Parfois, j’ai une heure, parfois deux heures.
En effet, j’ai remarqué, que le fait de bondir sur la toile dès que j’ai un moment pour peindre, sans prendre le temps de reflaichir, j’ai pensé que c’était une mauvaise chose.

Comment vaincre la Frustration en peinture

Le Temps de penser

Ma peinture est installée sur le chevalet dans mon salon et je passe devant elle plusieurs fois par jour. Je n’ai pas le temps de travailler dessus, mais juste rester là assis devant elle. Et cette pause forcée me laisse le temps d’y réfléchir. Au bout de quelques jours, je pourrais proposer une nouvelle idée, résoudre un problème ou me rendre compte de ce qui doit être fait ensuite. Je passe tellement de temps à penser à ma peinture (un bloc-notes est pratique pour noter des idées.) que, quand j’y reviendrai, je saurai quoi faire. J’aurai eu le temps d’imaginer à quoi ça ressemblerait si je floutais et avais un contour, ou si je pousse la chroma d’une zone, ou si je supprime un peu de la composition.
Après avoir réfléchi et regardé ma peinture, je suis beaucoup plus concentré lorsque je peins. Je sais ce que je veux faire ; après tout, j’y pense depuis des jours. J’ai résolu un problème dans mon esprit et je suis désireux d’essayer la solution. Le temps passé m’a obligé à travailler de manière beaucoup plus ciblée. Je n’ai que trop de temps alors j’en profite. Dans mon esprit, les peintures se développent et s’agrandissent, et lorsque j’arrive au chevalet, je peux essayer les solutions et les idées.

Des yeux frais

Un autre avantage majeur de ne pas pouvoir peindre tout le temps est un «regard neuf». Je pense que nous savons tout ce que cela signifie. Nous avons tous eu l’expérience de voir notre propre tableau après une longue pause et tout d’un coup, vous voyez tout ce qui ne va pas. Pendant que vous peigniez encore, vous étiez resté coincé et confus. Vous n’étiez pas sûr de ce qui n’allait pas, mais vous saviez que quelque chose n’allait pas. Ranger la peinture et y revenir beaucoup plus tard, aide souvent à voir des choses que vous n’aviez pas vues auparavant.
Ainsi, lorsque vous êtes obligé de quitter votre tableau seul, il peut être extrêmement utile de ne pas le regarder. Tournez-le face au mur et oubliez-le. Lorsque vous y reviendrez, vous aurez perdu votre regard confus et frustré et vous risquez de voir tout de suite ce qui ne va pas.

Résultat !

Donc, bien que parfois, je me suis probablement plaint de ne pas avoir assez de temps pour peindre, j’ai exprimé ma jalousie d’artistes qui peuvent peindre toute la journée, tous les jours. J’ai essayé de peindre toute la journée, tous les jours, non seulement avec des yeux extrêmement fatigués, mais en plus, cela trouble l’esprit et les dernières heures sont généralement les moins réussies. J’ai réalisé que peindre par à-coups (et j’ai sans doute développé cette méthode avec le temps pour bien fonctionner pour moi.) me donne le temps de réfléchir et de réfléchir à ce que je fais sur la toile. Cela renforce ma vision et m’assure de pouvoir retourner sur la toile avec de bonnes intentions. Les jours passent et je ne touche pas le chevalet. Les idées mijotent, les problèmes de peinture grouillent dans ma tête. Quand je suis prêt, je peins. Parfois juste un peu et puis je le laisse encore.
Qui a jamais dit que les peintures devaient être terminées dans quelques jours ? Si vous prenez votre temps, votre peinture sera peut-être beaucoup plus efficace. Vous pouvez cesser de perdre du temps à peindre de la boue, vous éviterez de retravailler les zones et vous aurez une idée plus précise de ce que vous faites et de l’endroit où vous allez. Ralentissez et vous pourriez bien faire beaucoup mieux.

Un inconvénient à aller lentement …

Cependant, il y a un inconvénient à la peinture par à-coups. Vos pinceaux souffrent. En général, je nettoie mes pinceaux sur des chiffons et les range dans une boîte en bois avec ma palette (par exemple, comme ceci ou cela). De cette façon, tout reste humide et je peux recommencer à peindre dès que j’en ai le temps. Mais comme je ne sais jamais si c’est dans une heure ou dans 3 jours, je me retrouve parfois avec des brosses en ruine. Alors, ne faites pas ce que je fais et nettoyez vos pinceaux à temps, avant qu’ils ne soient complètement secs. J’ai constaté que Hand Soap est assez brillant, même si sa peinture est desséchée.
 

Comment et quand peindre un Fond ou arrière plan?

