Comment aborder un autoportrait

Aussi  longtemps que les humains ont fait l’art, ils ont créé des autoportraits.

Il y a 30.000 ans, les hommes préhistoriques ont décoré la grotte Chauvet dans le sud de la France et certains d’entre eux pulvériser du pigment pour faire les contours de leurs mains qui peut être considéré  une très ancienne forme d’autoportrait.
Depuis lors, les artistes ont eu recours à leur propre image comme thème riche à développer,  leurs compétences artistiques et la pratique.
Albrecht Dürer , Gustave Courbet , Egon Schiele , Vincent van Gogh , Lucian Freud – la liste est longue  des maîtres artistes qui ont perfectionné  leur main à l’ autoportrait.
Rembrandt a fait des autoportraits tout au long de sa vie, un record merveilleux de l’image de soi d’un homme au fil des ans, le peintre allemand Lovis Corinth a peint une image de lui-même à chaque anniversaire, ce qui en résulte une remarquable  étude sur développement de sa technique artistique .

Peinture Projet : Création d’un autoportrait

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Lovis Corinth : Autoportrait avec le squelette 1896

 
Faire  votre auto- portrait est un brillant projet pour développer vos techniques artistiques et , à condition d’avoir un miroir et les matériaux appropriés (photographie) , votre modèle est toujours disponible .
Choisissez une composition avec juste la tête et les épaules avec une forte lumière d’un côté et expérimenter avec différents milieux colorés ; varier la couleur. La direction de la lumière et de l’intensité produisent des effets différents.

Préparation pour votre peinture

 
Avant de commencer à peindre, vous devez vous décider sur une pose, n’oubliez pas que vous devez être à l’aise dans la position que vous aurez choisis. Vous devez être capable de peindre librement et garder à l’esprit qu’il peut être possible pour vous,  d’adopter la pose pendant longtemps.
Ensuite, vous devez étudier comment vous allez aborder le problème de représentation de  votre propre visage
Le  visage est, aux yeux des hommes, la partie  la plus reconnaissable dans le monde.
Il faut faire attention aux  émotions dissimulées dans des changements subtils dans les muscles du visage , la peau, les yeux et la bouche .
 

Peinture Projet : Création d’un autoportrait

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Frida Kahlo : Autoportrait avec le collier de Thorn et Hummingbird

 
 
Pensez à quel type d’expression, d’humeur et d’émotion que vous souhaitez transmettre et comment cela se reflète dans la façon dont vous allez gérer la peinture, les couleurs que vous choisissez et la technique que vous allez utiliser.
Le but principal de cet exercice est de présenter votre propre visage et la tête comme un objet dans l’espace, en utilisant la couleur , le ton.
 

Le choix de la forme et de la composition

 
Choisissez comment vous allez cadrer votre propre tête et la conception du plan de l’image est crucial avant de commencer à travailler.
Imaginez le miroir est l’image que vous allez créer.
Essayez de placer votre tête dans le centre du reflet de ce miroir, face simple avec un espace égal symétriquement tout autour.
Bouger ensuite votre tête en la déplaçant sur le côté, en la déplaçant vers l’avant pour remplir le reflet de votre visage et en vous éloignant du miroir.
Ces expérimentation,  vous donne une idée de comment vous voulez équilibrer l’image et comment la forme et la composition interagi  avec vos intentions de création d’un auto- portrait.
 

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Gustave Courbet : L’homme désespéré c.1843 – 1845

Gustave Courbet : L’homme désespéré c.1843 – 1845

Le ton et la couleur

 
Une fois que vous vous arrêtez  sur  une composition, il est temps de considérer le choix de la couleur et du ton de la peinture. Regardez attentivement votre peau – le visage n’est pas d’un ton monotone idem pour la peau.
C’est plutôt un patchwork de couleurs différentes, les trais saillants et subtiles de la lumière qui réfléchie, et la coloration des ombres. Pensez aussi que vous n’allez pas seulement peindre votre visage, les couleurs et les tons de l’espace autour de vous,  auront une importance égale dans l’œuvre  finie.
Pensez à comment vous allez utiliser les tons chauds et froids.
Les tons chauds comme l’orange et le rouge apparaissent généralement plus proches, et les zones qui sont peintes dans les bleus frais et gris plus éloignées.
Les zones avec une plus grande variation tonale semblent également proches de l’observateur.
L’utilisation prudente de ces effets peut avoir un effet profond sur le sens de l’espace et de profondeur dans votre peinture. Il ya un grand nombre de manuels d’art disponibles  qui expliquent tout sur la théorie de la couleur et de la pratique artistique.

Les matériels

 
Maintenant que vous avez réfléchi à la composition, la couleur et le ton de votre peinture, vous êtes presque prêt à commencer à travailler sur votre image, il vous suffit de décider de quel type de matériel, vous souhaitez utiliser.
Idéalement, vous devriez expérimenter  une variété de différents types de peinture – aquarelle , acrylique , gouache et huile – pour découvrir ce qui  convient le mieux à votre style artistique .

Style et la technique

 
Enfin, le style et la technique que vous utilisez,  seront probablement apparaîtront une fois que vous commencez à travailler sur votre auto – portrait.
Regardez le travail d’autres artistes pour  trouver des styles et des thèmes qui vous inspirent,( la plupart des grands artistes se sont entrainés en copiant des œuvres au sein des musées), puis commencer à peindre votre propre image.
L’autoportrait est un projet que vous pouvez faire  encore et encore.
Grâce à cela, vous  verrez progresser votre style et votre technique.
Ils fournissent témoignage précieux de votre progression en tant qu’artiste et en tant que personne.
Personnel, je me suis longtemps exercé avec un vase iranien, que j’avais acheté en Salle des ventes. Au début de mon activité artistique, je le peignais tout les mois, cela m’a permis de voir ma progression, et parfois de me rassurer, sur mon évolution.
 
 

3 raisons pour lesquelles, Le Triptyque d' Art est un succès

3 raisons pour lesquelles Triptyque d’Art est un succès

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Adriaen Isenbrandt (circa 1485-1551)

Le Triptyque se compose de trois panneaux qui sont destinés à être affichés ensemble. Un  triptyque  est de l’adjectif grec  τρίπτυχον  qui signifie «trois fois».

Les premiers étaient des triptyques de l’art paléochrétien, qui était un format populaire pour les tableaux d’autel du Moyen-Age.
Aujourd’hui le triptyque d’art est toujours défini comme une œuvre d’art, habituellement c’est une peinture sur bois, un art numérique ou une  photographie divisée en trois sections.
Lorsqu’un triptyque est appliqué à la photographie ou aux beaux-arts, il n’y a pas de règles fermes, quand à son affichage. La méthode se compose de trois œuvres d’art montées dans un cadre, les trois images sont étroitement associés et sont affichés les une près des autres. Alternativement, le triptyque peut être une collection de trois photos présentées dans une image singulière.
L’art de triptyque est souvent utilisé comme un élément de décor dans différents design d’intérieur. Ils peuvent être magnifiquement placés dans des maisons, des bureaux et des hôtels.
La vision de l’artiste est primordiale. En tant qu’artiste, je peux vraiment exprimer mon style ou un message dans un sens beaucoup plus large avec une œuvre «  triptyque ». Il n’y a pas vraiment de règles en triptyque d’art et de photographie, tout est permis.
Voici les trois points que j’ai mentionnés pour expliquer pourquoi je crois qu’ils sont un véhicule efficace pour l’artiste et son art.

1 . Grand attrait visuel

:
Ces images ont un attrait esthétique en eux même. Elles obligent le spectateur à réfléchir sur la conception et remettent en question le sens et le mouvement de la pièce. Comme le spectateur regarde d’un panneau à l’autre, ils doivent comprendre la façon dont l’art s’adresse à eux et comment ils peuvent digérer trois oeuvres différentes en une seule composition.

2. Couleur :

La couleur doit aider à diriger l’œil, pour aider à aller de l’image gauche à celle de droite.
Ici sur l’œuvre e Marc Garrison, la couleur subtile de la première illustration aux tons bleus, aide à passer à la seconde puis les lignes fines amènent  à la  3e et maintient la pièce intéressante.
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Je crois que ces œuvres d’art contemporaines sont plus subtiles que la photographie en format triptyque parce que je peux modifier les couleurs et la transition de chaque pièce. Contrairement à une photo qui est essentiellement une image découpé en trois parties.