Dois-je peindre le fond en premier ou en dernier?
C’est une question que j’entends assez souvent. Surtout de la part de personnes qui peignent des portraits ou des Natures Mortes.
Car ils se concentrent d’abord sur le sujet de leur peinture et pour eux, l’arrière-plan est une chose distincte.
Est-ce que tout a un fond ?
Mais le problème d’arrière-plan ne semble apparaître que lorsque nous faisons un portrait ou une simple nature morte. Les peintres paysagistes ou les peintres qui s’attaquent à des natures mortes plus complexes ne semblent pas trop se soucier de l’arrière-plan.
Une des raisons, bien sûr, est qu’un paysage n’est même pas considéré comme ayant un arrière-plan.
Et c’est là la clé de notre problème.
Même si un peintre paysagiste peint quelque chose d’assez proche d’un portrait ou d’une nature morte, par exemple un seul arbre sur un ciel relativement simple, le peintre paysagiste ne se demandera pas quoi faire avec l’arrière-plan. Habituellement, le ciel derrière et le terrain gazonné en dessous sont automatiquement considérés comme faisant partie du tableau.
Et pourtant, dès que l’arbre se transforme en vase de fleurs, en oiseau posé sur une branche ou en portrait, on commence à se demander quoi faire avec l’arrière-plan.
Et qu’arriverait-il si nous le changions ?
Comment peindre un fond
Renoir, Portrait de Jean, huile sur toile, 1897. Musée des Beaux-Arts, Houston.
Le fond vert chaleureux donne l’impression que le jeune Garçon (bon là, j’avoue on dirai plutôt le portrait d’une jeune fille)  est à l’extérieur, dans un parc ou quelque chose du genre. Le vert contraste bien avec sa couleur complémentaire orange / rouge et revient dans l’ombre.
Comment et quand peindre un Fond ?
William Merritt Chase, Portrait de Mme H., huile sur panneau, 1886. Museum of Fine Arts, Houston.
 
Un fond audacieux et fort donnant à Mme H. un caractère audacieux et fort. Le manteau rouge, la chaise rouge et le fond rouge sont des mouvements audacieux avec un grand effet.

Comment et quand peindre un Fond ?

Considérez votre portrait comme un paysage
Donc, si vous luttez avec vos arrière-plans, il serait peut-être utile de considérer votre sujet comme un paysage. Peignez ce que vous voyez et mettez l’accent sur ce que vous trouvez important ou beau. N’oubliez pas que votre travail artistique va du bord gauche au bord droit de la toile; ce n’est pas seulement votre sujet. Tout, d’un bord à l’autre, compte et aide à construire votre travail.
Quand peindre l’arrière-plan ?
Alors, quand devriez-vous peindre votre fond ?
Eh bien, en même temps que tout le reste bien sûr. Votre arrière-plan n’est pas «la deuxième partie» dans une hiérarchie d’importance. Cela fait autant partie du travail artistique que du sujet. Vous devez donc tout peindre en même temps.
Si vous peignez votre arrière-plan en même temps que votre sujet, vous verrez immédiatement comment le sujet et l’arrière-plan interagissent. C’est un bonus important de peindre toute l’œuvre d’art en même temps.
Pendant que vous voyez comment certaines parties de votre travail interagissent, vous pouvez décider d’améliorer une couleur, une valeur ou le contraste. Vous pouvez décider d’adoucir un bord ou de mettre en évidence une forme. Vous ne découvrirez ces choses que si vous intégrez le fond au processus de peinture dès le début.
Modification de l’arrière-plan lorsque vous utilisez des photos en référence
Quand on peint d‘après photo, ce n’est pas plus facile.
Bien sûr, ce serait idéal si votre photo de référence est parfaite. Prenez du temps à prendre de bonnes photos et à vous assurer que vous êtes satisfait du fond, du premier plan, des couleurs, etc. Encore mieux, si vous pouvez travailler à partir d’un sujet, assurez-vous de configurer votre nature morte ou votre modèle dans un tel environnement, de manière à ce que vous voyez, vous convient.
Changez de fond avec des tissus, de grandes feuilles de papier ou déplacez-vous dans la pièce.
Commencez à peindre lorsque vous êtes satisfait de ce que vous voyez.
Si vous travaillez à partir d’une photo de référence moins que parfaite (tut-tut! Non, je plaisante, nous le faisons tous!) Ou si vous voulez jouer un peu avec votre matériel de référence et être créatif, il est encore plus important de peindre toute votre image dès le début.
Obtenez ce fond dans immédiatement et voir comment cela fonctionne avec le sujet.
Envie de le changer en bleu vif? Essayez le! Faites-le tôt et voyez à quoi ça ressemble. Si ce n’est pas bon, vous pouvez toujours le remettre en place, l’essuyer ou peindre dessus. Pendant que vous peignez, vous pouvez expérimenter et jouer. Même un seul trait de couleur sur la toile vous donnera une idée de son fonctionnement avec le reste de la peinture. Vous pourriez bien décider après un coup si votre idée était bonne ou mauvaise.
Changer les couleurs de fond de façon spectaculaire peut facilement conduire à des peintures étranges. Si vous changez l’arrière-plan d’un portrait d’un gris terne à un bleu éclatant, vous devrez également changer beaucoup de choses dans le visage. Si votre modèle était réellement assise dans une pièce bleue lumineuse, il y aurait beaucoup de reflets bleus et de lumière sur son visage.
Donc, changer de fond (peindre autre chose que ce que vous voyez) peut être une tâche délicate, car vous finissez par inventer des choses. Vous pourriez être bloqué en peignant des choses pour lesquelles vous n’avez pas de photo de référence. Votre meilleur pari, si vous voulez un fond bleu vif, par exemple, est de prendre de nouvelles photos de référence, cette fois-ci armées d’un fond bleu.
Arrière-plans occupés
Les portraits ont souvent des arrière-plans chargés et parfois aussi les natures mortes. Ce pourrait être une pièce remplie de livres, une table de cuisine, des fenêtres ou peut-être un paysage.
Je pense que peu d’entre nous laisseraient un tel fond comme dernières étapes de la peinture. Nous réalisons plus facilement que le fond est aussi important et qu’il fait autant partie de la peinture que le sujet.
Les milieux occupés exigent une grande habileté dans la composition, la valeur et la couleur.
Après tout, nous ne voulons pas que l’arrière-plan domine le sujet, mais nous ne pouvons pas simplement le brouiller, comme nous pouvons le faire en photographie. Si vous avez quelque chose dans votre arrière-plan, il est important de regarder attentivement où vous voulez que les lignes principales apparaissent, les motifs vides et les couleurs éclatantes (ou non).