3. Surface:

Le problème des acheteurs en arts, c’est qu’ils veulent souvent décorer leur intérieur.
En d’autres termes, quand ils s’investissent dans une œuvre d’art, ils veulent qu’elle  couvre un espace de mur suffisant.
Le triptyque à l’avantage de pouvoir s’étaler sur un mur et donner une impression de grandeur, d’occupation de l’espace.
Je suis sûr que vous vous demandez ce que cela signifie d’art contemporain de toute façon ?

Je vais essayer de vous donner mon avis.

J’aime travailler avec un  thème de transitions.
Je commence avec un design simple, le second devient plus complexe – comme la façon dont notre vie devient plus complexe et que nous grandissons et atteignions  nos années les plus productives.
La dernière partie est quand nous arrivons à notre stade de maturité de la vie où nous continuons à évoluer encore. Peut-être pas tout à fait comme nous l’avions espéré, mais en quelque sorte nous avons fait au mieux.
 

Portrait à la peinture à l'huile Scott E. Bartner

Portrait :

Ce n’est pas une tâche facile de créer un portrait réaliste à l’huile. La technique de Scott est vraiment remarquable à ce point.
Bien qu’il soit difficile de proposer une méthodologie standard pour faire un portrait, voici ici un pas à pas basé sur le travail de Scott.

Préparation du support :

 
Préparation de la toile est une étape importante dans n’importe quel type de peinture.
La toile est préparée pour la peinture avec un certain nombre de couches minces de Gesso.
Maintenant,  une couche uniforme de terre d’ombre brûlée est appliquée.
En utilisant  de fines couches de terre d’ombre brûlée, nous commençons à donner un modelé à la tête.
Il faut absolument  travailler  en couche transparente.
 

Etape par Etape portrait à la peinture à l’huile

 

Etape 1:

Commençons par établir l’esquisse  de base.
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Étape 2:

Le dessin est renforcé à  l’aide d’un petit  Brun Van Dyck  (ici de la marque Oldholland) pour estomper les traits du dessin.
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Étape 3:

La sous-couche est démarrée avec une fine combinaison de titane et blanc cassé.
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Étape 4:

Le front au dessus de l’œil a la plus grande valeur lumineuse.
Donc nous commençons par ce point. La partie essentielle est son œil gauche.
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Ajoutez de la couleur sur les cheveux du portrait.
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Faisons la couleur de la peau avec un mélange de bleu de cobalt, rouge permanent et terre de Sienne brûlée.
Quand la couche de couleur est bien sèche au toucher, appliquez cette  nouvelle  couleur de  peau sur la couleur  précédente.
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La dernière étape du portrait.

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Les peintures de Scott.E.Bartners ont acquis une grande popularité et elles sont appréciées  dans le monde entier. Elles sont connues pour leurs coté naturel.
 
Scott Bartner (1960) est un artiste de portrait à l’huile éminent qui est réglé dans Pays-Bas. Il est un artiste talentueux qui est spécialisé dans la peinture de portraits. Il est un expatrié américain qui a déménagé à la ville de Maastricht en 1993. Il est un fait surprenant qu’il a commencé à peindre seulement après ses 19 ans.
 

biography-fotoÀ propos de l’artiste:

 
Au départ,  Il a choisi de faire une carrière dans la finance.
Mais il s’est vite rendu compte que son travail de bureau,  ne pouvait pas lui offrir toute l’énergie et  l’intérêt qu’il avait dans  l’art.
Avant d’essayer de reproduire  les peintures de maîtres anciens, il a  commencé son entrée en faisant de simples esquisses de ses amis.
Scott a commencé à étudier l’art le soir avec Ruth Stroik à l’Université américaine.
 
Site de Scott E. BARTNER
 

Qu'es ce que le pointillisme ?

Aujourd’hui, je réponds à une question de Marie Claude (54):
Qu’es ce que le Pointillisme ?
HISTOIRE 
Il semblerait que cette technique soit nait d’une recherche du directeur de la manufacture des Gobelins, Michel Eugène CHEVREUIL .
Il a écrit un livre « De la loi du contraste simultané des couleurs et de l’assortiment des objets colorés.
Il tentait de résoudre un problème récurant des teintures de cette manufacture ?
Perçus simultanément, deux points de couleurs différentes sont donc vus par l’œil comme une combinaison formant une nouvelle teinte ou modifiant la couleur d’origine.