  • Voulez-vous que cet horizon soit au même niveau que les yeux ou pas?
  • Voulez-vous cette porte juste derrière la tête de la gardienne ou pas?
  • Est-ce que la vaisselle en arrière-plan distrait les fleurs sur la table de la cuisine?
  • Puis-je laisser ce torchon?

Peindre des arrière-plans en même temps que l’objet
Ainsi, les arrière-plans, qu’ils soient occupés ou simples, font autant partie de votre travail artistique que le sujet lui-même. Ils méritent une attention et des soins et ils ont un rôle important à jouer dans toute peinture.
Alors quand le peins-tu?
Rappelez-vous les paysagistes qui n’ont jamais eu ce problème: leur sujet va d‘un bord à l’autre et le vôtre aussi. Un portrait ou une nature morte court d’un bord à l’autre et tout le reste est également important.
 
Peignez votre fond en même temps que votre sujet. De cette façon, vous pouvez voir comment cela «fonctionne» avec le sujet, vous pouvez le développer ensemble et créer une œuvre d’art harmonieuse.
Attention dans cet article, quand je parle de fond, je parle de l’arrière plan du travail et non le fond de Départ, la toile vierge.
De ce coté, j’aime partir d’un fond coloré, car le blanc me gène énormément,N’oubliez pas qu‘ il représente la lumière.

5 facteurs clés pour peindre le ciel et les nuages

Techniques et compétences artistiques, paysages
Pensez au ciel de Turner ou même à celui de Monet: ils ont de multiples facettes et portent le bourdonnement de plusieurs couleurs. Le ciel est rarement bleu – ou rarement simplement bleu (à l’exception de quelques endroits chanceux dans le monde).
Alors que beaucoup d’entre nous passons à la peinture de paysage pendant la saison estivale, nous pouvons parfois formuler des hypothèses et prendre certaines choses pour acquises, comme la couleur du ciel ou des nuages. C’est peut-être parce que nous pouvons voir nos sujets principalement sur des photographies, ou peut-être parce que des habitudes se forment pendant l’hiver et que nous oublions quelle variété de couleurs nous pouvons trouver dans le paysage.

Les pêcheurs en mer de J. M. W. Turner, huile sur toile
Un paysagiste sait à quel point ces «secrets» sont importants pour le ciel et les nuages!
Quand il est temps pour moi de peindre avec une perspective aérienne, je pense aux peintures de Georges Seurat. Cela peut être un exemple extrême, mais pour moi, son travail témoigne d’une prise de conscience de la prévalence de la couleur, en particulier dans le ciel.

La Seine à La Grande Jatte de Georges Seurat, huile sur toile
Le fait de penser à ses points pointillistes, m’aide à me rappeler que la couleur est partout. Dans cet esprit, j’ai réuni quelques astuces pour peindre le ciel afin d’éviter le «syndrome bleu».

5 facteurs clés pour peindre le ciel et les nuages

  1. Construisez le ciel avec différentes teintes et nuances, et pas seulement bleues.

Regardez vraiment le ciel et voyez quelles sont les couleurs. Un jour de pluie peut souvent avoir des reflets gris, verts et même jaunes. Un coucher de soleil est souvent beaucoup plus sombre que ce que je peins habituellement la première fois et peut contenir toutes sortes de rouges, roses, jaunes et pourpres profonds.

  1. Ne peignez pas la luminosité du ciel seul.

Peignez les ombres pour donner une impression d’espace et de profondeur. Plus il y a d’humidité dans l’air, plus il y a de reflets (et donc plus de couleur).
Même lorsque le ciel est dégagé, notre champ de vision dégage une perception de profondeur. Dans tous les cas, demandez vous comment cela se produit et essayez de l’accentuer.