Georges Seurat, Un dimanche après-midi à l'Île de la Grande Jatte, 1883, Art Institute of Chicago.
Georges Seurat, Un dimanche après-midi à l’Île de la Grande Jatte, 1883, Art Institute of Chicago.

Le Pointillisme est une technique utilisée par des peintres comme Seurat ( 1859-1891) ou Signac (1863-1935).
C’est une technique relativement facile à Maitriser.
Cette technique permet de créer des effets d’ombre, en variant la taille des points et leur couleur.
Elle permet également d’obtenir un nombre infini de couleurs secondaires dans mélanger les teintes mais en les juxtaposant.
On utilise pour cela les trois couleurs primaires en imprimerie (rouge bleu & vert) et de leurs complémentaire ( Orange, Magenta & Jaune).
Georges Seurat, Le Cirque, 1890-1891, Paris, Musée d’Orsay.
Georges Seurat, Le Cirque, 1890-1891, Paris, Musée d’Orsay.

Par exemple avec des bleus et jaunes, c’est seulement en prenant un peu de recul que le regard découvre des verts.
Pour utiliser le pointillisme, il est recommandé de ne pas trop charger votre pinceau de couleur, faute de quoi, les points risquent de se rejoindre.
Georges Seurat, Une baignade à Asnières, 1884, National Gallery, Londres.
Georges Seurat, Une baignade à Asnières, 1884, National Gallery, Londres.

Les couleurs en tubes modernes sont-elles de bonne qualité

talp0267Je réponds aujourd’hui Martine d’Agen.
Martine m’ écrit la chose suivante :

Il se dit que les couleurs que l’on vend actuellement sont nettement moins bonnes que celles qu’utilisaient les anciens.

Cette pensée est fausse et basée, comme beaucoup d’idées, sur l’ignorance et un respect excessif et illégitimes de la tradition.
La respecter n’est pas toujours une bonne chose.
Soyons clair et disons-nous bien que nos anciens ne disposaient que de matières naturelles.
Assurément, ces couleurs ne peuvent soutenir la comparaison en éclat,  intensité, solidité et fixité avec celles produites par la chimie moderne.

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Précisons, par ailleurs, que les contrôles techniques effectuées en fabrication permettent de connaître le devenir de ces couleurs que vous, étudiants ou artistes, pouvez en faire usage en toute quiétude.
Personnellement, j’ai visité les laboratoires, des plus grandes marques de peinture beaux-arts distribuée en France, (Talens, Sennelier, Lefranc & Bourgeois, Pébeo, Winsor & Newton…..) Et je peux vous dire qu’à chaque fois, j’ai pu constater, que lors de la fabrication des couleurs, chaque salarié de ces marques, procède très régulièrement à des contrôles de qualité.
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En Europe, je n’ai trouvé qu’une seule marque, dont les produits étaient de mauvaise qualité, c’était une marque espagnole, dont je me souviens même plus du nom.
En plus, ajoutons que la chimie organique met à la portée des artistes une nouvelle gamme de coloris de grande solidité et à des prix très accessibles.

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Je vous rappelle que les échecs que vous rencontrez proviennent, la plupart du temps du manque d’intérêt que vous portez à la technique.
La main arrive à se libérer pour une véritable création que lorsque la tête s’est libérée de la technique, car l’ayant totalement intégré.
Encore faut-il vouloir la prendre. C’est ce que je tente de faire à travers ce blog.
Quoi que vous pensiez, car cela vous arrange, les grands artistes sont toujours de grands « TECHNICIENS ».
Bien sûr, vu comme cela, cela fait un peu POMPEUX et ce discourt que j’ai eu dans beaucoup d’écoles d’art, me donne l’impression d’enfoncer des portes ouvertes,  pourtant cela avait  l’air de plaire.
 

N’hesitez pas à me donner votre avis dans les commentaires

Que doit-on prendre pour peindre en vacances ?

Materiels à prendre pour peindre pendant les vacancesVoici une petite liste de matériels à ne pas oublier.

Bonjour à tous,

Pour certains d’entre vous les vacances sont terminées, mais pour d’autres elles vont commencer.
Voici, une petite note, pour ne pas oublier le matériel nécessaire, pour dessiner, peindre ou croquer les beautés que vous allez voir, observer pendant vos vacances.