  1. Les nuages ​​reflètent la lumière dans le ciel.

Même lors d’une journée parfaite, lorsque les nuages ​​sont blancs et que le ciel est bleu, ne poser pas le bleu et le blanc. Ils peuvent donner à une peinture un aspect plat et cliché. Expérimentez avec les couleurs que vous percevez dans les reflets et la lumière pour ajouter de la profondeur et un plus grand réalisme.

  1. Ajoutez de la texture à la surface de peinture.

La texture peut donner une atmosphère complètement différente de celle obtenue en manipulant la couleur. Expérimentez des couches de peinture épaisses et fines et de nouveaux médiums pour des résultats surprenants.

  1. Le ciel a tendance à s’éclaircir vers l’horizon.

Pensez-y lorsque vous peignez, car cela seul peut aider à créer une peinture de paysage plus convaincante.

Régate à Sainte-Adresse de Claude Monet, huile sur toile
Comment peignez-vous votre ciel?
Je souhaite également connaître vos astuces pour peindre le ciel. Alors, partagez-les avec moi, ainsi que toutes les autres techniques dont vous disposez pour créer de superbes peintures de paysages en studio, en laissant un commentaire ci-dessous.

Comment mettre la perspective en perspective ?

Mettre la perspective en perspective
Les magiciens et les artistes se divertissent avec des illusions. Les magiciens utilisent de la fumée, des miroirs et d’autres accessoires. L’artiste doit s’appuyer sur une surface plane bidimensionnelle pour donner l’illusion d’une profondeur visuelle et convaincre le spectateur qu’une scène est en trois dimensions.
L’un des moyens par lesquels la profondeur visuelle peut être exprimée est la perspective linéaire.

Comment mettre la perspective en perspective
Le pont ferroviaire d’Argenteuil par Claude Monet, 1873

Comment mettre la perspective en perspective

Les bases de la perspective linéaire
La perspective linéaire transmet la profondeur à travers les lignes et le placement des formes. Bien que la complexité des compositions puisse varier, les conseils et principes de base suivants sont inhérents à tous les dessins en perspective linéaires.
Horizon : L’horizon est la ligne où le ciel rencontre la terre ou l’eau. La hauteur de l’horizon influence le placement des points de fuite et l’élévation de la scène.
Point de fuite : Un point de fuite est l’endroit où les lignes parallèles semblent se rencontrer au loin. Dans l’exemple, ci-dessus, les lignes parallèles de la route reculent ou reculent et fusionnent visuellement pour créer un point de fuite unique à l’horizon. Il n’y a pas de limite au nombre de points de fuite qu’une scène peut avoir.
Plan de sol : Le plan de sol est la surface horizontale sous l’horizon et peut être de la terre ou de l’eau. Dans l’exemple, ci-dessus, le plan de sol est de niveau. Toutefois, si le plan de sol était en pente ou montagneux, le point de fuite créé par les lignes parallèles du tracé ne resterait pas à l’horizon et pourrait ressembler à un plan incliné.
Lignes orthogonales : Il s’agit de lignes dirigées vers un point de fuite, telles que les lignes parallèles de la route illustrées ci-dessus. Orthogonal signifie angle droit. Il fait référence aux angles droits formés par des lignes telles que le coin d’un cube représenté en perspective.
Point de vue : à ne pas confondre avec le point de fuite, le point de vue est l’endroit à partir duquel une scène est visionnée. Le placement de l’horizon et des points de fuite affecte le point de vue.
Principes de perspective
Les quatre principes qui caractérisent la manière dont la profondeur est exprimée dans une perspective linéaire sont la taille des formes, le chevauchement des formes, le placement des formes et la convergence des lignes. Les quatre principes peuvent et doivent être utilisés ensemble pour interpréter au mieux la perspective.
Taille des formes
La plus grande des formes similaires apparaîtra le plus près du spectateur.
Avec cette scène, le carré de droite apparaît le plus proche, car il est le plus grand des trois. La place de gauche semble être la plus éloignée, car elle est la plus petite.

Chevauchement de formes
Le carré en haut semble plus gros parce qu’il chevauche le carré en bas.
Emplacement des formes
Les formes les plus éloignées de l’horizon apparaissent le plus près du spectateur. Le carré de droite est plus éloigné de l’horizon que les deux autres cases, ce qui le rend plus proche du spectateur, tandis que les autres cases sont plus proches de l’horizon, ce qui les rend plus éloignées.

Convergence de lignes
Les lignes parallèles convergent au loin. Dans cette scène, les lignes de la route (lignes orthogonales) se rejoignent lorsqu’elles s’éloignent dans le lointain, donnant l’apparence de la profondeur. Un point de fuite se forme à l’intersection des lignes orthogonales. Le principe de convergence des lignes partage le concept de profondeur exprimé par la taille en ce sens que la largeur du trajet diminue avec la distance.

Au fur et à mesure que vous vous familiariserez avec les principes de base de la perspective linéaire, vous constaterez peut-être que vous les appliquez déjà. Vous ne vous en êtes tout simplement pas rendu compte.
L’utilisation de ces principes améliorera sans aucun doute la précision de vos dessins.
La perspective linéaire simplifiée
Prenez du plaisir !

Comment vendre son art ?

Le marketing de l’art (pour les artistes) est un marché énorme. Il y a beaucoup de livres sur le sujet et j’en ai lu beaucoup au début. Beaucoup sont pleins de bons conseils judicieux. Certains datent assez vite, car ils ne tiennent pas compte de l’avènement imparable du monde numérique. D’autres sont encore très valables aujourd’hui.
Il existe aussi de nombreux cours de marketing en ligne pour les artistes surtout aux Etats Unis. J’ai regardé quelques-uns d’entre eux. Certains promettent même des revenus à six chiffres ou une représentation dans une galerie, une entreprise en solo qui apporte une richesse éternelle.

Et là méfiez-vous, nous sommes souvent proche de l’arnaque.

Beaucoup appliquent les mêmes stratégies marketing traditionnel à l’art ce qui est plus facile à quiconque maîtrise un peu le sujet.
La plupart des artistes connaissent très peu le marketing. Jeune, je n’avais aucune idée et j’avais l’habitude de faire preuve de bon sens. Mais au fil des années, je me suis beaucoup renseigné : je lisais des livres, suivais des gourous du marketing sur les médias sociaux, lisais des blogs et parlais à d’autres artistes.
Après avoir vendu mes magasins, j’ai même passé un master et j’ai ensuite enseigné toutes ces techniques à des élèves en alternance préparant, une licence ou un master.
Si vous trouvez les bonnes sources, vous pourrez peut-être apprendre qu’il est utile d’avoir un site Web et une liste de diffusion (liste d’adresses mails). Vous apprenez à approcher les galeries (et comment ne pas les approcher), à déterminer ce qu’il faut faire à propos des galeries qui vivent plus sur le dos des artistes que des acheteurs, et à se protéger des propriétaires de galeries loufoques qui ne payent pas après une vente.
Certains d’entre vous conservent une base de données sur leurs travaux, plongent dans des tirages à édition limitée ou des portraits d’animaux. La plupart d’entre vous réalisez tôt ou tard qu’il est assez difficile de gagner sa vie en vendant son art.
J’ai l’habitude de voir ces artistes incroyables, qui sont clairement très bons dans ce qu’ils font, traîner dans les grandes galeries. Ils ont des milliers d’abonnés sur les médias sociaux, apparaissent dans des magazines, ont des expositions personnelles et reçoivent des prix : ils sont là où beaucoup voudraient être.

Vivre un rêve

Seuls, quelques-uns parviennent à vivre vraiment bien de leur art. Et pour pouvoir vous rendre à cet endroit spécial où vous pouvez gagner votre vie en vendant votre travail, vous devez appartenir à une certaine catégorie d’artistes ;
• des artistes qui produisent beaucoup de travail (et je veux dire vraiment beaucoup!),
• des artistes qui parviennent à obtenir des prix extrêmement élevés pour leur travail, ou
• des artistes qui peuvent commander et gérer de nombreuses commandes chaque année.
J’ai même connu un artiste qui avait 42 acheteurs dans le monde (USA, Europe, Japon, Hollande …) qui passaient dans son atelier pour acheter directement ces tableaux, soit pour les revendre soit pour les collectionner.
Et même pour eux, cela reste toujours un peu compliqué.

Comment vendre son art !

Le fait est que la grande majorité des artistes vivent de revenus qui ne proviennent pas de la vente de leurs œuvres. Ils enseignent (souvent des arts), ils sont dentistes, ingénieurs, vendeurs ou employés de bureau. Beaucoup ont des partenaires qui les soutiennent de toutes les manières, y compris au niveaux des finances. Et pourtant, ils ne se considèrent pas comme des amateurs.

Le Marketing, cet inconnu qui peut vous aider.