Pour les utilisateurs d’acrylique.

Personnellement, j’apprécie énormément la grande souplesse d’utilisation que m’offre l’acrylique. L’économie de moyens nécessaires à sa mise en oeuvre, la matité de ces couleurs en font souvent le médium de prédilection pour les peintres sur le motif. Son pouvoir couvrant n’est pas l’un des meilleurs et en plus elle s’assombrit en séchant.
Son inconvénient l’été, c’est qu’elle sèche trop vite. Personnellement pendant les vacances je prends set disponible dans tous les grands magasins beaux-arts de 10 couleurs. Et j’utilise un médium avec un retardateur pour ralentir son séchage. Très souvent aussi, j’utilise l’acrylique, comme une aquarelle, cela veut dire extrêmement diluer.
Donc pour l’acrylique, le matériel conseillé est :

    • une boîte de 10 couleurs
    • trois pinceaux de taille différente
    • un bloc de dessins 160 g
    • un crayon et gomme
    • un bloc de papier spécial acrylique

 

necessaire-aquarellesPour les utilisateurs d’aquarelle

Pour les utilisateurs d’aquarelle, c’est beaucoup plus simple à emmener.

      • Une boîte de 12 ou 24 demi-godets
      • un pinceau à Lavis de type Raphaël 803 numéros 2
      • un pinceau en martres numéro 0 ou 1
      • un bloc d’aquarelle de préférence 300 g et collé.
      • Un crayon et gomme.

 

Pour les utilisateurs de pastel.

Comme pour l’aquarelle, les pastelistes n’ont pas besoin de beaucoup de matériel.

      • Une boîte de 36 demi-pastel
      • une gomme et un crayon
      • un bloc de papier à pastel (Mi-teintes, ingres, Pastel Card ou Pastel-Mat)

 

huile-peinture-materiel-400x270Pour les utilisateurs d’Huile

Pour les utilisateurs d’huile, c’est plus compliqué, la quantité de matériel est souvent imposante.
L’idéal est d’avoir une boîte chevalier de campagne, car elle permet, d’emporter tout le matériel nécessaire à la pratique de ce médium. Mais on peut aussi se contenter d’une boîte en plastique solide et d’un chevalet (de campagne pour faciliter le transport).

      • Un assortiment d’une dizaine de couleurs
      • De 3 à 5 pinceaux naturels
      • un flacon d’essence de térébenthine
      • un médium atteindre
      • une palette
      • alors deux à trois châssis (la taille en fonction de votre choix)
      • au un bloc de papier spécial huile (il existe chez tous les fabricants de papier beaux-arts)

avec tout cela vous n’oubliez rien, je vous souhaite de bonnes vacances, et de peindre de jolies oeuvres.

Test : Les couleurs à l'huile solide

Aujourd’hui , je vais vous parler des couleurs à l’huile solide.
À l’origine c’est un produit qui a été créé pour le monde de l’industrie, il servait surtout à marquer des supports lisses (verre, métal, etc.), son nom est « Oil Bar »

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C’est  Dominique Sennelier (la marque Sennelier et aussi les magasins de détail Sennelier à Paris) qui a été le premier importateur du « OIL BAR ».
Et c’est seulement après qu’il a créé son propre «  Oil Stick », en copiant « Oilbar ».
Ce fut une véritable révolution pour les consommateurs de Pastel à huile. En effet très proche techniquement, il n’en a pas les inconvénients, car il sèche en moins de trois jours, il permet un vernissage comme à l’huile et de plus il a tous les avantages de l’huile traditionnelle.
Aujourd’hui, c’est un produit qui est rentré dans leurs mœurs des consommateurs professionnels.
En moyenne, il se vend un bâton d’huile pour 50 tubes d’huile.

Si c’est un produit qui reste confidentiel dans le monde de l’art en générale, c’est simplement un manque de connaissance du consommateur, mais aussi avant tout du distributeur.