Parce que la plupart des artistes ne viennent pas du monde du marketing, tout est nouveau pour vous. Mais dès que vous lisez un peu plus de livres et que vous regardez quelques articles de blog et de cours, vous réalisez qu’ils offrent tous la même chose. Ils appliquent simplement les techniques de marketing courantes au marketing de l’art.
Vous pourriez, si vous le souhaitiez vraiment, considérer vos peintures comme un produit et votre atelier comme une entreprise. Oui, vous avez des revenus. Vous avez des dépenses. Etc.
Vos œuvres, sont-elles de simples produits de consommation.
Mais vos peintures ne sont pas vraiment la même chose qu’un logiciel, un ouvre-boîte novateur ou un chapeau de feutre.
Vous ne pouvez pas prédire combien de produits, vous produirez dans un an ou dans un mois. Vous ne pouvez pas externaliser la fabrication. Vous pourrez (je suppose.) calculer le coût des matériaux utilisés dans une peinture. Mais comment compter les heures de travail ?
Rester au lit à y penser compte-t-il?
Assis dans un coin du studio, en train de regarder ?
Qui compte les heures quand même ?
La valeur de votre peinture ne peut pas être exprimée en heures de travail. Peut-être devriez-vous augmenter juste le taux horaire, pour exprimer la valeur de votre processus de création ?
Cette «pensée produit» commence déjà à se faire sentir.
Voir votre art comme un produit (avec des marges de profit) enlève une partie de votre art. Remarquez, il n’y a rien de mal à faire cela, si vous voulez ou devez le faire. Mais je trouve que cela enlève certaines des caractéristiques uniques d’une entreprise d’art.
Vous ne ressemblez à aucune autre entreprise. Votre travail ne ressemble à aucun autre produit.
Tout ce qui concerne le client (une expression marketing courante) se heurte de manière inhérente à l’art original, qui vient du plus profond de vous. «Répétez ce qui fonctionne» (entendu dire que l’on entend souvent) va à l’encontre du processus de création. « Traîner là où vos clients traînent » est une illusion, et travailler avec des « conduites froides » dans un entonnoir semble manipulateur.

L’art est unique.

Vos peintures sont pleines de vous. Vous mettez votre propre création, « quelque chose » dans votre travail. C’est pourquoi les gens aiment l’art ; c’est spécial, ce n’est pas comme n’importe quel autre produit. C’est tout autre chose.
Et les méthodes de marketing habituelles ne s’appliquent pas non plus. Je ne dis pas que nous ne pouvons pas organiser un événement de vente de temps en temps. De toute façon, nous avons tous besoin d’un atelier vide parfois ! Je ne dis pas non plus que les méthodes de marketing agressif traditionnelles ne peuvent pas fonctionner pour certains. Et je ne dis pas que certaines connaissances en marketing ne sont pas utiles. Comprendre le fonctionnement du marketing peut être extrêmement rentable.
Mais pour une raison ou une autre, bombarder vos clients de messages sonores répétitifs au sujet de votre art incroyable n’est pas la solution. Une entreprise de hamburgers ou une chaîne de supermarchés pourraient peut-être le faire. Mais cela donnerait à votre art un aspect collant et haussier.
Cependant, toutes les ressources du marketing ne sont pas aussi mauvaises. Il y a de plus en plus d’opinions marketing qui vont à l’encontre de la communication agressive. Il y a ceux qui choisissent les bons éléments qui s’appliquent à nous artistes.

Un exemple est de raconter des histoires, ce que l’on appelle le story telling.

Partager pourquoi vous faites ce que vous faites.

N’hésitez pas à partager votre passion et à expliquer ce que vous faites et pourquoi vous le faites, soyez sincère.
« Entamez des conversations et les conversions prendront soin d’eux-mêmes », j’ai entendu récemment cette phrase d‘un responsable du marketing sensé. Il a raison.
Utiliser votre créativité pour commercialiser votre art est sûrement la voie à suivre, au lieu d’utiliser des formules de marketing traditionnelles.
Mais notre art est unique et profondément lié à nous-mêmes. Notre art est fait pour un public qui le comprend et qui l’aime tout autant. En quelque sorte, cela devrait être le point de départ de toute démarche marketing.
J’ai l‘intention d’écrire davantage sur le marketing de l’art et de faire plus de recherche sur les artistes qui vivent de leur art et sur les très nombreux artistes qui ne le font pas.
Faites attention si vous voulez suivre un cours de marketing
De nombreux «experts» et «gourous» essaient de nous dire que nous pouvons vivre le rêve (être riche) si nous suivons leurs méthodes de marketing. Ils proposent tous les mêmes techniques de marketing agressives, habillées d’un Ted Talk sur la pleine conscience, le client idéal et d’autres discours séduisants, qui auraient peut-être fonctionné pour certaines grandes marques, mais qui réduiront l’art astucieux de votre art et en feront un produit comme tous les autres.
Une partie de ce blog est un avertissement à tous les autres artistes.
Il existe des cours de marketing pour artistes qui offrent de lourdes commissions d’affiliation à leurs étudiants. Pour eux, vendre le cours de quelqu’un d’autre est plus rentable que vendre leur propre art. J’étais dans un cours comme ça. Je ne nommerai pas de noms. Mais je vois des artistes endosser ce cours sur les médias sociaux, disant à leurs amis que c’est un parcours extraordinaire. Ils oublient facilement qu’ils reçoivent une somme conséquente pour chaque « ami » qui s’inscrit. C’est plus que beaucoup d’entre nous pour un tableau.
Leur « amour » pour ce cours de marketing est complètement embrouillé par leurs frais « je peux maintenant payer le loyer ». Soyez donc prudent lorsque vous vous inscrivez à un cours de marketing. Beaucoup sont formidables, mais certains sont la proie de «l’artiste affamé » qui cherche désespérément à payer ses charges.
Par tous les moyens, apprendre un peu de marketing
Oui, un artiste devrait en apprendre davantage sur les sites Web, les listes de diffusion et la gestion d’une entreprise.
Je pense que j’aurais dû apprendre dès le début que gagner sa vie en vendant son art n’est que pour un très petit nombre et même si cela est possible, cela prendra beaucoup de temps.
Et pour cela, beaucoup d’entre nous (pas tous!) Pourraient devoir sacrifier quelque chose que vous ne voudriez peut-être pas sacrifier : votre art.
Si vous avez besoin de gagner de l’argent pour avoir un toit, allez et gagnez de l’argent quelque part. C’est parfait. Que vous utilisiez votre art pour gagner de l’argent, que vous créiez des produits dérivés à partir de votre art pour gagner de l’argent, que vous trouviez un autre emploi pour gagner de l’argent : c’est tout bon.
Je ne juge pas. Mais reconnaissez simplement vos choix et pourquoi vous pourriez opter pour l’un plutôt que l’autre. Pour la plupart d’entre nous, le mythe selon lequel nous pouvons gagner de l’argent et rester complètement fidèle à notre art devrait être véritablement démantelé maintenant.
Si je peux aider les autres à profiter de leur voyage artistique, je le ferai. Je ne mentirai pas aux jeunes artistes en herbe en disant que nous pouvons tous vivre de nos pastels et de nos huiles. Si je peux détruire des mythes stupides en chemin, je le ferai.
 
 
Qu’en pensez-vous ?
Dans quelle mesure est-il possible de vivre de la vente de votre art sans sacrifier une partie de cet art ?
Laissez un commentaire ci-dessous.

Comment est né le Bleu de Prusse !

Savez-vous qu’un grand nombre de découvertes est dû à des accidents de laboratoire, dans cet article, je vous explique la naissance du Bleu de prusse.
Comment un Rouge peu devenir Bleu ?
Le monde changeant du Bleu de prusse
 » Et c’est comme ça que j’ai pris Cézanne au dépourvu, en m’inclinant de réflexion. Son visage ressemblait à celui d’un potier, brûlé par le soleil, qui semblait effrayé par l’ombre des feuilles voisines. Il avait une petite tête osseuse à la peau rosée, des yeux vifs et une moustache blanche, maculée négligemment de bleu de Prusse. « 

@Jules Borély, Conversations avec Cézanne
Une peinture plus chère que l'or

Il est difficile pour les artistes, gâtés par la disponibilité de toutes les couleurs de l’arc-en-ciel, d’imaginer un monde dans lequel une de nos couleurs importantes et nécessaires coûte plus cher que l’or. Mais c’était le monde d’avant 1703. Le bleu permanent le plus puissant et le plus utile à cette époque était l’outremer. Le nom vient des mots «oltre marino», faisant référence au mot «outre-mer». Il était si cher que de nombreux artistes devaient compter sur leurs riches clients pour le leur acheter ou s’en passer.

Comment est né le Bleu de Prusse

En 1703, cependant, tout cela a changé. Un nouveau bleu a été créé accidentellement et il peut être fabriqué par quiconque connaît la formule «secrète» de Johann Diesbach. Ce fabricant de couleurs l’a découvert, et pourtant il n’essayait même pas de créer un bleu. Il mélangeait une laque rouge standard, fabriqué à partir de cochenille.

Un mélange accidentel

On raconte que Diesbach était en retard avec la commande d’un client et s’empressant de la terminer, il a fait ce mélange accidentel.
Pour faire le rouge, il avait besoin de cochenille séchée, de sulfate de fer et de potasse.
Heureusement pour les futurs artistes, il n’avait pas de potasse sous la main.
La potasse est un alcali, appelé mordant, nécessaire pour que la couleur s’attache aux fibres et devienne permanente.
Plusieurs versions de cette légende urbaine attestent de ce qui s’est passé, mais le résultat est que Diesbach met la main sur de la potasse contaminée qui, lorsqu’elle est combinée avec le mélange de cochenille et de sulfate de fer, devient bleu au lieu de rouge.
Un nouveau bleu – bleu de PrusseComment est né le Bleu de Prusse !
Quand il a vu cela, Diesbach en a oublié sa fabrication de rouge et a commencé à essayer de reproduire à nouveau ce bleu. 
Ce qu’il avait accidentellement créé était une réaction chimique si complexe qu’elle n’aurait peut-être pas été découverte du tout avant de nombreuses années.
Apparemment, la potasse qu’il utilisait contenait du sang animal contenant du fer. Le fer avait réagi avec la potasse pour la transformer en ferrocyanure de potassium. Quand il a mélangé cela avec du sulfate de fer, il a accidentellement créé un autre composé, le ferrocyanure de fer – ce que nous appelons aujourd’hui le bleu de Prusse.
Même s’il savait comment le créer, il ne savait toujours pas pourquoi il était devenu bleu.
Au début, Diesbach avait gardé la formule pour lui, mais le commerçant qui lui avait peut-être vendu la potasse contaminée, Johann Konrad Dippel, avait réglé le problème et en 1710, il vendait lui-même la nouvelle couleur. C’était un succès instantané.
Les raisons de ce succès étaient sa profondeur, sa grande transparence et sa grande force, mais aussi parce qu’il représentait le dixième du prix du bleu outremer.
Comme il s’agissait de la première couleur véritablement synthétique, il était facile de la fournir aux artistes du monde entier, qui attendaient depuis des siècles littéralement un bleu puissant et non-toxique.
On lui attribue également la renaissance d’artisanat sur bois japonais, qui a ensuite influencé les impressionnistes français, dont le travail et les couleurs ont inspiré tant d’art moderne, le tout grâce au bleu de Prusse !
Sous la vague de Kanagawa par Katsushika Hokusai, estampe sur bois