France Mitrofanoff,

Une oeuvre de France Mitrofanoff

 

Dans le cadre de Markal, il est utilisé à 80% pour les loisirs créatifs et le Home déco.
Dans le domaine de la peinture artistique, les Bâtons d’huile sont surtout employés dans trois cas :

  • La réalisation de Pochades (dessin rapide) dans le cadre de l’apprentissage à mi-chemin entre le crayon graphite et l’huile au pinceau, et croquis sur site.
  • L’exécution de tracés préparatoires sur le support à peindre.
  • Les ajouts intermédiaires ou terminaux sur une surface peinte bien sèche.  Sauf pour ceux qui maîtrisent parfaitement la technique. Sur une couche non sèche, le bâton vient la déchirer

comme ils peuvent être utilisés sur de nombreux supports,  ils intéressent beaucoup les plasticiens professionnels.
Leur forme de bâton,  les destine à un travail gestuel, mais leur texture, leur pâte peut être diluée comme n’importe qu’elle peinture à l’huile, avec des médiums traditionnels, des essences et des solvants.
En France :
 il y a trois grandes marques qui se partagent le marché du Bâton d’huile
Markal: Artist
56 couleurs
Mais plus destiné au loisir créatif, du fait de la composition de ce bâton, plus est saturé en cire et autre substances.il est plus facile à l’utilisation dans ce milieu et sur support rigide.
Les plus :

  • une gamme conçue pratiquement que pour le loisir créatif, le choix des couleurs et leurs noms très tendance le prouve « Chocolat, vieux rose, vert céladon, etc. »
  • Omniprésente dans les magasins de loisirs créatifs.

Les moins :

  • Un bâton très dur,
  • Plus difficile à manier sur une toile souple
  • Des couleurs plus ternes, très vite saturées
  • Leur positionnement sur le marché français n’en fait pas du tout un concurrent des bâtons à l’huile artistique

Sennelier: Oil Stick
54 couleurs
Indéniablement le plus vendu dans le monde des Beaux arts, plus onctueux que le Markal, il est vraiment destiné au monde des beaux arts.
Les plus

  • Sa grande présence sur le territoire français
  • La notoriété de la marque Sennelier largement affichée sur le bâton

Les moins

  • Plus huileuse, on arrive vite à saturation si on l’utilise avec du médium et des solvants. Sèche plus lentement que Oilbar
  • Son prix
  • Ce produit se trouve très présent dans les catalogues des VPC.
  • À l’utilisation le papier se déchire très mal et ont fini par avoir de la peinture plus les mains. Et cela devient vite désagréable.

Winsor & Newton: Oil bar
50 couleurs
C’est la marque créatrice de ce médium, tout du moins la première à être implanté sur le territoire français.
Les plus

  • Son conditionnement 50 ml, correspond plus aux besoins des artistes professionnels
  • Son prix généralement plus attractif
  • Un temps de séchage accru quand on ne dépasse pas 1mm d’épaisseur.
  • Sur la protection papier (étiquette),  un système de pré découpage facilitant son utilisation à long terme.
  • Un bâton qui se tient mieux dans la main surtout pour un homme.

Les moins

  • Le seul vrai moins que j’ai pu constater et selon mon réseau de distributeurs, c’est le peu de notoriété de la marque en matière d’huile sur le sol français.

 
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Cours: Peinture à l'huile – La vague

Un Paysage marin.
 