Comment utiliser le médium à peindre

Aujourd’hui, je réponds à la question : doit-on utiliser absolument un médium pour peindre à l’huile ?

Il est difficile pour moi de répondre à cette question de façon simple et concrète, en effet, tout dépendra de votre technique picturale.
J’ai donc décidé de répondre à cette question sur plusieurs articles, et parfois de m’appuyer sur des anciens maîtres.
Cet article répondra à la question pour tous ceux qui ont un style dit léché ou hyperréaliste.
L’un des plus anciens auteurs qui ait décrit les procédés techniques de la peinture, est Armenini, de Faenza, et il ne laisse aucun doute sur l’emploi du vernis.
Armenini (Giovanni Battista), est né à Faenza (Italie) en 1540, mort en 1609. Tout jeune, il montra des dispositions particulières pour la peinture qu’il étudia sous la direction de Taddeo Zuccaro. Après avoir parcouru toute l’Italie, il se fixa à Milan où il travailla dans l’atelier et pour le compte de Bernardino Campi. On rapporte que, dans sa jeunesse, il copia le Jugement dernier, de Michel-Ange. La seule œuvre originale qu’on connaisse de lui est une Assomption de la Vierge qui se trouve à l’église de Faenza.
Soit par découragement, soit pour toute autre raison, Armenini renonça d’assez bonne heure à la pratique de son art pour se consacrer exclusivement à la théorie, et, après avoir revêtu l’habit ecclésiastique, il travailla à un ouvrage sur les Véritables Préceptes de la peinture.
Il conseille positivement d’en mêler dans les couleurs dont on se sert pour glacer, et même dans celles de l’impression.

Comment utiliser le médium à peindre

Attention à cette époque, on parle de vernis à peindre, et non de médium à peindre, mais c’est le même produit.
Voici comment il s’exprime :
Lorsque l’ébauche est finie et sèche, on commence à repeindre et à travailler chaque partie avec plus de précision en employant les couleurs les plus belles et les mieux broyées, et ne faisant les teintes qu’à mesure que l’on peint, parce que cette fois, on glace plutôt qu’on empâte les chairs, qui d’ailleurs sont déjà amenées à un certain degré de fini…. ; et pour faciliter l’exécution, il faut d’abord enduire la partie que l’on va repeindre, en la frottant avec les doigts trempés dans de l’huile de noix clarifiée.
On étend cette huile bien également avec la paume de la main, ensuite, on l’essuie avec un linge propre, parce que, lorsqu’on ne l’a pas enlevée, les couleurs jaunissent avec le temps. Cette préparation facilite beaucoup le travail, en ce que les teintes coulent et s’appliquent sans que le dessous les refuse : de sorte que les choses les plus difficiles peuvent s’exécuter sans peine. Les peintres habiles n’emploient alors que peu de couleurs, et, comme on l’a dit, glaçant plutôt légèrement qu’en empâtant.
Ils obtiennent ainsi beaucoup de douceur et de moelleux dans les chairs et dans les draperies….
Mais je reviens aux draperies que l’on glace ordinairement, bien que les peintres habiles dédaignent ce moyen, parce qu’ils ne peuvent supporter de voir les étoffes partout d’une teinte uniforme….
S’il s’agit d’une draperie verte, le procédé dont nous avons déjà parlé s’exécute ainsi. Après qu’on a ébauché avec du vert, du noir et du blanc, de manière qu’il y ait un excès de fermeté, que la draperie soit un peu crue, on mêle un peu de vernis commun et de laque jaune avec du verdet, et avec ce mélange on glace le tout avec un gros pinceau de vair (petit-gris)….
…. Si c’est une draperie de laque, on suit le même procédé en mêlant du vernis à la laque, et on doit en mêler de même avec toutes les couleurs lorsqu’on veut glacer .
Il faut quand faire attention à l’utilisation des médiums à peindre, ne pas en sur-consommer, et toujours respecter la regle de Gras sur Maigre. N’hésitez pas à mettre un peu de White Spirit ou de l’essence de térébenthine dans votre médium pour les premières couches.
Armenini décrit ensuite diverses préparations de vernis. Mais cela fera parti d’une autre série d’articles.
Maintenant c’est à vous
Thierry