Alors que les images de cet article font partie d’un tableau achevé, Ce cours sera axé sur la structure et les contours de l’onde de rupture de base. La vague complète- y compris le retournement, les transparences, les modèles de mousse et le déferlant  – sont illustrés ci-dessous. Voici pour vous une « peinture a dessiner »
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Maintenant que j’ai ma composition à l’esprit, j’utilise un pinceau « liner » et toutes les couleurs bleues claires pour esquisser les grandes lignes de ma peinture. J’aime travailler avec précision pour cette esquisse, cela assurera autant que possible de meilleurs résultats. Si le temps le permet, je laisse le croquis sécher avant de passer à l’étape suivante. Si l’esquisse est sèche, je sais que je peux toujours y revenir.  Le mélange d’une petite quantité de diluant avec la couleur va accélérer le temps de séchage.
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Bien qu’il existe de nombreuses façons de commencer un tableau, j’ai l’habitude de commencer par le centre d’intérêt. L’établissement d’une forte «identité» empêche ici d’autres points de la peinture de venir me distraire. Dans ce tableau, je tiens à attirer l’œil sur la transparence en tant que point focal de la peinture, je vais donc commencer par un brossage dans les couleurs choisie  sur la face de la vague.
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A l’aide mon couteau, je mélange des touches de vert émeraude et de jaune citron avec un peu de blanc. Puis je prends un pinceau plat en martre, et j’étends  une mince bande de couleurs sur le haut de la vague. Je veux que le haut de la crête de la vague soit en une teinte légère pour définir une onde mince et translucide. J’ajoute une touche supplémentaire de vert émeraude pour me donner une deuxième bande de couleurs au centre de la vague. La couleur, à la base de l’onde est plus difficile à réaliser. À la couleur initiale de vert émeraude, j’ajoute une touche d’alizarine pour faire un  complément de teinte grise. Je mélange ensuite avec un vert Viridian, un peu à la fois, jusqu’à l’obtention d’un gris-vert équilibré. Si la couleur est trop sombre, j’ajoute une petite quantité de blanc pour atténuer l’intensité. Lorsque la couleur est satisfaisante, je l’utilise pour remplir la zone à la base de la vague. Maintenant il est temps de mélanger les bandes de couleur.
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J’utilise un pinceau n ° 14 ou n ° 16 toujours en martre  pour mélanger les bandes de couleur. Je pose de la pointe du pinceau sur la toile, comme indiqué dans l’encart, je badigeonne légèrement d’avant en arrière sur la toile comme si je vernissais un tableau. Je peins de haut en bas et vis et vers cela. Il faut un peu de patience pour mélanger les bandes de couleur uniforme. J’ai trouvé que le contrôle de la pression de la brosse sur la toile est important. Une forte pression va prendre trop de peinture sur la pointe du pinceau et coupez la couleur sur la toile. Une légère pression laisse la couleur se mélangée uniformément. J’ai aussi essayé de garder la brosse propre et sèche. Après j’ai fait plusieurs passage  de mélange, j’essuie la pointe du pinceau délicatement avec un chiffon sec pour enlever l’excès de couleur. Le résultat doit être un mélange de même intensité à partir de la zone la plus claire à la crête vers la couleur plus foncée à la base de l’onde.
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Pour les zones d’ombre dans la déferlante, j’utilise du vert Viridian et de l’Alizarine cramoisie avec du blanc comme base – cette fois avec une touche de bleu dans le mélange. Si la couleur apparaît trop lumineuse, une petite quantité de terre de Sienne brûlée peut être ajouté au mélange de gris. J’utilise une petite noisette pour remplir de la couleur à la base de la déferlante et autour de la roche, laissant des zones de toile pour les hautes lumières et elles pourront être ajoutés plus tard. J’ai également ajouté un peu de couleur à la base de la marée noire, juste au-dessus de l’éclatement de mousse. Une fine bande de la couleur de transparence est peinte des deux côtés de la mer. Encore une fois, le pinceau de martre fonctionne bien pour mélanger les trois domaines de manière uniforme.
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Ensuite, à l’aide du pinceau liner, je roule dans les lignes de la couleur du fond du déversement vers le haut jusqu’au sommet de la vague. J’ai parfois essuyé délicatement la brosse sur un chiffon pour enlever les résidus avant d’ajouter plus de lignes. Les lignes de courbe qui atteignent vers le haut de la vague, donnent une apparence de rondeur et de profondeur. Après avoir complété plusieurs des traits pleins, j’ajoute des traits plus courts pour casser la rigidité. De minuscules transversales en U sont ajoutées pour afficher la chute de l’eau. Enfin, le retournement complet et éclaboussures sont adoucis avec la brosse de mélange.
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L’eau au-dessous des motifs en mousse est mouvance par la perturbation de l’onde qui s’est écoulée. Comme les motifs de l’ébullition, la surface semble presque blanche à partir de l’aération. Lorsque l’eau s’est calmée derrière la vague qui passe, la mousse commence à se briser et se dissiper.
patanimL’exemple d’animation à gauche permet aussi de mieux comprendre les formes des motifs sur la vague déferlante. Le premier point de vue de l’animation est le bord du cercle vu au niveau des yeux. De même, les ouvertures dans la mousse à la base de l’onde ne sont pas visibles car ils sont moins cassés et nous les regardons au niveau des yeux. Ensuite, le cercle tourne verticalement et un peu de couleur est en vue. Le modèle est maintenant devenu une ellipse comme le visage de la vague le soulève et il commence à s’étirer et à se briser. Si la vague se brise, comme dans la peinture, l’image du motif s’inverse et devient encore plus cassé comme il se déplace.
La perspective est également prise en considération dans l’élaboration des modèles. Dans ce tableau, la vague se brise avec un léger angle vers la gauche, ce qui nous permet de voir la «frisure» ou «pipeline». Les modèles en mousse seront étirés verticalement pour refléter ce point de vue.
Maintenant pour la partie amusante! En utilisant le pinceau liner et du gris, je commence à former des motifs sur la face de la vague. Les formes des modèles utilisées sur la vague déferlante,  produisent des structures d’ondes plus complexes. La vague se gonfle en un mouvement, contre-courants, remous, l’eau se brise sur les rochers … tous ont leur propre dynamique et  beauté.
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Les petites images illustrent certaines de ces dynamiques. Les formes des modèles montrent le mouvement de l’eau et permet  d’améliorer la profondeur de l’image. La première présente des structures en mousse sur l’eau calme. Ils semblent suivre la légère houle. La seconde image montre l’ eau profonde au large des côtes rocheuses. En raison de rinçage et les obstacles, l’eau est constamment en ébullition. Dans la troisième image la vague s’est  brisée contre les promontoires et est en pleine progression en arrière contre une onde incidente. Ici, l’eau est contrainte par de nombreuses forces opposées. J’essaie de visualiser l’action de l’eau pendant que je travaille, en utilisant les modèles pour afficher la direction et le mouvement des vagues.
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Pour finir le point culminant blanc au sommet de la vague, je charge un côté de la pointe du pinceau avec le mélange à dominance blanche, tournant le côté chargé de la brosse vers le bas et en le maintenant à la crête des vagues.
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Un jus peut être utilisé pour donner de la profondeur à la couleur, adoucir les zones difficiles de couleur, changer une couleur, ou même de créer une ambiance différente dans la peinture. Le jus est l’application des traces de pigments de couleur dans un milieu transparent. Pour ce tableau, j’ai  en utilisé le procédé d’émaillage pour affiner et adoucir les domaines de la mousse. Dans les zones situées derrière les crêtes des vagues et surtout autour de la partie supérieure de l’éclatement de la mousse, j’ai teinté le glaçage avec du blanc et j’ai travaillé dans l’éclaboussure avec un pinceau plus large. Des traits libres contribuent à donner l’illusion du mouvement. Le blanc mélangé a créé la nuit(partie sombre) laissés derrière la vague déferlante.
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Je mélange avec une grande brosse du  Bleu Winsor, Viridian, alizarine, ou terre de Sienne brûlée, et je passe ce mélange avec assez de glacis pour rendre la couleur transparente. Pour créer des lignes de couleur plus claire, je tourne la brosse sur le bord, le tirant vers le haut et à travers les modèles. Les variations de couleur se produisent. Cela peut prendre plusieurs essais, mais je répète le processus jusqu’à ce que je suis satisfait de l’image finale. Ajout de l’arrière-plan, des rochers, et au premier plan, et c’est fini! Merci.
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A PROPOS de l’auteur de cette oeuvre – Byron Pickering
byronclassC’est seulement après avoir terminé l’étude à New York au Fashion Institute of Technology et de design et un passage dans cette industrie qui évolue rapidement, qu’il a fait son chemin dans l’Oregon en tant qu’étudiant ministériel. Un mouvement court de la côte est venu naturellement.
La combinaison de la proximité de l’océan et dans une communauté d’artistes a renouvelé l’envie de peindre. Byron a regardé les vagues tous les jours, en essayant de capturer sa force et sa fluidité. Son chevalet est devenu un élément permanent dans un coin de la salle de séjour. Sa compréhension de l’action de surf est le produit de ce temps d’observation, et est la ressource mentale à partir de laquelle il peint.
Après un an de pratique intense, Byron a donné sa première projection personnel dans une galerie côtière. Plusieurs spectacles à guichets fermés ont suivi. L’acceptation de son travail par un public enthousiaste a été la partie la plus gratifiante de son voyage l’art.
En 1981, lui et sa famille ont ouvert «Pickering Studio, » une galerie d’art et d’antiquités. La peinture est pour la galerie et une série annuelle d’ateliers occupaient les années suivantes treize ans.
Son site